Como quedamos en clase, os pedimos que analicéis cualquier imagen, spot o pieza audiovisual que os interese, según los pares que se explicaron en clase (en los grupos 1 a 3). Podéis elegir un de estos pares: iconicidad-abstracción, denotación-connotación, originalidad-redundancia, simplicidad-complejidad, monosemia-polisemia.
*Los alumnos-as del grupo 4, al no recibir aún estos contenidos no están obligados, aunque pueden intentar hacer un análisis de prueba. En cualquier caso, harán esta práctica la semana que viene.
Buen fin de semana
Eva Navarro y Agustín García Matilla
Educación, comunicación y sociedad 
Hola!
Queria pasaros un enlace de una noticia muy interesante que he podido ver hoy por la web. Es un debate ético que se ha generado en Mexico sobre las fotos sacadas a los asesinados por los narcos y me parece muy interesante para ver hasta que punto es lícito utilizar imágenes brutales para comunicar.
http://blogs.elpais.com/america-df/2011/03/debe-publicarse-esta-fotografia.html
Muchas gracias, Almudena. El debate es imprescindible. Efectivamente en este tipo de decisiones que afectan a lo ético y a lo deontológico, la sociedad debe tomar partido. La imagen de una mujer semidesnuda, colgada de un puente y marcada como un animal, aunque aparezca en un plano general y de espaldas, es una agresión a la sensibilidad de cualquier persona y muy especialmente de los familiares más directos, hijos, compañero,etc.
Los medios registran, editan, difunden y distribuyen imágenes. Desde los orígenes de la fotografía, los fotógrafos han registrado el horror.
Los resultados de la guerra y de los resultados de las diversas formas de violencia pueden dar testimonio de la brutalidad humana pero también pueden ser una segunda herida, un posterior mazazo para quienes las sufren de manera directa o indirecta. Los códigos deontológicos y los libros de estilo de los medios de comunicación, deberían servir para racionalizar el uso de imágenes que puedan causar más dolor sin que esto entre en colisión con el derecho a la información. Por ejemplo las «guidelines» de la BBC o el reciente libro de estilo de TVE son ejemplos en los que buscar fórmulas para modular los límites de imágenes que retraten el horror.
¡Madre mía!
Me parece una imagen durísima. No soy partidaria de publicar en los medios imagenes así, ya que esa mujer tendrá familiares, amigos, a los que se debería tener un respeto por su dolor.
Además, pienso que muchas veces lo que quieren conseguir los medios con imágenes como esta es simplemente aumentar el morbo que ya tiene esta sociedad, algo que muchas veces es más destacado que la propia noticia.
También pienso que, en ocasiones, que todo el mundo pueda ver lo que cierta gente es capaz de hacer puede tener más consecuencias positivas que negativas. Pongo un ejemplo que me resulta bastante claro: todos los días vemos noticias en la televisión de mujeres maltratadas por su pareja, muchas de ellas con un final trágico, que ya habáin denunciado los malos tratos, y que en muchos casos tenían incluso una orden de alejamiento. Pues bien, si el resto de los maltratadores siguen viendo cómo cada vez aumentan este tipo de noticias, y cómo los culpables de estos maltratos pueden seguir actuando de la misma forma sin represalias… ¿Cómo pensamos que vayan a dejar de actuar como maltratadores?
El analisis que he seleccionado es sobre la monosemia y la polisema.
En el primer caso,he escogido una imagen de unos lapiceros,ya que la imagen por si sola refleja claramente lo que son única y exclusivamente.La monosémia es la intención de representar una única idea,de forma que el receptor solo le de una sola interpretación.
Sin embargo,para el caso de la polisemia,hemos escogido una foto transformada,es decir,una foto que no representa lo que parece.
Esta foto viene de una interpretación de la realidad y es una imagen transformada.
Esta imagen simbólica representa los sentimientos y las ideas propias del contexto socio-cultural en que se encuentre.
Por tanto,una imagen polisémica es aquella que contiene varios significados o sugiere varias interpretaciones.
No he podido evitar comentar en este tema.
Me parece una imagen muy dura. Está bien que las personas sepamos lo que ocurre en el mundo y en nuestra sociedad, pero muchas veces no es necesario adjuntar una foto de esas características, ya que puede herir la sensibilidad de las personas.
Se dice que una imagen vale más que mil palabras, pero en algunas ocasiones las palabras pueden salvarnos de ver en los medios imágenes como esa.
En la clase del pasado jueves estuvimos trabajando con el par de características iconicidad-abstracción y os invitamos a que hiciérais una reflexión sobre cómo debemos revisar estos conceptos en un contexto comunicativo en el que conviven lo analógico artesanal y lo digital virtual y en el que la mediación tecnológica cobra un peso especial. ¿Lo virtual puede afectar al grado de iconicidad y al grado de abstracción de la imagen? ¿Qué referentes reales estamos tomando en consideración a la hora de crear esos mundos virtuales? ¿cómo interactuamos en esos nuevos contextos y qué papel estamos desempeñando como usuarios de la denominada «realidad virtual»? ¿podemos hablar «realmente» de una «realidad virtual»? de ser así ¿a qué la opondríamos, por ejemplo, a una «realidad de lo real»? ¿como viven los niños actuales ambas supuestas realidades? ¿hay integración, hay disociación entre ambos mundos?
Tengo una duda, la imagen, spot o vídeo que elijimos lo subimos aquí directamente? saludos
La fotografía elegida se titula “Ruinas del campanario del Monasterio de Santa María de Nogales” y su autor es Jorge Pisabarro.
Es una fotografía de color, en un formato vertical.
La óptica utilizada es 18-55mm.
Tiene una iluminación natural.
El plano utilizado es un plano medio y el encuadre es un contrapicado.
La imagen tiene una temperatura de color fría.
En esta fotografía, podemos observar que en la parte izquierda se encuentra un campanario semiderruido, el resto de la imagen, es un cielo azul lleno de nubes.
Lo que el autor pretende provocar es que, aún las numerosas construcciones, inventos, curas, etc, que el ser humano haga, la naturaleza siempre estará por encima. Hay algo más fuerte que el ser humano y esa es la naturaleza.
El grado de iconicidad es alto ya que está reflejando un campanario semiderruido más el cielo. Todo ello es real y existe.
Estamos ante una imagen simple, no nos encontramos numerosos objetos, texturas, colores, etc, solo existen el campanario en un fondo de nubes.
La imagen cae en la redundancia, no es algo original que tenga otro sentido distinto del que nos quiere mostrar. El autor solo nos intenta mostrar un campanario de una iglesia.
Gracias, Sara. Esta bien este primer intento por aproximarte a la lectura de la imagen desde algunos de los pares de características que hemos estudiado en clase. Está claro que es una imagen con un alto grado de iconicidad.
En este comentario a tu análisis quiero llamar tu atención para que reflexiones sobre tu valoración de la imagen escogida del campanario de Santa María de Nogales. ¿Esta foto de Jorge Pisabarro es, según tú, una imagen más redundante que original? ¿qué hubiera pasado si el encuadre hubiera sido frontal y con un ángulo normal y no contrapicado, desde abajo de la torre? ¿Al encuadrar, el autor margina en el lado izquierdo el perfil del campanario, esto le dota de una mayor originalidad? ¿habría sido menos original con un tratamiento del color distinto?, ¿El fuerte contraste en cielo y nubes es más usual que inusual, más redundante que original? ¿La hora escogida, la luz el tratmiento del color, etc, crees que contribuyen a un mayor nivel de redundancia o dentro de las fotos que has visto de campanarios y torreones (ese debe ser tu principal referente para juzgar la imagen), la foto tiene su nivel de originalidad.
A la hora de valorar una imagen debes hacerte preguntas y valorar las opciones elegidas por el autor. El plantearnos juzgar una imagen según los pares de características estudiados no nos ha de llevar a valorar algo en términos de blanco o negro. Saber valorar una imagen es poder justificar por qué es más icónica que abstracta, más simple o más compleja, más monosémica ó más polísémicas, más original o más redundante. etc, y poder apreciar los logros y hallazgos de quien la ha creado.
Expresado de otra manera, me gustaría que le dieras la vuelta a tu comentario y nos dijeras qué cosas dan mayor grado de originalidad a la imagen. Aunque inicialmente la hayas valorado como más redundante que original el ejercicio consiste en obligarte a buscar intencionalidades. Tú misma vaas tener que tomar decisiones a la hora de encuadrar una imagen cuando te toque hacer tu práctica. Valora el trabajo de los demás haciéndote idénticas preguntas a las que tendrás que hacerte a tí misma cuando te toque crear. Juzgar es ponerte en el lugar del otro. Ponerte en el lugar de la persona que ha debido crear la imagen que ahora has juzgado. EMPATÍA significa esa ponerte en el lugar del otro. ¿Te parece oportuno volver a valorar el concepto de originalidad frente a redundancia en esta imagen? Después de la clase del jueves tendremos más elementos sobre los que juzgar. Gracias por volver a mirar la imagen.
He estado buscando numerosas fotos de campanarios, en internet para poder hacer una mayor valoración.
Quizás en el otro comentario no busqué suficiente documentación, ni visualicé imágenes para hacer un comentario más crítico.
En mi búsqueda, he encontrado numerosas imágenes en las cuales todos los campanarios, torreones, etc, se mostraban desde un lado frontal y con un ángulo normal. Pocas imágenes se encuentran con el ángulo en contrapicado, y la que tienen este tipo de ángulo tiene un plano frontal, poquísimas fotos se ponen desde un ángulo lateral dejándole el gran protagonismo al cielo. Por lo que puede que llegue a ser una imagen más original que redundante si la comparamos con otro tipo de imágenes.
Este encuadre llega a romper la simetría poniendo al que sería un objeto principal descentrando por lo que desde mi punto de vista crea tensión plástica y eso también le puede llegar a dar un grado de originalidad a mayor. Las líneas oblicuas de esta imagen llegan a crear esta tensión mientras que en otras fotografías de campanarios, las líneas son rectas y dan a la composición mucha más armonía.
Un tratamiento con diferentes colores hubiese podido muy original, ya que nosotros sabemos que el cielo es azul y al cambiar ese color no hubiese caído en la redundancia. El color en la imagen quizás, le dé un punto más redundante que origina, aún así, llega a ser original gracias al encuadre y la posición de los objetos.
La luz escogida no llega a ser original, ya que la mayor parte de los campanarios fotografiados están con un tono de luz parecida, este punto le quita algo de originalidad, ya que el autor no decidió hacerlo de noche, ni a primera hora del día.
Espero que este sea el comentario que se buscaba de mí, en todo caso, si siguiese teniendo errores me encantaría que me los dijeseis y yo volver a comentar la foto.
Les adjunto más imágenes de campanarios para ver el contraste entre unas y la foto escogida.
http://www.google.es/imgres?imgurl=http://us.123rf.com/400wm/400/400/waiheng/waiheng0812/waiheng081200020/4008501-campanarios-de-la-sagrada-familia-coronado-por-los-mosaicos-venecianos-barcelona-espa-a.jpg&imgrefurl=http://es.123rf.com/photo_4008501_campanarios-de-la-sagrada-familia-coronado-por-los-mosaicos-venecianos-barcelona-espa-a.html&usg=__BT5RjCWWNOGtasZxavtGrKxWA-Y=&h=400&w=254&sz=18&hl=es&start=148&sig2=J4TKTTofJfFO3yicOyjA1g&zoom=1&tbnid=4yN6tmgYQvyycM:&tbnh=167&tbnw=106&ei=yWCITemTM6iShAfIoby9Dg&prev=/search%3Fq%3Dcampanarios%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26biw%3D1366%26bih%3D667%26tbm%3Disch0%2C4065&um=1&itbs=1&iact=rc&dur=138&oei=HGCITfz3CcbzsgbB7ZWkDA&page=8&ndsp=20&ved=1t:429,r:13,s:148&tx=72&ty=70&biw=1366&bih=667
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http://www.google.es/imgres?imgurl=http://static.photaki.com/campanarios-de-la-iglesia-de-santa-fe-granada_63042.jpg&imgrefurl=http://www.photaki.es/foto-campanarios-de-la-iglesia-de-santa-fe-granada_63042.htm&usg=__nOZSSp08SmXn_es3-gtHNUMcEa8=&h=436&w=626&sz=77&hl=es&start=0&sig2=1cYsWEcbSSeG6WsojG-LWw&zoom=0&tbnid=NL8khm2-kUbtwM:&tbnh=95&tbnw=136&ei=GGCITeffPIrXtAaBxa2oDA&prev=/images%3Fq%3Dcampanarios%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26biw%3D1366%26bih%3D667%26output%3Dimages_json%26tbm%3Disch0%2C3&um=1&itbs=1&iact=rc&dur=279&oei=wWWITe6ZEYzEsgbU0oGzDA&page=1&ndsp=32&ved=1t:429,r:14,s:0&tx=82&ty=44&biw=1366&bih=667
Muy bien, Sara, el hecho de que hayas contrastado con otras imágenes de un motivo igual o similar te ha hecho razonar con conocimiento de causa. Eso era lo que pretendíamos al hacerte los comentarios a los que has tenido la amabilidad de responer. ¡¡¡Buen trabajo!!!.
El anuncio que voy a analizar forma parte de la campaña publicitaria realizada por la marca “Bimbo” en 1970. Para mayor información, la marca “Bimbo” se ha creado en Méjico y comercializa productos alimenticios tales como galletas, dulces, etc. sin embargo, es más conocido por la creación de un nuevo tipo de pan de molde al que dio nombre.
El spot muestra, en un primer momento, la imagen de marca con el logotipo así que el interés se centra en que el producto adquiera un nombre en la mente del consumidor. Posteriormente, una ama de casa se encuentra en problemas al no tener nada que cocinar al horno (lo que podemos deducir de las palabras que aparecen en pantalla y los gestos de la mujer). Posteriormente se le ocurre una idea (aparición de una bombilla iluminada sobre su cabeza y expresión de alegría y satisfacción), y la pantalla de la televisión muestra el pan Bimbo con el que, a continuación, hará unos sabrosos postres. Una vez analizado el anuncio, podemos observar que el principal propósito de la empresa es dar importancia a la marca y relacionarla con las amas de casa (ya que en los años setenta eran las que se encargaban de comprar la comida para la familia, muchos de los anuncios de la época se destinaban a las madres o amas de casa) para que éstas lo adquieren como unos de sus productos principales. El spot publicitario es de bastante simplicidad, consecuentemente, no requiere ningún esfuerzo por parte del receptor.
Sin embargo, y para mostrar un ejemplo del caso contrario, he escogido un anuncio de pan Bimbo del año 2010, en el cual una madre (volvemos al tema de la ama de casa) prepara la merienda a su hijo que se encuentra jugando en la terraza con unas cajas de cartón que simulan ser una nave espacial. En ese caso, Bimbo no sólo hace referencia a su producto con el propósito de que las madres lo compren para así alimentar bien a sus hijos. También lo relaciona con el terreno afectivo (podemos ver cómo prepara la merienda con afectividad y, al entregársela, da un abrazo a su hijo). Asimismo, requiere imaginación por parte del receptor que ha de comprender que las imágenes en las cuales el niño sale volando en su nave espacial forma parte de la idea de sentimiento y amor materno que desea trasmitir el anuncio y su eslogan “el amor se puede medir con la imaginación” que es aclarativo. Por lo tanto, en este segundo caso, se busca sensibilizar al público (especialmente a las madres) y llamar la atención de los niños.
ANUNCIO PAN BIMBO AÑOS 70: http://www.youtube.com/watch?v=9REYTalU9qo&feature=related
ANUNCIO PAN BIMBO AÑO 2010:
El anuncio elegido para analizar es el que Coca-Cola lanzó hace unos dos años cuyo eslogan es “Destapa la felicidad”.
Se trata de una historia real que se creó para hacer el spot. Josep, el abuelo más mayor de España con 102 años y único narrador del mensaje realiza un viaje de Mallorca a Madrid para conocer a Aitana, una recién nacida, para darle una lección de vida. Josep cuenta sus experiencias en un mensaje que le deja a Aitana donde le dice que hay que ser optimistas. Aquí os dejo el anuncio y el mensaje que transmite Josep:
“Hola Aitana, me llamo Josep Mascaró y tengo 102 años. Soy un suertudo, suerte por haber nacido, como tú.
Por poder abrazar a mi mujer, por haber conocido a mis amigos, por haberme despedido de ellos, por seguir aquí. Te preguntarás cuál es la razón de venir a conocerte hoy y es que muchos te dirán que a quién se le ocurre llegar en los tiempos que corren, que hay crisis, que no se puede… ja, esto te hará fuerte.
Yo viví momentos peores que éste pero, al final, de lo único que te vas a acordar es de las cosas buenas. No te entretengas en tonterías, que las hay y vete a buscar lo que te haga feliz, que el tiempo corre muy deprisa. He vivido 102 años y te aseguro que lo único que no te va a gustar de la vida es que te va a parecer demasiado corta. Estás aquí para ser feliz“.
Desde luego es un mensaje que va dirigido a todo tipo de público, no solo a la niña que visita, y es que hay que aprovechar la vida, cualquier momento y ser feliz, porque al final será lo que recuerdes. El léxico es realmente sencillo, lo que se podría relacionar con el mensaje que quiere transmitir: la vida es sencilla, no la compliquemos. Y lo que también hace que sea accesible a cualquier espectador.
Es un anuncio optimista y que ofrece una historia alegre pero que emociona a cualquier espectador. Esto aparte de ser transmitido por el lenguaje verbal también lo es por el no verbal, los gestos de las personas como sonrisas, abrazos, besos y una música de piano y violines muy suave que hace que el espectador se deje llevar y llega intensamente.
Relacionando este anuncio con el grado de iconicidad-abstracción, es decir, con su similitud a la realidad, no presenta ningún tipo de abstracción ya que toda la historia y lugares que aparecen son reales. Además que hay más real que un abuelo dando una lección de vida a una recién nacida desde el primer momento en el que llega al mundo al que se tendrá que enfrentar y al que él ya lo ha hecho.
Por otra parte respecto al grado de monosemia-polisema, las imágenes pueden tener un mensaje obvio o uno más indirecto. Se podría decir que es un anuncio polisémico sacando algunos mensajes como pueden ser: los valores positivos que ofrece (amor, amistan, cariño), la lección de vida sobre la felicidad y el optimismo, el carpe diem (hay que disfrutar del momento) y que Coca-Cola estará siempre contigo en cualquier momento de la vida, lo que invita a consumirla.
Interesante elección, Sandra. Muy relacionada con los aspectos que hemos venido analizando en las semanas anteriores dentro de la asignatura. La adopción de hilos narrativos inspirados en historias reales ha sido algo que los espacios informativos han adoptado desde hace años para aligerar piezas que no llegaban a emocionar a los telespectadores y dar variedad al formato del telediario convencional, pero resulta muy relevante que la publicidad esté transformando su forma de contar historias tratando de aproximarse a historias reales. Esto tiene sus pros y sus contras pero también muestra un intento de superar el hartazgo que ha causado en la audiencia la repetición de tantos estereotipos y lugares comunes que han acabado aburriendo a los telespectadores.
Original elección, Elvira. Es muy interesante ver la evolución de un motivo recurrente a lo largo de la historia de la publicidad: la utilización del ama de casa como mediadora en el consumo de productos alimentarios. El caso de la empresa mexicana Bimbo (y pongo mexicana con «x» porque en España no acabamos de aceptar que en este caso lo correcto es respetar que la «j» fue un arma arrojadiza que sigue agrediendo después del paso de los siglos y que sería bueno respetar que México siempre se debe poner con «x» aunque pronunciemos «MéJIco»). Es curioso que el anuncio de 2010 seleccionado haya emitido en Colombia. Éste es un país en el que los «pelaos» así se les llama a los chavales tienen una imaginación desbordante, igual que muchos ciudadanos de ese país. Se trata de un anuncio con una intencionalidad claramente emotiva. Ideas como la promoción de la imaginación y la descripción de afectos están muy bien pero os reto a que os preguntéis si la mayoría de mamás y niños de Colombia y de los diferenets países de América Latina responden al estereotipo reflejado en este anuncio.
El anuncio que he elegido para analizar, pertenece a la campaña publicitaria que ha llevado a cabo Nocilla en 2010. En el spot, en un principio, aparece un chico que entra con un bote de nocilla en la mano. Esto hace que desde un primer momento ya se nos muestre el producto que se nos va a ofrecer, el cual tendrá una posición central, debido a que es a partir del bote de nocilla sobre el que se desarrollará todo el anuncio. Más adelante, vemos como a partir de un sólo click, aparecen multitud de ventanas en el ordenador las cuales se comunican entre sí. En ellas se ve a un conjunto de niños, todos ellos de diferentes países con lo que se quería hacer alusión a los colores por los que está formada la nocilla (blanco – negro), que a través de su cámara web muestran la manera que tienen de comer la nocilla y como disfrutan haciéndolo (sólo hay que ver sus caras de felicidad). Todo ello está acompañado por el baile y una canción muy pegadiza.
Para seguir con el análisis de este anuncio, me ha parecido que lo mejor sería elegir la originalidad frente a la redundancia. En este caso, la redundancia adopta un segundo plano, ya que no hay una repetición excesiva de una palabra, concepto, imagen o información. En cambio, vemos que está plagado de originalidad desde el primer momento hasta que acaba. Uno de las causas que me llevan a pensar esto, es que usan la técnica de ir juntando vídeos de tal manera que parece que los niños, siempre con el bote de nocilla, están al lado uno del otro y pueden comunicarse. Además, la canción es cantada por ellos y a pesar de que esté en inglés tiene un ritmo que hace que tu mente la retenga. El mensaje que la canción nos transmite es “Disfruta la vida y sé feliz”, pero siempre con nocilla, que es de lo que se trata. Además con el eslogan que se utiliza a lo último (“Sólo algo único hace feliz a todo el mundo, Nocilla es única”), queda bastante claro que su propósito es hacer feliz a la gente.
Por otro lado, también vemos presenta a la originalidad en la forma que los niños tienen de bailar siempre con su rebanada de pan con nocilla o como a través de un medio de comunicación no convencional, en este caso internet, los niños van a poder encender su ordenador y a través de la cámara web comunicarse con otras personas. Esto lo que hace es incitar al uso de las nuevas tecnologías de una manera muy convincente y original. A lo último del anuncio aparecerá su marca, junto con su página web.
ANUNCIO NOCILLA 2010: http://www.youtube.com/watch?v=jgN4BTA5uEg
Por último, me gustaría hacer una pequeña alusión al anuncio que Nocilla televisó en los años 70. En él, podemos observar que la originalidad era entendida de manera distinta. El anuncio era sencillo, y lo que buscaba era inspirar confianza y familiaridad en el espectador para que éste lo comprase. Por otro lado, vemos que se produce una cierta redundancia, debido a que repite muchas veces el nombre de la marca, que también aparece representada en las camisetas de los niños. Y quizá, este anuncio deje de lado a las mujeres, debido a que sólo aparecen varones jugando al fútbol y su mensaje es: “Desde que inventamos Nocilla, corren por ahí los hombres fuertes de Nocilla”. La similitud entre los spot, es que ambos utilizan a jóvenes en sus anuncios, dicen que la nocilla es única y la canción a pesar del tiempo que a transcurrido no ha cambiado; esto ha generado que la marca sea reconocida en todo el mundo.
ANUNCIO NOCILLA AÑOS 70: http://www.youtube.com/watch?v=yagxxDvbFAE
Hola buenas noches, yo he elegido el anuncio que promocionaba el nuevo refresco del grupo coca-cola, Fanta Zero, ya que la canción del canción llego a convertirse en un tema pegadizo del verano. también es un anuncio que muestra jóvenes divirtiéndose, y fue separado en varios fragmentos para su emisión en TV.
http://www.google.es/imgres?imgurl=http://www.mundo-geo.es/thumbs/full/36/51/01/fotografias-de-la-naturaleza-mamiferos-15136.jpg&imgrefurl=http://www.mundo-geo.es/naturaleza/las-mejores-fotografias-de-la-naturaleza%3Fimage%3D5&usg=__-EMvoGyapS55A9uiZ7x1hY0YPns=&h=350&w=550&sz=29&hl=es&start=211&zoom=1&tbnid=58mBxx4TldnsxM:&tbnh=97&tbnw=153&ei=q3OITaenEs6cgQfrluHSDQ&prev=/search%3Fq%3Dfotografias%26hl%3Des%26biw%3D1024%26bih%3D509%26gbv%3D2%26tbm%3Disch0%2C5724&itbs=1&iact=hc&vpx=115&vpy=223&dur=725&hovh=115&hovw=181&tx=160&ty=61&oei=iXOITdTrLY3Aswab6aSkDA&page=15&ndsp=16&ved=1t:429,r:11,s:211&biw=1024&bih=509
La imagen a analizar, es una imagen real, de formato largo, similar al rectángulo y tomada por Bridgena Barnard (Sudáfrica), ganadora en la categoría “Mamíferos” del concurso Wildlife Photographer of the Year 2010, con por composición a priori, seleccionando una parte de la realidad, que muestra la lucha por la supervivencia dentro del mundo animal, más concretamente la persecución de dos guepardos a una cria de gacela.
Como signos básicos a destacar, podemos resaltar las líneas curvas del contorno animal, que da a la imagen un aspecto dinámico y que junto con la postura que tienen los animales parece que fueran a salir de la imagen en plena carrera.
En la imagen podemos ver un predominio de luz blanca, con algunos tonos más oscuros en las esquinas superiores de la imagen y en el borde inferior de la misma, detalles que muestran la lucha entre los animales situados en último término, la luz blanca resaltada por el polvo levantado debido a la fugaz carrera que la autora ha sabido captar a la perfección, el detalle del polvo lo podemos percibir gracias a los claros-oscuros de la imagen.
Se podría considerar una imagen sencilla con un alto grado de iconicidad, ya que en ella aparecen pocos elementos y lo representado es una imagen real del mundo animal.
En cuanto al significado de la imagen, es una imagen monosémica, sólo tiene un significado y es, como ya he dicho al ¡nicio del comentario, la lucha por la supervivencia dentro del salvaje mundo animal.
La originalidad de la imagen reside en la captación de la misma, el momento crítico en el que la cría de gacela intenta desesperadamente escapar de una muerte segura a manos de los guepardos.
El anuncio que he seleccionado es de Coca-Cola, una marca que día a día no deja de sorprendernos con cada uno de sus spots. En este caso, se trata de una campaña publicitaria anunciando la llegada de las navidades del 2006-2007.
Lo que se pretende es personificar la Coca-Cola y para ello simulan todo un proceso, desde el momento en que dos colegas meten la moneda en una máquina expendedora de la bebida hasta que sale. Observamos como la moneda cae dentro de la máquina y desde ese momento empieza la fabricación, primero se pone el bote de cristal en una pieza que lo sujeta para que después otra lo lleve a una base donde le echarán la propia Coca-cola. A continuación le ponen la chapa y rápidamente es llevado a la zona de refrigeración, hasta que un ventilador la empuja y se cae por un agujero, y acompañada de millones de muñecos, pronto llegará a manos de dos chicos. Finalmente se cierra con una frase:”Bienvenidos al lado Coca-cola de la vida, Feliz Navidad”, y se cierra la estampa con un árbol de navidad, niños y nieve.
Durante todo el anuncio, desde el principio hasta el final, la marca no se pierde de vista, y en lo que es un anuncio de 54 segundos podemos llegar a ver el nombre de Coca-Cola hasta 20 veces. Por tanto, está claro que la redundancia es el punto fuerte del spot elegido. Además, como en todos los anuncios de esta marca la imagen de marca es la parte principal, y por supuesto la asociación de la felicidad y la buena vida con la marca. Para conseguirlo se juega con la gran iluminosidad del anuncio, los primeros planos, muchísimo color, pero sobretodo, con la sonrisa de las personas rodeadas por la marca, algo que sin darnos cuenta nos transmite buenas vibraciones, que es lo que necesitamos en Navidad.
No podemos olvidar la forma de demostraron que la marca de la que hablamos tiene una personalidad propia, de ahí la última frase.
Anuncio de personificación de la Coca-cola, Navidades del 2006 http://www.youtube.com/watch?v=2pYeQxIQSU0&feature=related.
El anuncio elegido para analizar es el que Coca-Cola lanzó hace unos dos años cuyo eslogan es “Destapa la felicidad”.
Se trata de una historia real que se creó para hacer el spot. Josep, el abuelo más mayor de España con 102 años y único narrador del mensaje realiza un viaje de Mallorca a Madrid para conocer a Aitana, una recién nacida, para darle una lección de vida. Josep cuenta sus experiencias en un mensaje que le deja a Aitana donde le dice que hay que ser optimistas. Aquí os dejo el anuncio y el mensaje que transmite Josep:
“Hola Aitana, me llamo Josep Mascaró y tengo 102 años. Soy un suertudo, suerte por haber nacido, como tú.
Por poder abrazar a mi mujer, por haber conocido a mis amigos, por haberme despedido de ellos, por seguir aquí. Te preguntarás cuál es la razón de venir a conocerte hoy y es que muchos te dirán que a quién se le ocurre llegar en los tiempos que corren, que hay crisis, que no se puede… ja, esto te hará fuerte.
Yo viví momentos peores que éste pero, al final, de lo único que te vas a acordar es de las cosas buenas. No te entretengas en tonterías, que las hay y vete a buscar lo que te haga feliz, que el tiempo corre muy deprisa. He vivido 102 años y te aseguro que lo único que no te va a gustar de la vida es que te va a parecer demasiado corta. Estás aquí para ser feliz“.
Desde luego es un mensaje que va dirigido a todo tipo de público, no solo a la niña que visita, y es que hay que aprovechar la vida, cualquier momento y ser feliz, porque al final será lo que recuerdes. El léxico es realmente sencillo, lo que se podría relacionar con el mensaje que quiere transmitir: la vida es sencilla, no la compliquemos. Y lo que también hace que sea accesible a cualquier espectador.
Es un anuncio optimista y que ofrece una historia alegre pero que emociona a cualquier espectador. Esto aparte de ser transmitido por el lenguaje verbal también lo es por el no verbal, los gestos de las personas como sonrisas, abrazos, besos y una música de piano y violines muy suave que hace que el espectador se deje llevar y llega intensamente.
Relacionando este anuncio con el grado de iconicidad-abstracción, es decir, con su similitud a la realidad, no presenta ningún tipo de abstracción ya que toda la historia y lugares que aparecen son reales. Además que hay más real que un abuelo dando una lección de vida a una recién nacida desde el primer momento en el que llega al mundo al que se tendrá que enfrentar y al que él ya lo ha hecho.
Por otra parte respecto al grado de monosemia-polisema, las imágenes pueden tener un mensaje obvio o uno más indirecto. Se podría decir que es un anuncio polisémico sacando algunos mensajes como pueden ser: los valores positivos que ofrece (amor, amistan, cariño), la lección de vida sobre la felicidad y el optimismo, el carpe diem (hay que disfrutar del momento) y que Coca-Cola estará siempre contigo en cualquier momento de la vida, lo que invita a consumirla.
He decidido hacer el ejercicio sobre un corto titulado “One Hundredth of a Second” ( “Una centésima de segundo” ) realizado en el año 2006, la directora es Susan Jacobson y el productor Alex Boden.
Creo que la reflexión sobre este corto enlaza con el debate abierto por Almudena Muñoz.
Un corto claramente icónico, pretende asemejarse con la realidad al máximo. Sugestivo porque pretende de nosotros la reflexión.
No solo se puede analizar el corto , sino también la fotografía de la niña ya muerta realizada por la periodista. Una fotografía icónica, la imagen es fiel a lo que representa, yo la consideraría polisémica ya que creo que juega con distintos significados aunque es denotativa.
Cada uno que saque sus propias conclusiones sobre “el arte de la guerra” o el arte que se produce a raíz de ella, como este corto, numerosas fotografías, películas, libros, etc. Entretenimiento para muchos , crudas y amargas realidades para otros.
Creo que éste corto transmite las palabras anteriormente escritas por Agustín García Matilla “Los resultados de la guerra y de los resultados de las diversas formas de violencia pueden dar testimonio de la brutalidad humana pero también pueden ser una segunda herida, un posterior mazazo para quienes las sufren de manera directa o indirecta”.
He elegido para comentar la falta de originalidad que se da en la programación que se televisa en la actualidad. Considero que todo lo que se produce hoy en día es una simple copia o imitación de programas que ya se han sido emitidos o bien en el pasado o bien en otros países.
Por ejemplo en la televisión , muchos de los programas ya sean concursos, series etc. son versiones de otros que han tenido éxito en otro momento. Algunos ejemplos serian el programas de televisión “Atrapa un millón” que se emite actualmente en Telecinco es una réplica exacta de lo que antes se conocía como “Quieres ser millonario”. Otro ejemplo pero esta vez en series podría ser “La que se avecina” que es una copia de otra serie titulada “Aquí no hay quien viva”, por ultimo caben destacar los realitys show o también conocidos como la telerrealidad que comenzaron con “Gran hermano uno” al que le han seguido once más y al que todavía le quedan otros tantos y que ha sido copiado por otros realitys que son exactamente iguales que el primero, el último que está siendo emitido es titulado “el rencuentro” según dicen de todo esto cambian cosas pero los propósitos siempre son los mismos.
Ahora bien, ¿Es que ya no hay originalidad, ni mente para crear cosas nuevas? Por lo visto si un programa tiene éxito bien sean concursos, series o realitys ¿ tiene que ser repetido para asegurarse la visión de su cadena?, pues bien considero que más bien deberían proponer la creación de cosas nuevas, pues la mayoría de los telespectadores están cansados de ver siempre lo mismo pero con diferentes titulo y en diferentes cadenas.
Ésta imagen, ha sido capturada en Japón, tras el desastre que provocó el tsunami del 11 de Marzo de 2011.
Muestra una mujer observando el desastre, observando la desaparición de su casa, de sus pertenencias, la pérdida del pueblo Japonés.
Es una imagen con un alto grado de iconicidad, ya que muestra la realidad en su totalidad, con un alto grado de isomorfismo, no es para nada abstracta, muestra el dolor que ha provocado el desastre sin querer transmitir nada más.
Por tratarse de una imagen a color, muestra mayor iconicidad, que si se tratase de una imagen en blanco y negro, no se trata de una caricatura, lo que implica aún más iconicidad.
Así mismo, representa a la realidad misma por tener el máximo grado de semejanza.
El anuncio que he elegido pertenece a Samsung, que lo utilizó para promocionar un nuevo móvil de última generación.
El spot comienza enfocando un teclado de ordenador que alguien utiliza pero da error… Por ello (se sobre entiende por el resoplido de dicha persona), lo elimina de la imagen sustituyéndolo por una fotografía paradisíaca. A esta imagen le va añadiendo elementos, como son una sombrilla, personas, una cabaña… y de un momento a otro se encuentra que esto se empieza a multiplicar sin ningún control, así que decide romper la imagen. Seguidamente coloca otra fotografía con un paisaje de montaña, a la que coloca una casita, un coche, una carretera… y de nuevo se encuentra en la misma situación anterior, todo empieza a descontrolarse y a crecer provocando un caos. Así que opta por hacer lo mismo, romper la imagen. Coloca una nueva, esta vez de un desierto en la que ocurre lo mismo, y en la que se deduce que este desierto se convierte en lo que es hoy, Dubai. Y por último, la Luna, que se satura de naves espaciales. Rompe ambas.
Piensa y decide colocar la imagen de un salón, su salón, que se reconoce al enfocarlo seguidamente, y en el que después cambia la imagen por unas animadoras en ese mismo espacio.
Este spot es original por su contenido, el que nos muestra cómo nuestros deseos pueden ser realidades que pueden arruinar lo natural, que es fácil conseguirlo, pero cambiando esto por nuestros propios deseos. Pero todo tiene unas consecuencias, ya sean las mostradas durante todo el spot y hasta la última de ellas.
El anuncio que he elegido es un spot de una de las marcas más conocidas en telefonía movil, Nokia. En el análisis podemos observar que se encuentran en una cafetería, en un piso elevado de alguna ciudad, con unos grandes ventanales que nos ofrecen unas vistas increíbles en un cielo despejado y con unos edificios de fondo. Más centrados aparecen un hombre y una mujer de edad media, que se encuentran separados y se ve como la mujer esta aparentemente acompañada aunque no nos muestre por quién. En este ejemplo, no podemos hablar de que se anuncie un producto, sino una marca de productos de tecnología de telecomunicaciones, que se ubica en la valla publicitaria, haciendo referencia al anuncio dentro del anuncio.
El mensaje subyacente en la imagen es la unión entre la gente, haciéndoles una vida sin distancias. Además, claramente está creando un vínculo aparente entre ambos protagonistas, ya sea éste anterior a este momento, o aún no producido, estableciéndo una sensación de complicidad con nosotros, por sus características, el mensaje que parece ir dirigido a ambos géneros.
El mensaje del texto «Nokia, conectando a la gente» sirve para centrar el tema en que es Nokia quien ayuda a que se produzca esa relación subyacente en la imagen, ademas lo hace en inglés »connecting people» con lo que lo hace internacional.
Esta imagen es claramente icónica. Además, la nitidez equivalente de todos los planos nos está delatando la manipulación a la que hemos hecho mención. Es compleja y polisémica, en tanto que no expresa claramente el objetivo final para el que se ha creado, y puede llegar a determinar significados muy diversos.
He decidido analizar esta imagen porque me resulta algo gracioso y por otra parte me parece que refleja adecuadamente el concepto originalidad y redundancia.
En este spot, se anuncia un desodorante para hombre de la conocida marca AXE. Como en casi todos, por no decir todos, sus anuncios la marca recurre a la “locura” que alcanzaran las mujeres si los hombres lo utilizan. Y este spot no va a ser menos.
En la imagen podemos observar un cartel simple, el de salida de emergencia, que podemos encontrar en sitios muy comunes y diversos como puede ser un supermercado, una universidad, un edificio o unas oficinas. La marca a recurrido a esto como muestra de originalidad del anuncio, al cartel de salida de emergencia, que todos conocemos, a anexionado otro cartel algo cambiado en el que se puede ver como cuatro figuras estereotipadas con el cuerpo de mujer “corren como locas” detrás de el hombre que se dirige a la puerta de salida. En este mismo cartel encontramos en nombre de marca. Esto da a entender lo que ya he explicado antes, si un hombre utiliza este desodorante las mujeres irán detrás suyo.
Por otra parte podemos encontrar la redundancia en la repetición de diferentes escenas en las que se encuentra situado el mismo cartel. La marca repite el mismo esquema en diversos escenarios.
El anuncio que he elegido para analizar, pertenece a la campaña publicitaria que ha llevado a cabo Nocilla en 2010. En el spot, en un principio, aparece un chico que entra con un bote de nocilla en la mano. Esto hace que desde un primer momento ya se nos muestre el producto que se nos va a ofrecer, el cual tendrá una posición central, debido a que es a partir del bote de nocilla sobre el que se desarrollará todo el anuncio. Más adelante, vemos como a partir de un sólo click, aparecen multitud de ventanas en el ordenador las cuales se comunican entre sí. En ellas se ve a un conjunto de niños, todos ellos de diferentes países con lo que se quería hacer alusión a los colores por los que está formada la nocilla (blanco – negro), que a través de su cámara web muestran la manera que tienen de comer la nocilla y como disfrutan haciéndolo (sólo hay que ver sus caras de felicidad). Todo ello está acompañado por el baile y una canción muy pegadiza.
Para seguir con el análisis de este anuncio, me ha parecido que lo mejor sería elegir la originalidad frente a la redundancia. En este caso, la redundancia adopta un segundo plano, ya que no hay una repetición excesiva de una palabra, concepto, imagen o información. En cambio, vemos que está plagado de originalidad desde el primer momento hasta que acaba. Uno de las causas que me llevan a pensar esto, es que usan la técnica de ir juntando vídeos de tal manera que parece que los niños, siempre con el bote de nocilla, están al lado uno del otro y pueden comunicarse. Además, la canción es cantada por ellos y a pesar de que esté en inglés tiene un ritmo que hace que tu mente la retenga. El mensaje que la canción nos transmite es “Disfruta la vida y sé feliz”, pero siempre con nocilla, que es de lo que se trata. Además con el eslogan que se utiliza a lo último (“Sólo algo único hace feliz a todo el mundo, Nocilla es única”), queda bastante claro que su propósito es hacer feliz a la gente.
Por otro lado, también vemos presenta a la originalidad en la forma que los niños tienen de bailar siempre con su rebanada de pan con nocilla o como a través de un medio de comunicación no convencional, en este caso internet, los niños van a poder encender su ordenador y a través de la cámara web comunicarse con otras personas. Esto lo que hace es incitar al uso de las nuevas tecnologías de una manera muy convincente y original. A lo último del anuncio aparecerá su marca, junto con su página web.
ANUNCIO NOCILLA 2010: http://www.youtube.com/watch?v=jgN4BTA5uEg
Por último, me gustaría hacer una pequeña alusión al anuncio que Nocilla televisó en los años 70. En él, podemos observar que la originalidad era entendida de manera distinta. El anuncio era sencillo, y lo que buscaba era inspirar confianza y familiaridad en el espectador para que éste lo comprase. Por otro lado, vemos que se produce una cierta redundancia, debido a que repite muchas veces el nombre de la marca, que también aparece representada en las camisetas de los niños. Y quizá, este anuncio deje de lado a las mujeres, debido a que sólo aparecen varones jugando al fútbol y su mensaje es: “Desde que inventamos Nocilla, corren por ahí los hombres fuertes de Nocilla”. La similitud entre los spot, es que ambos utilizan a jóvenes en sus anuncios, dicen que la nocilla es única y la canción a pesar del tiempo que a transcurrido no ha cambiado; esto ha generado que la marca sea reconocida en todo el mundo.
ANUNCIO NOCILLA AÑOS 70: http://www.youtube.com/watch?v=yagxxDvbFAE
He decidido seleccionar para tratar la complejidad en la imagen una composición de dos de los grandes ilusionistas del siglo pasado, estoy hablando de Salvador Dalí y Walter E. Disney y su obra «Destino», la cual, en sus seis minutos de duración, tiene por bandera la imaginación y el simbolismo, además de una intención comunicativa realizada a base de metáforas llenas de sentimientos.
El cortometraje iniciado en 1945 cuenta la historia de una bailarina y un jugador de béisbol que se conocen y se gustan, pero no pueden acercarse el uno al otro al jugar contratiempo, Los simbolismos se suceden y tan sólo la música nos orienta hacia una historia en la que se mezclan sentimientos tan complejos como el amor y la libertad, que lo pueden todo menos al tiempo; somos presas del destino. Esta podría ser la moraleja de esta metáfora animada.
En la estética compositiva apreciamos rostros al más puro estilo Disney, mezclados con los elementos más característicos de las pesadillas dalilianas.
Sin duda existen maneras más simples de representar la historia, quizá no para estos genios, pero gracias a una complejidad no siempre entendida experimentamos y vivimos una belleza tal, que de ninguna manera el barroquismo de la obra cae en saco roto.
Salvador Dalí y Walt Disney, «Destino»:
Se trata de una fotografía tomada tras la catástrofe del 11 de Marzo de 2011 en Japón.
Es una imagen con un alto grado de iconicidad debido a que consiste en una fotografía, y representa la realidad en su totalidad, no quiere transmitir nada más que lo que la imagen presenta: el dolor de la mujer observando la pérdida de su casa, sus pertenencias…, observando la pérdida que ha sufrido el pueblo japonés.
Al tratarse de una imagen en color posee mayor iconicidad que si se tratase de una imagen en blanco y negro. No consiste en una caricatura, por lo que aún tiene un mayor grado de iconicidad.
Así mismo, refleja la realidad misma, por lo que presenta el máximo grado de semejanza.
La publicidad dice mucho de una marca, hacer un poster original, alguna animación, algún otro tipo de publicidad que la gente recuerde por su originalidad y su calidad siempre servirá de carta de presentación a una marca.
El spot que he elegido es de Johnnie Walker, el whisky escocés más famoso del mundo. Con un argumento futurista al estilo Inteligencia Artificial o El Hombre bicentenario de Isaac Asimov, donde un androide nos plantea el sentido de la vida, con un giro filosófico al del eslogan Keep Walking. Creado por la agencia BBH y dirigido por Dante Ariola de MJZ. Sin lugar a dudas uno de los spots publicitarios más impresionantes y didácticos que he visto.
En análisis detallado del spot, podemos ver en una primera imagen una especie de biblioteca o algún lugar que hace referencia a un sitio cultural. Al final de ésta, vemos al “humano” sentado en una silla. A continuación vemos un libro y la imagen de este robot humano casi perfecto. El argumento de este anuncio es la voz en off del spot, la voz de un hombre que dice:
“Soy más veloz que tú, Soy más fuerte que tú, y ciertamente, viviré más tiempo que tú. Si piensas que soy el futuro, estás equivocado, lo eres tú. Si tuviera un deseo, desearía ser humano. Para saber cómo se siente: sentir, desear, desesperar, asombrarse, amar. Yo puedo alcanzar la inmortalidad, si no dejo de funcionar. Tú puedes alcanzarla simplemente haciendo algo grandioso: Sigue caminando”.
Keep walking es el slogan que Johnnie Walker siempre ha utilizado para publicitar y dar a conocer su marca. Dejando de lado la marca y lo que anuncia, que, realmente, es una bebida alcohólica, el mensaje que deja en nuestras cabezas es mucho más fuerte y más potente de lo que realmente la marca quiere mostrar. Nos lanza un mensaje al ser humano y sobre todo a la tecnología y su progresiva evolución. En este spot se muestra toda una evolución de progresos técnicos como el control por realimentación, el desarrollo de herramientas especializadas y la división del trabajo en tareas más pequeñas que pudieran realizar máquinas, que fueron los primeros ingredientes esenciales en la procesamiento de datos de las fábricas en el siglo XVIII.
Este anuncio deja un mensaje a la humanidad, y, en cuanto a la pregunta ¿lo virtual puede afectar al grado de iconicidad y al grado de abstracción de la imagen? Rotundamente sí. Afecta al grado de iconicidad y haciendo referencia y dándole gran importancia al androide que nos plantea el sentido de la vida, con un pensamiento filosófico y el eslogan “Keep Walking”.
El anuncio objeto de comentario es el realizado por Francisco Macián para la empresa ColaCao en los años 70′.
Es el anuncio que todos hemos visto alguna vez, el de la canción » yo soy aquel negrito». Pues bien, quien le diría a nuestro simpático negrito la de apelativos racistas que se pueden interpretar de esta «inocente» cancioncilla infantil destinada a niños y amas de casa ademas del contexto connotativo de los mensajes subliminales que aparecen dentro de la propia canción y al final del spot en el que la madre es quien debe dar a sus hijos Colacao si esta quiere que crezcan sanos y fuertes porque de lo contrario da a entender que estaría descuidando la salud de sus hijos. El principal detalle es las imágenes que aparecen en el anuncio: son dibujos animados coloridos que tratan de atraer la atención de los más pequeños de la casa y además esos dibujos aparecen cantando una canción pegadiza y de notas alegres permitiendo la retentiva del mensaje que recala en un estribillo redundante que reza:»es el colacao, desayuno y merienda…».El principal protagonista es un negrito del África tropical que ccultivando cantaba, pues bien si abstraemos este mensaje nos daremos cuenta que la situación de los negritos que cultivan plantaciones de cacao no cantan precisamente con alegria si no que trabajan de sol a sol por un salario mínimo que no les llega para vivir a la mayoría y que por la situación de corrupción de los gobiernos que dominan su país estan avocados a vivir explotados toda su vida; es una de las tácticas de la publicidad, embellecer esa parte de la realidad de la que no queremos saber nada porque nos aleja de la felicidad egoísta del consumo. Por otro lado tenemos el contexto social de la situación de la mujer que de nuevo se nos presenta (como en la mayoría de la publicidad de los 70) con matices machistas desde la perspectiva de madres y amas de casa que son quienes deben velar por la buena alimentación de sus hijos ya que son ellas las encargadas de su cuidado y del cuidado de la casa. la iconicidad escogida para calar el mensaje de que el ColaCao es el alimento ideal para los niños es tomar como modelos a los deportistas para obtener en los niños la reacción de «yo quiero ser tan fuerte y rapido como ellos» de tal modo que inducirán a sus madres para que se lo compren. Por otro lado la fuerza de los colores y el tratamiento de las imágenes que aparacen dan una estética apetecible a los alimentos que aparecen en el anuncio ya sea desde el bote de colacao que siempre aparece en primer término hasta las galletas o bizcochos que acompañan al chocolate que aparece en tazas siempre humeante y listo para ser bebido. La forma de los dulces que aparecen en el anuncio pueden llevar a engaño ya que dichos alimentos no siempre tiene esas formas perfectas redondeadas y brillantes ni el colacao queda tan oscuro y parecido al chocolate tradicional espeso. La originalidad del anuncio está en la facilidad de transición y conexión fluida entre la historia de dibujos animados y las imágenes reales que se intercalan siempre con la voz del negrito como narrador. Otro de los aspectos a tratar sería el como se trata a un producto alimenticio de capricho ( ya que el cacao comenzó siendo un producto de lujo aunque terminó normalizándose) como un alimento de necesidad básica sin el cual «la alimentación de nuestros hijos no estaría siendo la adecuada» involucrando a los creadores del Colacao parte importante en el crecimiento y desarrollo de las futuras generaciones. La costumbre en el consumo de este producto ha hecho que todavia hoy en día dicha marca siga siendo pieza básica de los desayunos y meriendas de muchos hogares y se haya convertido en un icono para todas las bebidas de leche caliente que contengan chocolate ya que se identifican con el apelativo generativo de» colacao».
El anuncio que es elegido es de la organización WWF (World Wildlife Fun), que es conocida mundialmente por su logotipo del panda gigante. WWF es la mayor organización conservacionista del mundo y su misión es la proteger la naturaleza y la diversidad biológica que todos necesitamos para sobrevivir.
Dentro de las múltiples opciones de sus anuncios (dejo aquí un enlace para poder ver muchos de ellos http://ow.ly/4jFCW ) he elegido uno de la campaña que han hecho del cambio climático.
En este podemos ver como colocan la bola del mundo encima de un cucurucho de helado, mientras este se derrite, con el mensaje “La tierra se derrite”.
Este anuncio nos llega a nosotros como un mensaje simple, es todo un fondo oscuro con el “helado” en medio y no excesivamente grande. Aunque el mensaje a primera vista puede resultar simple creo que como todo mensaje original y nuevo la forma de componerlo y llegar a ello es complejo. Ya que lo original suele conllevar complejidad. La razón por la que podemos decir que es original es que consigue que podamos ver de una manera diferente y de otro punto de vista el problema del cambio climático. Nos consigue hacer partícipes de lo que ocurre.
El cambio climático es un problema en la atmosfera que estamos provocando nosotros y que está haciendo que los polos se derritan y el tiempo varié, afectando a la naturaleza. Por lo que cogiendo un elemento icónico como es un helado de cucurucho que todos conocemos y damos el mismo significado, lo transforman en un elemento abstracto, un helado hecho con el mundo que está derritiendo por todos los lados.
Personalmente también creo que este anuncio no puede ser polisémico, solo quiere decir una cosa y solo se entiende de una manera, lo que quieren transmitir. No da lugar a equivocaciones. La tierra se derrite.
Pongo el enlace de la página web de donde saque la información necesaria de la organización y por si puede interesar.
http://www.wwf.es/
Bueno, yo he escogido el tráiler de la película española «Azul oscuro casi negro» cuyo director, Andrés Sánchez Arévalo ha sabido plasmar perfectamente las técnicas de la imagen en su cine, que en esta película aparecen y son por ejemplo: el scope, y durante la duración del tráiler la iluminación utiliza contrastes de luces y sombras en los aspectos duros y un poco menos de la realidad de ésta historia protagonizada por Quim Gutiérrez y que conmueve a todo aquel que la haya visto o que este dispuesto a verla. En el ámbito del color destacan los tonos y colores fríos con claroscuros, respecto al marco, el encuadre del film es más bien horizontal. Para continuar he escogido el grupo de originalidad frente a redundancia. Desde mi punto de vista éste tráiler expresa muy bien la originalidad de las emociones que se suceden en esta historia y el director ha sabido muy bien expresarlo en el sentido además de que sus personajes aparecen completamente inesperados tanto en sus posibilidades como en su destino y formas de actuar. Todo ello unido a la redundancia, es decir, problemas sociales, que la sociedad vive son sus problemas cotidianos y que actualmente abarcan a gran número en nuestro país. Aquí aparecen estos tan repetidos estereotipos de personajes que representan las circusntancias de la vida. Os lo dejo el link a ver si os animáis!http://www.youtube.com/watch?v=XERzdtk-FY0
El anuncio elegido es de uno de los spots de audi , lanzado en el año2007. Lo he escogido porque transmite una visión diferente al resto de los anuncios.
En las primeras imágenes, nos muestra las piezas y los engranajes de un coche dando vida propia, jugando con las formas de los órganos humanos desarrollando emociones.
Y en las últimas nos muestra el eslogan «diseñado para emocionar´´, y el coche junto con la marca.
El anuncio nos presenta un alto valor de abstracción, por lo que esta representado, distinto a la realidad de los anuncios de coches y la relación entre el motor y los órganos, pero a la vez se relaciona con una imagen claramente icónica al mostrarnos el coche.
Se compone con una música agradable y con una estética muy cuidada, cuyos colores predominantes son el negro y el blanco.
Es un anuncio complejo, por tanto, las imágenes ofrecen originalidad porque transmite un mensaje complejo, introduciendo parámetros nuevos.
Muy bien, Aroa. Un análisis sobrio, preciso y a la vez sensible. En la elección que has hecho está también reflejada una parte de tu sensibilidad. Enhorabuena.
http://www.ocaiw.com/galleria_fotografi/index.php?author=newton&id=34
La fotografía que he elegido para este trabajo, es una imagen de una mujer desnuda de un fotógrafo famoso llamado Helmut Newton, en la que su galería de fotos se basa en representar la desnudez de mujeres modelos.
He elegido analizar esta imagen porque me parece muy simbólica y la mujer a lo largo de la historia ha sido y será la protagonista de lo sensual, la imagen parece una foto de glamour, seducción y elegancia aunque aparece con expresión exagera, la figura esta forzada y marcando sus facciones, puede resultar muy atrevida, sensual con atracción, pero lo que yo quiero representar al ver esta foto es el simbolismo de un retrato desnudo en la sociedad, podemos pensar que se trata de una prostituta, alguien que vende su cuerpo a cambio de algo, el deseo sexual de un hombre que estaría dispuesto a pagar lo que fuera para adueñarse de su cuerpo, o haber sido víctima de un mercado sexual a la fuerza o de una violación.
Para el fotógrafo tan apasionado de su trabajo, su intención es representar la belleza de la naturaleza, lo hermoso, su erotismo, la sensualidad tan provocadora y a veces llena de violencia, interpretando que la mujer son más que un maniquí de la moda y del símbolo sexual, que la mujer es la estética que no pasa de moda y que siempre será la protagonista del objetivo. El fotógrafo ante todo quiere destacar la hermosura de la desnudez de la mujer exhibiendo su feminidad, erotismo, misterio, poesía, provocación y morbo. En sus imágenes parecen fotografías congeladas de películas en las que se cumplen las fantasías sexuales de los hombres. Newton representa a la mujer tal y como es con tonos picarescos.
Respecto a esta imagen y todas las demás del fotógrafo está inundada de críticas que ponen de manifiesto que la representación de estas fotos tan provocativas, se ha vinculado a la mujer de sus fotos como símbolos machistas y con falta de dignidad, expuestas al placer y al morbo.
Tras el análisis de la imagen y de su representación visual hay características que destacar como estas:
– El punto de vista es centrado y visual, el punto de mira es de frente hacía al espectador que la observa.
– La posición de la persona es austera, con expresión fría, de miedo, defensa, sufrimiento… Se encuentra en la zona central de la foto, siendo la protagonista de todo el entorno.
– El peso de la imagen esta todo centrado en el medio de todo el encuadre.
– La imagen es totalmente vertical
– Claroscuro: respecto a la imagen, el foco de luz procede de la derecha a lo largo de toda la imagen haciendo sombra en la desnudez hacía la parte izquierda. Resaltan zonas de luz como son las costillas, los senos, hombros, la parte derecha del rostro y en menor grado la pierna izquierda.
– El blanco y negro de la foto hace que sea más impactante la figura de la mujer y hace que caracterice más sus rasgos y su expresión seria y forzada.
– La centralidad de la figura en su rostro y su cuerpo desnudo hacen que se perciba de inmediato.
– La fotografía define concretamente la figura sutil de la mujer, sin perder detalles de cada una de sus facciones marcadas.
– En la imagen representada no hay profundidad ya que está marcada de cerca la sombra, y se ve claramente como hay una pared que marca la longitud que hay entre el espectador y la protagonista.
He decidido utilizar una imagen de una acción publicitaria porque las características que he decidido analizar tienen mucho que ver con la publicidad.
La imagen es una forma de publicidad no convencional que utilizó la marca de coches Jeep. En este caso, la imagen utiliza como soporte la calle, pintando plazas de aparcamiento imposibles para cualquier coche, indicando que está reservada para Jeep, para él es posible. Así consiguen llamar la atención de los consumidores, mostrando sus coches superlativos a los demás.
La originalidad consiste en planteamientos estéticos nuevos y sobre todo, en formas diferentes de entender la realidad. No tiene por qué tratarse de una imagen o video abstracto, sino en escapar de la estandarización.
En la publicidad, mostrar los productos de manera original es muy importante, porque el receptor termina por estar saturado de ver siempre imágenes similares. Hablaríamos entonces de redundancia. Las imágenes que siempre se ajustan al mismo esquema, estandarizadas, son imágenes redundantes que terminan por dejar de atraer la atención.
En la publicidad abundan los estereotipos, por lo que tiene mucho valor la búsqueda de innovaciones. La imagen impresa en la propia calle, que utiliza Jeep, resulta más eficaz y valorada por su originalidad que cualquier otro anuncio de coches visto en televisión o revistas, redundante.
“CON POCO ME LO MONTO”
El spot publicitario de la marca Coca-Cola para su producto Fanta fue todo un éxito en el verano de 2009, al ver el éxito que tuvo se aprovechó para hacer promocionar el nuevo refresco, Fanta Zero y Fanta sin gas dos nuevos productos que lanzaban al mercado. El primer Spot comenzaba con los dedos de un adolescente cogiendo una moneda y sacando un refresco de Fanta, y como se montaban el verano él y otros dos amigos, la campaña se llamaba “Con poco me lo monto” ; nos cuentan cómo se van de vacaciones por la cara, porque no tienen dinero (algo habitual en los jóvenes) y como se ganan un dinero haciendo promociones de Fanta, trabajando de mascota, como se puede ir sin pagar del restaurante, o tiene una novia japonesa. Todo este recorrido por su verano está acompañado de una melodía pegadiza que va contando lo que hace el protagonista. La canción se convirtió en una de las más descargadas del verano.
Originalidad y redundancia, puede parecer redundante ya que muchos anuncios utilizan una melodía pegadiza, pero en este caso yo preciso mas originalidades porque es un anuncio que aunque utiliza una melodía pegadiza nos va narrando lo que hacen los protagonistas del anuncio, son jóvenes, nos muestra la transformación de una paloma en una señora, las actividades que se pueden hacer en verano sin gastarse mucho dinero, nos muestra la amistad de los tres protagonistas, que también se muestra en otros anuncios pero en este caso digamos que es más moderna, salir de fiesta, ir de compras, ir a la playa, trabajar juntos etc.
http://www.google.es/images?hl=es&source=hp&biw=1366&bih=634&q=kevin+carter+%E2%80%93+buitre+acechando+a+un+ni%C3%B1o&gbv=2&aq=4&aqi=g10&aql=&oq=kevin+carter+
Esta fotografía fue tomada en Marzo de 1993 en Sudán, por el fotógrafo Kevin Carter que viajara a la aldea sudanesa de Ayod para denunciar la hambruna y la guerra que sufría esa zona del país, el cual obtuvo un premio Pulitzer en 1994, por la legendaria foto de un buitre acechando a un niño.
El fotógrafo al enviar la imagen a los medios fue criticado por no haber salvado a aquella criatura de las garras del buitre, lleno de remordimientos y agobiado por las criticas el fotógrafo se fue a la orilla del río enchufo una manguera al tubo de escape de su coche, lo introdujo por la ventanilla y se inhaló y más tarde se murió.
La imagen es totalmente real de hace pocos años, en la cual está representado un niño anoréxico débil de su cuerpo que se encuentra de rodillas encogido y que crea un gran impacto en la sociedad. Se puede observar como el buitreen posición serena mira directamente al niño, preparado en cualquier momento para saltar sobre su débil cuerpo y devorarle.
Es una imagen muy icónica ya que se ve representada la miseria de un país en el que el hambre es el principal problema de cada día.
El color de la imagen pretende resaltar su valor simbólico haciéndolo más real, para que destaque el escenario donde está situado la imagen.
SENCILLEZ Vs COMPLEJIDAD
En la publicidad actual no se puede decir que estén de moda los anuncios sencillos o los anuncios complejos, porque tan pronto pueden ser de una manera u otra. Es más, una misma marca nos puede dar un spot muy complejo y a los pocos meses uno más sencillo. Si es verdad que en los anuncios de marcas con más prestigio predomine la sencillez. Podemos recordar spots de coches de marcas como BMW o Audi, por ejemplo, estos anuncios suelen ser sencillos, suele aparecer un coche de la marca en medio de una carretera desierta, donde al final te ponen la imagen acompañada del eslogan de la marca, como en el caso de BMW que te dice: ¿te gusta conducir? Otros anuncios sencillos pueden ser el caso de I Phone, de perfumes caros, de marcas de ropa, de joyas,…
Por otro lado, como ya he dicho anteriormente, en la televisión nos encontramos más anuncios complejos que simples. Los anuncios complejos están llenos de color, de música, de personajes,…
En mi opinión, no se puede decir que un anuncio llame más la atención que otro respecto a su complejidad o sencillez. Porque un anuncio sencillo nos puede llamar la atención más que uno complejo y no tiene porqué ser malo, porque puede ser muy bueno y si es al revés, ocurre lo mismo.
A continuación dejo el enlace de uno de los spot de BMW:
El siguiente spot corresponde a I Phone:
Estos dos spots corresponden a marcas de prestigio donde podemos ver la sencillez de sus anuncios.
Para este trabajo he elegido las campañas publicitarias de Yoigo para analizarlo según su simplicidad-complejidad. En todos los anuncios de Yoigo se puede ver una gran simplicidad, y para explicarlo, pongo como ejemplo un anuncio concreto.
En él, tan solo aparecen palabras (entre las que únicamente se distingue una frase) y tres personas en un muy simple 3D.
Estas personas aparecen con un color cada una, representando cada color una compañía telefónica: el rojo, Vodafone; el azul, Movistar; y el naranja, Orange. Y estos aparecen golpeándose. Hay que decir que estas personas no tienen cabeza, ya que lo realmente importante es el color que les representa.
Con esta simple representación de las tradicionales compañías telefónicas en España, y la frase que dice “Hasta hoy los operadores de móviles sólo se diferenciaban por el color”, el receptor ya sabe interpretar que Yoigo es una compañía diferente al resto.
También hay que destacar las letras en color negro y el fondo blanco del spot. Todo esto representa la simplicidad, y junto a la sencilla representación de las personas, es siempre igual en la publicidad de Yoigo.
Coca-Cola presenta la campaña mundial para conmemorar el 125 aniversario de su nacimiento, que los responsables de la compañía han hecho coincidir con el día en que se vendió por primera vez el refresco, en 1886, en la ciudad de Atlanta. La campaña tendrá presencia en medios impresos, publicidad exterior, cines y medios online.
El nuevo spot, tendrá una versión con una duración de 125 segundos, y en el podemos ver la historia de la marca desde su nacimiento en 1886 a través de diferentes imágenes que muestran cómo la marca ha estado presente en los principales hitos históricos del mundo: el fin de la Segunda Guerra Mundial, la aventura espacial, ser campeones del mundo de fútbol.
En este anuncio podemos ver la originalidad porque que utiliza una buena canción y nos va enseñando imagenes desde el comienzo del refresco hasta nuestros días. Esta idea me parece innovadora porque es una forma de transmitir al público, el concepto de la marca Coca-Cola, y empieza y termina con la misma frase, que a mi parecer es la que más destaca a lo largo del spot.
– ¿Que tendra?.
– Esta hecha para hacer feliz a la gente
Coca-Cola se ha convertido en la marca global porque potencia su carácter local; a lo largo del tiempo no ha cambiado su fórmula, ni su modelo de negocio; y a pesar de sus 125 años se mantiene en el mercado compitiendo con nuevas marcas.
http://img18.imageshack.us/i/rosals.jpg/
Para analizar una imagen debemos tomarla como una fuente de sensaciones y experiencias.
El proceso de lectura de una imagen consta de dos lecturas. Una de ellas objetiva y otra subjetiva, es decir, siguiendo el punto de vista objetivo, analizamos la imagen únicamente por lo que representa mientras que desde el punto de vista subjetivo se describe cómo influye en uno mismo la imagen observada.
Es importante tener en cuenta este proceso a la hora de comprender una imagen observada.
La imagen que he elegido y que voy a comentar, fue tomada en Nueva York en marzo de 2010. Todos los árboles estaban adornados con rosas en un parque cercano a la «zona cero».
He decidido hablar del par de características MONOSEMIA Y POLISEMIA.
Entendemos por monosemia a un modo de interpretar la imagen asociándole solo un significado mientras que en la polisemia se le asocian varios significados.
Considero que mi imagen, es una imagen muy polisémica porque puede interpretarse de diferentes modos, es decir, para algunos puede ser un simple adorno colgado en un árbol, para otros puede representar el sentimiento del amor manifestado en forma de rosa atada al árbol, para otros representa a la pareja porque la mujer se sujeta fuertemente con un lazo anundado al marido, que sería el árbol… Hay infinidad de significados. Hay por tanto, un alto grado de polisemia.
Analizando la imagen siguiendo los pasos expuestos anteriormente, (subjetividad y objetividad) podemos decir que la subjetividad está claramente relacionada con la polisemia, pues lo que a nosotros nos sugiere la imagen es algo totalmente subjetivo que hace que el grado de polisemia aumente. La objetividad estará claramente relacionada con la monosemia, ya que únicamente podemos interpretar que es una foto de una rosa roja atada a la rama de un árbol y retocada y enfocada con el fin de resaltar el color de la flor.
Pero, ¿con qué fin está ahí colgada? Considero que es esta pregunta, es la que nos indica el alto grado de polisemia que hay en la imagen.
http://3.bp.blogspot.com/_TyWqZHTHoNQ/Sn4UQi5
MG9I/AAAAAAAAAWE/nFuRJ6OJ66s/s400/new_clever1.jpg
Lo primero que salta a la vista en esta fotografía es el hombre aparentemente atractivo, medio desnudo que parece posando en un ambiente natural.
Es una representación típica de los anuncios publicitarios de moda interior para hombres, representándoles en forma de dioses que dominan a la sociedad, a la naturaleza y al mundo.
Los indicios que hacen que esta imagen publicitaria sea una composición, es el hecho de el hombre este agarrando una casa en ruinas, algo que es imposible.
Los colores dominantes de esta imagen, son el azul y el gris, los cuales hace que resalte un poco más el logotipo de la marca, ya que esta se aprovecha del contrate de ambos, produciendo una cierta oscuridad.
El hecho de que el protagonista de la imagen no lleve nada sino el calzoncillo, hace que se refleje que con esos calzoncillos se pueda hacer cualquier cosa, por lo cómodos que son.
La imagen parece a simple vista estática, porque no hay ningún movimiento en ella, aunque si se mira con mayor atención, se puede notar la dinámica del viento, que se puede apreciar en los elementos vegetales del fondo de la imagen.
En cuanto a los planos de luz, se pueden distinguir dos tipos: la parte izquierda de la imagen, más oscura que la opuesta, y la derecha, más clara, para resaltar el cuerpo del modelo.
Para finalizar, el público al que se dirige este anuncio no es el hombre que va a llevar este calzoncillo, sino que se dirige es al de la mujer. La cual puede ser utilizada como símbolo de protección y madurez para ella.
He escogido una foto titulada “Soy una pirata” de Beatriz P.C. que he encontrado muy interesante: http://www.flickr.com/photos/beapc/5200974255
La foto muestra en un primer plano y en forma horizontal una mano que sostiene en su palma un pequeño barco de papel sobre un agua de color negro, haciendo que el barco se impregne del color.
Se trata de una composición original, porque, pese a que todo ello es algo real, está claro que la autora no quiere reflejar lo que vemos, sino lo que está por detrás, que aclara mucho la parte escrita en referencia a la foto (poema “Canción del Pirata”, de José de Espronceda): que el barco todos los males, temores, “tormentas” (agua de color negro) que nos pueda hacer algo o alguien, si bien se ve que lo que aguanta el agua es una mano humana, lo podemos superar, porque el ser humano es un “tesoro”, que puede con todo.
Además, el hecho de que la saturación de la imagen sea prácticamente nula, hace más hincapié a la hora de pensar que la fotografía nos quiere llevar a esos temores, o malos recuerdos que nos atormentan, ya que si estuviera en color, pese a que el agua negra resaltaría más, no sería tan evidente que trata de algo más profundo que la mera fotografía.
Cristina Casado, me envía a última hora de la tarde este enlace a una de las fotos más controvertidas de la historia del periodismo. La famosa imagen falseada por el fotógrafo Kevin Carter que le sirvió para obtener el Premio Pulitzer a comienzos de los noventa. La foto se tomó al lado del estercolero al que acudían buitres y niños. El fotógrafo aguantó durante 20 minutos a que el buitre extendiera sus alas, cosa que no ocurrió. El punto de vista escogido para encuadrar, junto con la óptica seleccionada en el objetivo, daban la sensación de que el buitre estaba acosando al niño. Esta perspectiva reforzaba la carga emocional de la imagen. El autor de la imagen se suicidó tres meses después de obtenida la fotografía.
MENSAJE DE CRISTINA CASADO
Hola de nuevo Agustin!
Gracias por haberme facilitado el trabajo me ha servido de ayuda, ya lo he publicado en la web. He seguido buscando y he encontrado una foto que de verdad me ha impactado no tiene nada que ver con la que he expuesto en mi ensayo pero que igualmente esta llena de simbolismo.
http://www.google.es/images?hl=es&source=hp&biw=1366&bih=634&q=kevin+carter+%E2%80%93+buitre+acechando+a+un+ni%C3%B1o&gbv=2&aq=4&aqi=g10&aql=&oq=kevin+carter+
La imagen que he escogido trata de un anuncio de champú Dove, y lo analizaré de manera objetiva y subjetiva.
En cuanto a la lectura objetiva, podemos hablar de un tamaño y formato más bien vertical, el plano de las dos figuras principales que son “Marge Simpson” está realizado de forma lateral y sin captar el cuerpo entero del personaje, para que así, se capte toda la atención al cabello y a su movimiento.
Respecto a las líneas y puntos, se puede observar claramente cómo una línea horizontal separa la imagen del texto inferior, y por tanto, el producto, y cómo una línea vertical separa la imagen del texto situado en la parte superior izquierda, además de las líneas curvas en la imagen de la derecha aportando dinamismo y movimiento al cabello.
Se pueden observar dos puntos, uno es la mujer seductora y otro el producto aplicado a su cabello.
En dichas imágenes, también observamos cómo se juega con los tonos cálidos y fríos resaltándolas, a su vez, con un gran fondo blanco.
En cuanto a la lectura subjetiva, el fondo blanco nos puede indicar paz, tranquilidad, el bienestar de la mujer, pero a su vez, esta frialdad del fondo blanco, es mezclado con colores cálidos del collar, piel y vestido de la mujer, y a su vez con el dinamismo de las curvas del cabello.
También podríamos añadir el claro estereotipo social que la publicidad ha hecho de la mujer y que también se manifiesta en la imagen, una mujer sensual, libre, únicamente preocupada por la belleza y la seducción.
Es un anuncio muy sencillo, ya que el receptor ve claramente lo que la publicidad quiere que vea. Después de todo lo anterior, voy a centrarme en dos aspectos, Monosemia y Polisemia.
Por monosemia entendemos “un único significado”, en el anuncio esto lo podríamos ver como el champú mismo que dice que te vas a sentir suave y en movimiento si lo utilizas (según el slogan) y además se ve en la imagen el movimiento del cabello nada más utilizar el producto.
Por polisemia entendemos “varios significados”, en el anuncio esto lo podríamos ver como la seducción, sensualidad, que se ve en la segunda imagen, según el rostro del personaje.
El anuncio que he elegido yo es de la marca de refrescos Aquarius del 2008 «Radio la Colifata».
En el podemos observar como un grupo de personas que están ingresadas en el hospital psiquiatrico argentino dejan a un lado sus problemas e imparten su tiempo en cosas nuevas como es la realización de un programa de radio que ahora se transmite en todo el mundo y tiene más de 4 millones de oyentes, llamada radio la Colifata fundada por Alfredo Olivera que ha hecho que no haya vuelto a haber una reinternación en los últimos años.
El significado de Colifata es: Locos que quieren que todos sean felices.
Aquarius se intereso sobre este tema y les animó a que nos contaran a todos su proyecto de tal manera que grabaron este magnífico anuncio.
Relacionando este anuncio con el grado de iconicidad y abstracción yo diria que de iconicidad es lo que representa todo el anuncio ya que nos está representando la realidad de un grupo de enfermos que dejan sus problemas por un momento para hacer un programa de radio y divertirse ellos a la vez que cuentan cosas curiosas a sus oyentes. Respecto a la abstracción no encuentro nada, ya que más real que este anuncio no hay «nada».
También nos encontramos con lo que es el significado de Colifata, que apra mí yo creo que es como su lema, «Locos que quieren que todos sean felices», es decir, ellos saben que problemas tienen y aún así son felices y quieren transmitir su felicidad a los demás.
A mi me ha parecido un anuncio curioso espero que a vosotros también os lo parezca.
El anuncio que he elegido yo es de la marca de refrescos Aquarius del 2008 «Radio la Colifata».
En el podemos observar como un grupo de personas que están ingresadas en el hospital psiquiatrico argentino dejan a un lado sus problemas e imparten su tiempo en cosas nuevas como es la realización de un programa de radio que ahora se transmite en todo el mundo y tiene más de 4 millones de oyentes, llamada radio la Colifata fundada por Alfredo Olivera que ha hecho que no haya vuelto a haber una reinternación en los últimos años.
El significado de Colifata es: Locos que quieren que todos sean felices.
Aquarius se intereso sobre este tema y les animó a que nos contaran a todos su proyecto de tal manera que grabaron este magnífico anuncio.
Relacionando este anuncio con el grado de iconicidad y abstracción yo diria que de iconicidad es lo que representa todo el anuncio ya que nos está representando la realidad de un grupo de enfermos que dejan sus problemas por un momento para hacer un programa de radio y divertirse ellos a la vez que cuentan cosas curiosas a sus oyentes. Respecto a la abstracción no encuentro nada, ya que más real que este anuncio no hay «nada».
También nos encontramos con lo que es el significado de Colifata, que apra mí yo creo que es como su lema, «Locos que quieren que todos sean felices», es decir, ellos saben que problemas tienen y aún así son felices y quieren transmitir su felicidad a los demás.
A mi me ha parecido un anuncio curioso espero que a vosotros también os lo parezca.
He elegido como análisis el spot de REPSOL YPF “Inventemos el futuro”. http://www.youtube.com/watch?v=QKItJK2Y2tM
Voy a realizar su análisis en base a la originalidad y la redundancia de sus afirmaciones (acompañadas de imágenes) que se realizan a lo largo del spot. En primer lugar el anuncio comienza hablando de inventos y descubrimientos que resultan esenciales para el ser humano hoy en día, como la rueda, el fuego… hitos como la llegada a la luna…pero sin embargo habla de términos simples como “la invención de los ceros y los unos” es decir del sistema binario que en su profundidad abarca toda la era tecnológica que vivimos, internet, ordenadores, documentos… una cantidad incalculable de información reducida a 2 dígitos combinados y repetidos de una determinada manera. Recurre además al territorio emocional marcando la invención de los abrazos, seguido de la invención de un hito como el abecedario, o la imprenta. Y a partir de ese momento comienza a contrastar términos tales como imperios y revoluciones, en cuanto a la comunicación, con los términos: teléfono, internet… de modo que recurre a toda una serie de inventos, hasta los cuentos de ficción para marcar todas las posibilidades que existen y que mirando atrás apenas hubiésemos pensado que existirían. Y por tanto el spot culmina con la frase: si somos capaces de todo eso ¿cómo no vamos a ser capaces de proteger lo que más nos importa? (que aparece simultáneamente a la imagen de la tierra).
He decidido analizar este anuncio desde su perspectiva un tanto original en cuanto a la idea y redundante en cuanto a comparaciones. La idea de que todo aquello que se relata se muestra dibujado sobre cuerpos humanos ya sean jóvenes, bebés, mujeres u hombres. El hecho de que se muestren esas imágenes que recurren a lo emocional, junto con mensajes que no son más que meras afirmaciones hacia todo lo que ya sabemos que existe, y sin embargo, nos damos cuenta, nos paramos a pensar en todo aquello que nos va mostrando y diciendo. Cierto es que todos aquellos inventos ya los conocemos, y sabemos que han sido inventados y por tanto se podría considerar un tanto redundantes las afirmaciones. Sin embargo la originalidad radica en el mensaje a la par que la imagen. La imagen muestra. Nos enseña. Nos hace ver desde que punto pretenden enfocar la imagen. Y por tanto la originalidad se basa en la elección de las imágenes pintadas en los cuerpos, y de los cuerpos. Pues la aparición de un bebé cuando se habla de la invención de las vacunas hace que se recurra a un terreno emocional, por el mero hecho de ser un bebe y no cualquier otra persona de otra edad diferente.
Para concluir, se culmina el spot haciendo referencia al cuidado de la Tierra, y por tanto termina con otra afirmación que tiende al sentimentalismo. Sin embargo el que esté asociado precisamente con REPSOL es lo que marca el choque del que antes hablábamos refiriéndonos a imperios-revoluciones. Y por tanto marca el final del anuncio con el mayor contraste de todos en cuanto a imagen, mensaje y, por supuesto, sonido.
El anuncio que he elegido para analizar es el conocido spot del Atlético de Madrid lanzado hace unos años para lograr el apoyo de la afición. Fue lanzado en un momento muy delicado de la temporada de este equipo de fútbol, donde la afición protestaba contra la directiva y su mala gestión.
Se trata de un spot comienza enfocando a un coche, dentro del coche un niño le pregunta a su padre: papa ¿por qué somos del atlético? Más tarde sale una frase en la que pone: no es fácil de explicar pero es muy, muy grande.
La sencillez de este anuncio le ha convertido en uno de los mejores spots de la historia, con una frase nos hace entender el tipo de afición que ha caracterizado siempre a este equipo. Este anuncio, aparte de ser muy sencillo es también un ejemplo de originalidad, no es el típico anuncio que hace un llamamiento a la afición para que apoye, sino que nos dice que aunque con ese equipo sufrimos, también es un sentimiento muy grande el que nos une a el.
El anuncio escogido es Cocacola «Para todos» Ya que el mensaje que quiere transmitir es simple «la cocacola es para todos», asi todo decide ir enumerando de una forma creativa distintos publicos que tiene cocacola (redundancia).
Tambien en cuanto a imagen y sonido se repite la simplicidad y la redundancia. Los materiales utilizados son simples envases de cocacola, pero repetitivo ya que estamos durante un minuto visualizando unicamente estos recipientes.
La voz del argentino es repetitiva y en nuestro subconsciente hace mella a la imagen que tenemos sobre los argentinos de charlatanes, repetitivos, capaces de convencer a todo el mundo. http://www.youtube.com/watch?v=MaTjCil8SxU
Yo he escogido el nuevo spot de Coca-Cola, que ha estrenado su nueva campaña de publicidad mundial titulada «Razones para creer», en la que se refuerza el mensaje de optimismo que caracteriza a la Compañía y en la que invita a encontrar razones de que es posible vivir en un mundo mejor.
La campaña, en la que un coro de niños versiona la canción «Whatever» de Oasis, muestra diferentes situaciones de por qué es posible vivir en un mundo mejor. Para ello, señala «Por cada tanque que se fabrica en el mundo… se fabrican 131 mil peluches. Por cada Bolsa de Valores que se desploma… hay 10 versiones de «What a Wonderful World». Por cada persona corrupta… hay 8 mil donando sangre. Por cada muro que existe… se ponen 200 mil tapetes de «Bienvenido». Mientras 1 científico diseña un arma nueva… hay 1 millón de mamás haciendo pasteles de chocolate. En el mundo se imprime más dinero de Monopoly que dólares. Hay más videos divertidos en internet… que malas noticias en todo el mundo. AMOR tiene más resultados que MIEDO. Por cada persona que dice que todo va a estar peor… hay 100 parejas buscando un hijo. Por cada arma que se vende en el mundo… 20 mil personas comparten una Coca-Cola.»
El spot «Razones para creer» incluye además imágenes del mítico anuncio de 1971 «I’d like to buy the World a Coke», en el que durante una época llena de conflictos un grupo de jóvenes de todo el mundo se reunían en una colina italiana para cantar una canción que hablaba de paz. Durante muchos años este anuncio, que también contó con una versión en los años 90, fue considerado en los medios publicitarios como el mejor anuncio jamás realizado.
Éste tiene originalidad ya que basándose en un estudio en el 2010 sobre el estado de el mundo,enumera una serie de hechos para que disfrutemos de una visión más optimista de la vida, donde se pone en evidencia que somos millones los que queremos vivir tranquilos y sin miedo. Que hay razones para creer en un mundo mejor. Este spot tiene un mensaje bastante alentador y sensibiliza a la gente de que por cada cosa mala, hay muchas mas cosas mejores, y que por eso, hay que seguir adelante y disfrutar. También uno de los puntos fuertes es su música.
El anuncio que es elegido es de la organización WWF (World Wildlife Fun), que es conocida mundialmente por su logotipo del panda gigante. WWF es la mayor organización conservacionista del mundo y su misión es la proteger la naturaleza y la diversidad biológica que todos necesitamos para sobrevivir.
Dentro de las múltiples opciones de sus anuncios (dejo aquí un enlace para poder ver muchos de ellos http://ow.ly/4jFCW ) he elegido uno de la campaña que han hecho del cambio climático.
En este podemos ver como colocan la bola del mundo encima de un cucurucho de helado, mientras este se derrite, con el mensaje “La tierra se derrite”.
Este anuncio nos llega a nosotros como un mensaje simple, es todo un fondo oscuro con el “helado” en medio y no excesivamente grande. Aunque el mensaje a primera vista puede resultar simple creo que como todo mensaje original y nuevo la forma de componerlo y llegar a ello es complejo. Ya que lo original suele conllevar complejidad. La razón por la que podemos decir que es original es que consigue que podamos ver de una manera diferente y de otro punto de vista el problema del cambio climático. Nos consigue hacer partícipes de lo que ocurre.
El cambio climático es un problema en la atmosfera que estamos provocando nosotros y que está haciendo que los polos se derritan y el tiempo varié, afectando a la naturaleza. Por lo que cogiendo un elemento icónico como es un helado de cucurucho que todos conocemos y damos el mismo significado, lo transforman en un elemento abstracto, un helado hecho con el mundo que está derritiendo por todos los lados.
Personalmente también creo que este anuncio no puede ser polisémico, solo quiere decir una cosa y solo se entiende de una manera, lo que quieren transmitir. No da lugar a equivocaciones. La tierra se derrite.
Pongo el enlace de la página web de donde saque la información necesaria de la organización y por si puede interesar.
http://www.wwf.es/
El anuncio que he escogido para analizar es el nuevo anuncio del citroen C3.
En él se nos muestra un chico conduciendo y un montaje con fotogramas en donde se supone que mientras conduce está experimentando nuevas sensaciones.
El chico que conduce es el centro de la imagen, mientras alrededor de él está todo el dinamismo con luces, atrayendo la atención al centro que es donde se produce el dinamismo final. En la imagen final termina el montaje de los fotogramas y le sucede el video sin cortes en los fotogramas.
El anuncio hace que no se pierda de vista ni un segundo los detalles, pues entre la música que lo hace entretenido y todo el dinamismo hace que sea un anuncio divertido de ver y con la canción pegadiza.
El mensaje es claro: Un nuevo mundo de sensaciones cuando conduces el nuevo Citroen.
Sin duda, Citroen ha cambiado la dinamica a la hora de hacer los anuncios de sus coches. Con este nuevo anuncio se han renovado y han conseguido hacer un anuncio que enganche, que sea atractivo a la vista.
Pido disculpas, pues se me ha olvidado colgar el video:
El anuncio claramente es original. Con ello han conseguido romper los moldes de los anuncios típicos de Citroen (ya explicado anteriormente), aunque al final siempre sacan los mismos planos del coche. Se repiten mucho en los spots al final, no introducen ninguna novedad, así como que en el anuncio es totalmente original y atractivo.
Mi elección ha sido un anuncio del año 2010 realizado por la compañía automovilística alemana Audi, en la que se anuncia su nuevo modelo de A4.
En la primera imagen que podemos ver de este spot, aparece una caja enorme de cristal la cual está dentro de una habitación de color blanco. La imagen se acerca, con la intención de que el público pueda ver lo que contiene esa caja, que son las diferentes piezas necesarias para construir este coche. A continuación como si un cubo de Rubik se tratase, la caja dividida a su vez en pequeñas cajas empieza a moverse, uniendo las piezas que se encuentran en su interior intentando construir el automóvil. Hasta llegar a ver el coche metido dentro de la caja completamente construido.
La marca Audi se define entre muchas otras cosas por su distinguida calidad y elegancia. Todas estas cualidades están perfectamente definidas en el spot, como por ejemplo la música, acorde con el decorado minimalista, es música lenta y con toques electrónicos. Intentando remarcar de esta manera así sus valores como marca. Otro aspecto a destacar es el ambiente que han querido resaltar en el spot, un ambiente minimalista, habitación con paredes blancas, sofás negros que acompañan a parte del techo del mismo color, luz fría de color blanco y grandes espacios sin ningún tipo de adorno o floritura. Todo este decorado nos da a conocer en gran parte el carácter de la marca, el carácter del coche que nos están intentando vender, de manera que nos dan una imagen moderna, sencilla y centrada totalmente en el producto. Anunciando la marca de una manera sutil en el segundo 0:14, cuando ya se está empezando a mover la gran caja de cristal para montar el producto, aparece dentro de una de las pequeñas cajas el logotipo de Audi que se coloca en la parte frontal de todos los automóviles de la marca.
Lo que más llama la atención del spot es la gran caja de cristal, sobre todo es importante destacar la utilización del este tipo de material, que bajo mi punto de vista le da delicadeza y estilo al producto. Algo metido en una caja de cristal siempre es algo valioso y también es algo que quiere remarcar la marca, que su producto es algo valioso que no todo el mundo tiene.
En conclusión, bajo mi punto de vista es uno de los mejores spots que ha realizado Audi, y expresa muy bien los valores propios de la marca, intentando persuadir al público desde la exclusividad y la clase de todos sus productos.
Me he decantado por un anuncio hecho para la compañía de telecomunicaciones AT&T, por la agencia BBDO, pues encontraba que representaba claramente los motivos entre polisemia y monosemia.
El anuncio recorre la ciudad, el campo, las carreteras, casas, vías… viendo como se inunda todo con flores a punto de brotar de color naranja, que aunque no es el color de su logotipo, sí lo utilizan para resaltar muchos detalles. Las personas que aparecen en el spot muestran cara de sorpresa, alegría, satisfacción mientras tiene efecto el fenómeno.
Las flores van cubriéndolo todo, hasta el final del mismo anuncio, con eso la compañía quiere simbolizar la cobertura que tiene sobre el país estadounidense respecto a telefonía.
Existe una clara polisemia en ese campo, AT&T siendo una empresa de que se dedica a la telefonía móvil, entre otros propósitos, para sugerir que mediante las flores puede llegar a todo el territorio del país, o casi. Las flores van abriéndose poco a poco sugiriéndonos que la expansión no termina y nuevos proyectos se abrirán camino, además llegan hasta muy diferentes lugares
Además la variedad de imágenes que se muestran respecto a lo que cubren las flores abre aun más fronteras de posibilidades. La gente que observa las flores es de distintas edades y haciendo diferentes actividades en sus vidas diarias. Nos remite a que los servicios de esta compañía van dirigidos y les sirven a múltiples colectivos distintos en cuanto a edades y costumbres.
Otro detalle mono sémico del anuncio es el momento que se muestra la macro infraestructura, las múltiples vías se conectan para llegar a un destino, esto nos simboliza la cobertura en su precisión, el extranjero por los muchos caminos y la conexión que se puede establecer por el propio destino.
Por lo tanto, en este anuncio se ve una mezcla entre los elementos de la pareja en oposición, muy bien coordinados.
Anuncio en YouTube
http://www.abc.es/20110321/internacional/abci-galeria-nuevas-imagenes-tsunami-201103211531.html
He elegido una imagen del periódico ABC, que representa la catástrofe de Japón. Fue tomada por Sadatsugu Tomizawa justo en el momento en el que las olas golpeaban la costa de Minamisoma, ciudad perteneciente a la prefectura de Fukushima.
Podemos observar que es una imagen bastante sencilla, ya que los elementos que aparecen en ella son: la furgoneta arrastrada por la fuerza de las olas; y, los árboles, que aunque están resistiendo esa fuerza, en la parte inferior derecha se puede observar como ya un árbol ha sido derribado por las mismas olas.
Como se suele decir ‘’una imagen vale más que mil palabras’’, y la fotografía muestra la realidad de lo devastadora que puede llegar a ser la naturaleza, por lo que podemos decir que también tiene un alto grado de iconicidad.
También podemos hacer referencia al significado. En este caso es una imagen monosémica ya que tiene un único significado, el poder que tiene la naturaleza tanto para crear como para destruir.
He elegido un video de «Kutiman» un israelí famoso por mezclar videos de youtube y crear canciones con ellos y que me vino a la cabeza para esta práctica:
Es una idea muy original ya que partiendo de trozos que cualquiera puede escuchar por la red y ni tan siquiera darles importancia, alguien sabe sacar lo mejor de ellos y en esos retales ver una canción.
Thru you fue nombrado por la revista Time como uno de los 50 mejores inventos de 2009, nada de esto no hubiera sido posible sin el tirón de youtube en internet, y los miles de videos que podemos encontrar de músicos anónimos y a la difusión que permite.
Ahí reside la magía de la música en inspirarse y crear donde el resto puede no encontrar nada o ver otra cosa.
Como suele pasar con estas cosas Kutiman ya tiene adeptos, seguidores y alumnos:
El anuncio que he escogido es un spot de Ikea repitiendo su eslogan “No es más rico el que más tiene si no el que menos necesita”. La agencia que ha creado este spot es SCPF.
En el spot, el narrador explica su testamento acompañado de una música de las teclas de un piano. A medida que lo va contando se puede visualizar en el anuncio una serie de imágenes de los momentos que ha vivido con su familia.
Lo llamativo de este spot es que se hable sobre el testamento, por ello me resulta original e innovador ya que muestra que la herencia más importante son los momentos vividos junto a tus seres queridos y no los objetos. El testamento suele ser un tema tabú y esta empresa se ha atrevido a hablar sobre ello en un spot haciendo que la gente reflexione sobre lo valioso de la vida.
En mi opinión, los anuncios de Ikea cada día van creciendo más. Además se puede observar que Ikea no se caracteriza por mostrar sus productos en sus spots si no que enseña unos valores que van resurgiendo en los hogares. Estos valores están más cercanos al disfrute de las cosas pequeñas de la vida, los amigos, la familia y el hogar como lugar de ocio y relax, que la acumulación de cosas material.
He elegido una imagen de la famosa marca de alcohol «Absolut Vodka» para analizar su originalidad- redundancia.
Para empezar es una imagen con una gran simplicidad, pero a la vez original, ya que en ella podemos ver como la botella tiene un gran parecido al de un ángel, acompañada de la frase Absolut Perfection (Absoluta Perfección), comparando la botella como algo divino, bueno, perfecto…
En la que con un simple círculo blanco al fondo y un aro encima de la botella podemos ver como la botella adquiere un gran parecido al de un ángel con las alas al fondo y la aureola sobre la botella.
En la imagen sólo vemos dos colores, el blanco y el negro, por lo que no existe una gran redundancia en los colores de la imagen.
La imagen en sí tampoco es muy redundante, ya que logra comparar a la botella con un ángel sólo con el juego de luces y sombras. Acompañada por una frase clara y directa.
He elegido esta imagen, porque me parece una imagen muy interesante y a la vez graciosa y contradictoria, ya que como todos sabemos el consumo de alcohol es perjudicial para la salud y en la imagen lo presentan como todo lo contrario, ya que a un ángel nunca lo podemos comparar como algo malo o perjudicial.
A continuación analizare una imagen del spot de La Casera de 2010 dirigido por Javier Fesser, que ya se encargó de llevar a la gran pantalla a Mortadelo y Filemón. Este es el link donde se puede ver el anuncio.
La imagen que he elegido para analizar, dentro de las múltiples que tiene el spot completo, es la que muestro a continuación.
http://www.google.es/imgres?imgurl=http://i.ytimg.com/vi/6ZPhufYXHFI/0.jpg&imgrefurl=http://wn.com/LA_CASERA_13_RUE_DEL_PERCEBE_Teaser&usg=__lcNxu7TdA2VaVdrHkx68PS1ok3M=&h=360&w=480&sz=26&hl=es&start=0&sig2=piT0DMcKOUgHhLYOywsDXQ&zoom=1&tbnid=z91X_LiWJNoFbM:&tbnh=158&tbnw=223&ei=11iJTeDwMcyl4AaK68mKDg&prev=/images%3Fq%3Dla%2Bcasera%2Banuncio%2Bcasa%26hl%3Des%26biw%3D1366%26bih%3D643%26gbv%3D2%26tbs%3Disch:1&itbs=1&iact=hc&vpx=394&vpy=92&dur=95&hovh=194&hovw=259&tx=207&ty=105&oei=11iJTeDwMcyl4AaK68mKDg&page=1&ndsp=19&ved=1t:429,r:1,s:0
En la imagen se puede ver un auténtico barrio de una zona obrera. Se pueden observar multitud de objetos cotidianos, como camiones, trabajadores, grúas, parques, bloques de edificios…
Resulta pues, un spot icónico, entendiendo por iconicidad, los niveles de relación de una imagen, con la imagen de un objeto real, ya que vemos todos los rasgos de un barrio real. En este spot, La Casera, quiere darnos y recordarnos, que esta refrescante bebida es la de siempre, es decir que se mantiene como en sus comienzos.
El spot, narra las aventuras de una comunidad entera de vecinos, que a la vez está inspirada en la famosa, 13 Rue del percebe. La trama se desarrolla cuando el portero y un trabajador intentan poner en el tejado la publicidad de La Casera. Al mismo tiempo que sube el enorme panel de la marca, se narran unas mini-historias en cada uno de los pisos.
Todas estas imágenes icónicas son por otra parte un poco surrealistas, cómicas y abstractas, ya que todas se desarrollan de una manera peculiar.
He elegido una imagen de la famosa marca de bebida alcohólica «Absolut Vodka» que podemos ver a continuación:
http://www.google.es/imgres?imgurl=http://4.bp.blogspot.com/_GR_mqquf1Ok/Sw9jBmlkCUI/AAAAAAAAAJ8/_HkaN06oynE/s400/absolut_perfection.preview.jpg&imgrefurl=http://antexpoe.blogspot.com/2009/11/ayari-mo-absolut-perfection.html&usg=__MOGeXhaMmXZRnJhlfmZT-fmn0W8=&h=400&w=311&sz=23&hl=es&start=0&sig2=b_5ztVDR5SCs4bAOdp_G-g&zoom=1&tbnid=87MUITKUQrKWtM:&tbnh=170&tbnw=137&ei=t1qJTfK_B5CG4AbN6bGJDg&prev=/images%3Fq%3Dabsolut%2Bperfection%26hl%3Des%26biw%3D1366%26bih%3D643%26gbv%3D2%26tbs%3Disch:1&itbs=1&iact=hc&vpx=146&vpy=71&dur=439&hovh=230&hovw=178&tx=149&ty=54&oei=t1qJTfK_B5CG4AbN6bGJDg&page=1&ndsp=23&ved=1t:429,r:0,s:0
La imagen como podemos observar es muy simple pero a la vez muy original, ya que aparece la botella de vodka como si fuera un ángel, acompañada de la frase Absolut Perfection (Absoluta Perfección), comparando la botella como algo divino, bueno, perfecto…
Con un simple círculo blanco al fondo y un aro encima de la botella podemos ver como la botella adquiere un gran parecido al de un ángel con las alas al fondo y la aureola sobre la botella.
En la imagen sólo vemos dos colores, el blanco y el negro, por lo que no existe una gran redundancia en los colores de la imagen.
La imagen en sí tampoco es muy redundante, ya que logra comparar a la botella con un ángel sólo con el juego de luces y sombras. Acompañada por una frase clara y directa.
He elegido esta imagen, porque me parece una imagen muy interesante y a la vez graciosa y contradictoria, ya que como todos sabemos el consumo de alcohol es perjudicial para la salud y en la imagen lo presentan como todo lo contrario, ya que a un ángel nunca lo podemos comparar como algo malo o perjudicial.
COMENTARIO DE ALDARA FERNÁNDEZ
El 23 de marzo de 2011 00:16, aldara fernandez comes escribió:
Perdone Agustín pero es que no me deja enviar el trabajo en un comentario en el blog. Lo he intentado varias veces pero es imposible así que si no le importa se lo envío en este correo.
De todas formas lo intentaré publicar mañana por la mañana.
Un saludo.
Aldara, Grupo 3
El anuncio que he escogido es un spot de Ikea repitiendo su eslogan “No es más rico el que más tiene si no el que menos necesita”. La agencia que ha creado este spot es SCPF.
En el spot, el narrador explica su testamento acompañado de una música de las teclas de un piano. A medida que lo va contando se puede visualizar en el anuncio una serie de imágenes de los momentos que ha vivido con su familia.
Lo llamativo de este spot es que se hable sobre el testamento, por ello me resulta original e innovador ya que muestra que la herencia más importante son los momentos vividos junto a tus seres queridos y no los objetos. El testamento suele ser un tema tabú y esta empresa se ha atrevido a hablar sobre ello en un spot haciendo que la gente reflexione sobre lo valioso de la vida.
En mi opinión, los anuncios de Ikea cada día van creciendo más. Además se puede observar que Ikea no se caracteriza por mostrar sus productos en sus spots si no que enseña unos valores que van resurgiendo en los hogares. Estos valores están más cercanos al disfrute de las cosas pequeñas de la vida, los amigos, la familia y el hogar como lugar de ocio y relax, que la acumulación de cosas material.
He elegido este anuncio, perteneciente a la marca Tampax, y que data de mediados del siglo XX, según la página Web http://www.tampax.es.
La elección se debe al alto grado de connotación que en él se observa.
La expresión conocida y usada por los países de habla hispana “Nunca llueve al gusto de todos” hace referencia a que no es posible complacer a todo el mundo con las decisiones que se toman o los sucesos que hemos de vivir, ya que mientras haya alguien de acuerdo, satisfecho o alegre, por una determinada decisión o hecho, en la otra cara de la moneda siempre habrá alguien molesto o triste.
Pues bien, en este anuncio, en el cual se trata de dar a conocer las nuevas variedades de tampones, el “súper” para mujeres con un flujo menstrual abundante, “regular” para aquellas con un flujo normal y el “lites”, para las féminas con escaso nivel de flujo.
Con estos tres modelos, que se comercializaron (y a día de hoy es aún así) en un “Multi pack” en el cual vienen tampones de las tres clases, todas las mujeres podían satisfacer sus necesidades durante todo el tiempo que menstrúan y acorde con el nivel de flujo que cada mujer tiene.
Así, Tampax, aplica este popular dicho para dar a conocer sus nuevos productos, capaces de satisfacer a todas, acabando con esa idea de que es imposible complacer a todo el mundo.
Por otro lado, cabe también comentar el doble sentido que se da a las nubes que ilustran el anuncio, paralelas a la lluvia que menciona el texto.
Por tanto, la primera nube es de color morado, simulando el tampón “lites”, de baja absorción, cuyo plástico que lo recubre es del mismo color, y, en esta nube sólo se ha dibujado una gota cayendo de la misma, simulando la menstruación femenina, en este caso escasa.
En segundo lugar, la nube amarilla, por el mismo motivo que en el caso anterior es amarilla por que simula el tampón “regular”, de la cual caen tres gotas.
Por último la nube verde, representa el tampón “súper” y en este caso la ilustración la acompaña un rayo, que simula una tormenta, ya no a la lluvia como en los otros dos casos anteriores, por lo que este tampón es usado para menstruaciones muy abundantes.
En conclusión, el anuncio, como se puede observar, es de una gran carga connotativa, tanto el texto como la ilustración empleada, con un gran uso del paralelismo entre la menstruación y la lluvia.
http://ow.ly/4jLTb
La imagen que voy a analizar pertenece a un spot audiovisual de la marca Coca-cola. Me llamó la atención porque en una misma imagen podemos observar el par de conceptos de iconicidad y abstracción.
Una imagen icónica es aquella que se acerca a la realidad representada, cuanto más real más iconicidad presentará.
En esta representación podemos observar como imagen icónica la Coca-cola, representada en el centro de la imagen; ésta nos permite diferenciar a la perfección que tipo de producto se presenta. Tiene tan alto nivel de realismo que hasta podemos observar como contiene gas, las líneas de la botella e incluso saber de que material está hecha ésta.
Otro elemento que podemos observar como icónico es el cielo, un cielo nublado, representando hasta el más mínimo detalle en el color.
Por otro lado, tenemos la abstracción; podemos decir que una imagen abstracta es aquella, en el que lo representado no existe y entonces podemos considerarla una imagen autónoma.
En la imagen, menos el elemento central y el cielo ya analizado antes, lo restante es abstracto ya que no podemos relacionar lo representado con nada. Son similares a muñecos que parecen de aspecto cómico y que están por todos los alrededores del producto.
En un conjunto podemos destacar el brillo y los colores vivos que contiene la imagen, que hace de ésta que sea más alegre.
http://ow.ly/4ksQM
Esta imagen pertenece a una cadena de supermercados, concretamente a los supermercados Globus, en la que se muestran como objeto principal de la fotografía un par de mangos, con el fin de que el público vea uno de los productos que el supermercado pone a su alcance.
Como se puede ver, la imagen muestra claramente la forma física real de esta fruta y por si no quedase clara su identidad se apoya en un mensaje escrito en el que se indica el nombre de la fruta y su precio por unidad.
La imagen muestra un alto grado de iconicidad, es decir, muestra la estrecha relación existente entre la imagen y su referente en concreto, en este caso, los mangos.
Por otra parte y hablando de la propiedad contraria a la iconicidad de la que venía hablando, encuentro cierta abstracción en la composición de la fotografía, puesto que de forma aparentemente indirecta la imagen permite que el espectador pueda ver representado el pecho de una mujer.
Hablo de abstracción puesto que la representación a través de dos frutas del género femenino poco o nada tiene que ver con el referente original, que son los mangos.
El fin último se basa en captar la atención del espectador y dotar a dicha imagen de una gran creatividad y una doble interpretación de la misma, debido a los recursos que la agencia ha utilizado para la creación de la imagen con un excelente juego de luces y sombras, que nos llevan a catalogar a este tipo de publicidad como subliminal.
El anuncio elegido es uno de Ikea de éste mismo año.
En él aparen varias parejas haciendo el amor.En las imágenes podemos observar el mobiliario muy propio de ikea y se da especial importancia al momento en el que la pareja permanece en la cama.
El eslogan del anuncio es «no es más rico el que más tiene sino el que menos necesita»por lo que en éste caso lo que se nos quiere transmitir es que tan sólo en una cama se puede alcanzar la felicidad sin necesitar nada más.
Se intenta jugar con las emociones de el público haciendo creer que el poseer muchas cosas materiales no implica tener más felicidad pero ésto resulta contradictorio cuando Ikea es una marca que lo que vende son objetos para la decoración de hogares,oficinas y en general mobiliario .
El eslogan de éste spot lo relaciono con la redundancia ya que ikea casi siempre utiliza el mismo para todos sus anuncios.
Ésto es debido a que con ésta frase sin duda triunfan y no sólo por su publicidad sino por la cantidad de productos que venden y lo famoso que se ha hecho .
El artículo que voy a analizar, forma parte de unas de las grandes corridas de toros benéficas que se realizan a lo largo de la temporada taurina. Esta concretamente, se realizó el pasado domingo, 20 de Marzo. Con seis grandes toreros en el cartel: el Juli, Diego Urdiales, Manzanares, Perera, Talavante y por último, Cayetano.
Para todos aquellos que no entiendan “el lenguaje taurino” nos encontramos ante un lenguaje con una gran complejidad ya que este muestra aspectos o características dichas de este arte, que son difíciles de entender; hablamos de un lenguaje propio, dicho de este arte. Y a su vez, podemos encontrar un lenguaje con una gran simplicidad, porque aunque usan términos propiamente dichos “taurinos”, podemos analizar bien el contexto, porque el escritor de este artículo utiliza en gran parte un lenguaje común para él.
En definitiva y en mi opinión, estos artículos conllevan una gran complejidad debido a ese lenguaje de este gran arte que son los toros, pero a su vez el autor de este artículo, Luis Domínguez Barco, utiliza un lenguaje común para aquellos que estamos interesados en este mundo, el arte de la tauromaquia.
http://www.elmundo.es/elmundo/2011/03/20/toros/1300654989.html
Hace unos días debatíamos en clase sobre el tema de la mujer en las religiones extremas, donde su presencia en el mundo se reduce a un cuerpo femenino escondido tras un velo. Este tipo de culturas se caracterizan por tener a la mujer sumamente infravalorada, sobrepasando los límites de la racionalidad. Mujeres sometidas a sus maridos, viviendo un auténtico calvario día tras día, con miedo e inseguridad por no poder si quiera mostrarse.
Sin embargo, valiente fue la protagonista del impactante retrato que he escogido. Una mujer afgana con la nariz y las orejas mutiladas por su marido como castigo por abandonarle, realizada por la fotógrafa Jodi Bieber para la revista Time, la cual ganó el máximo galardón del World Press Photo
La imagen de Bibi Aisha tiene una gran fuerza, ya que muestra un mensaje enorme al mundo por su mirada fría y segura, queriéndo enseñarle a la sociedad lo que pasó y pasan muchas como ella. Una valentía descomunal por su parte posar para ser portada de una revista tan importante, y con un rostro tan desfigurado.
Haciéndo hincapié en su mirada, la simpleza y naturalidad en sus ojos conforman el punto fuerte de la estampa, donde el espectador juega un papel importante al involucrárse totalmente con la protagonista. Esa simplicidad te sumerge en la imagen, la cual te hace sentir su dolor casi en primera persona.
El mensaje de la fotografía es, como decía, muy simple. Consta de mostrarse al mundo tal y como está y enviar un “mensaje de auxilio” en representación de muchas mujeres que pasan por auténticos calvarios. Es un “aquí estoy yo”, un terminemos con las culturas extremistas, un “basta ya”. La luz parece enfocar directamente a su cara, recalcando la atrocidad que le propició su marido, de manera que sientas más profundamente la imagen. Los colores, junto con su vestimenta exhiben los tipicos de la cultura afgana, con el pañuelo a media cabeza, pero sin el “burka”, como de una manifestación pública se tratase.
Para concluir, he elegido esta imagen porque me ha impactado muchísimo la seguridad y tranquilidad en una mirada que contiene tanto dolor. Una mirada que representa a la mujer maltratada en toda regla. Un mensaje claro y contundente, un golpe sobre la mesa, una llamada de socorro.
La imagen que he elegido pertenece a la colección número 2 del concurso de fotograífa M.I.L.K. http://www.milkphotos.com/winnersgallery4.html y fue realizada por Sudipto As, de la India.
A continuación analizaré la imagen desde un punto de vista monosémico y polisémico;
Desde el enfoque monosémico (un único significado o única interpretación), observamos a un niño de un nivel económico bajo recostado en el suelo junto a un perro. De aquí se puede extraer la lectura de la amistad y de cómo un niño puede estar apegado a su mascota.
Desde la perspectiva polisémica, podemos entender que existe una comparación entre como es la vida de un niño sin recursos económicos en un país tercermundista, como es la India, y la de un animal, ambos no poseen ni comida, ni vivienda…pero si, el valor de la amistad. También podemos entender como un lazo de amistad fiel, ya que el perro en un leguaje simbólico representa la fidelidad.
Debido a la complejidad de la fotografía, existen varias interpretaciones, a parte de las ya citadas, y claro está desde un plano de análisis subjetivo cada persona que la observe podrá encontrar uno nuevo. Pero ante todo creo que esta fotografía nos lleva a la reflexión, no deja indiferente.
Esta imagen de Victor Lopez, se hizo el 24 de octubre de 2009, desde el puente de hierro de su localidad, está publicada en: http://victorlopez91.blogspot.com/search?updated-max=2010-09-13T06%3A01%3A00-07%3A00&max-results=7, es una fotografía en color, con un formato vertical, con colores naturales, donde la iluminación juega un gran papel, el cual hace que el recorrido visual se dirija a las zonas mas iluminadas.
Esta imagen, de una forma denotativa nos muestra, un pueblo en plena noche, donde podemos diferenciar gracias a el claro-oscuro de la imagen la multitud de casas, y el punto de fuga gracias a la iluminación que adquiere la iglesia y los fuegos artificiales, ya que claramente se observa una mayor iluminación en esa zona, la fotografía esta tomada a principios de la noche, y lo hace así para poder captar la iluminación y proyección de los fuegos artificiales, por otra parte si hablamos del nivel subjetivo de la imagen podemos decir que es una imagen de el pueblo de Hervás, realizada a principios de la noche, con la única luz de las farolas, la iluminación de la iglesia y a su vez de los fuegos artificiales,en plenas fiestas, justo en el momento de lanzar los fuegos, de ahí que consiga esa gran iluminación que hace que desvíe tu mirada hacia esos puntos.
Es una imagen con alto nivel de iconicidad, ya que muestra claramente la realidad, mostrando el pueblo de Hervas en una noche de verano, no existe apenas abstracción ya que todo se muestra tal y como es.
Esta imagen puede llegar a mostrar una estimación de los aspectos culturales y sociales de esta localidad.
Las imágenes que he escogido son del fotógrafo Steve McCurry.
Sharbat Gula fue fotografiada cuando tenía 12 años (primera imagen). Fue en el campamento de refugiados Nasir Bagh de Pakistán durante la guerra contra la invasión soviética. Su foto fue publicada en la portada de National Geographic en junio de 1985, la portada se convirtió en una de las más famosas de la revista. Sin embargo, en aquel entonces nadie sabía el nombre de la chica. El mismo hombre que la fotografió, Steve McCurry realizó una búsqueda de la joven que duró 17 años hasta encontrarla en enero del 2002, dónde la volvió a fotografiar (segunda imagen).
Desde el punto de vista objetivo observamos que en la primera imagen aparece una niña de ojos verdes y piel morena vestida con un sari rojo. La imagen tiene una gran claridad la que hace destacar aún más los ojos verdes de la niña, quizás lo que el fotógrafo busco desde un primer momento. En la segunda imagen vemos que detrás de un burka hay un rostro envejecido de una mujer de ojos verdes.
Las imágenes aparentemente muestran simplicidad desde el punto de vista objetivo, pero si analizas la foto subjetivamente encontraras una gran complejidad ya que para uno mismo puede llegar a tener varios significados.
La primera cosa que me llama la atención es la mirada conmovedora de una niña de 12 años que ha perdido a sus familiares y ve la guerra, el hambre y el sufrimiento como algo cotidiano. Pero si observamos la segunda imagen, en la mirada de Sharbat ya no hay tristeza si no únicamente dolor tras 18 años de guerra. Las dos imágenes nos pueden parecer similares pero entre ellas tienen grandes contrastes ya que influye de manera diferente a cada uno.
Finalmente, estas imágenes nos invitan a reflexionar las dos caras que tiene la guerra; como en la primera imagen, en la cual se refleja el dolor de una persona que esta la viviendo y en la segunda imagen sin embargo vemos a una mujer entristecida tras varios años de guerra.
En especial me gustaría analizar un anuncio publicitario (uno de mis anuncios publicitarios favoritos) relacionado con el Metro de Madrid. Creado por la agencia Contrapunto, este anuncio que fue de los más nombrados en todos los festivales de publicidad del 2006. Obturo el oro en el apartado de televisión del New York Festivals.
En él, vemos la capital desde otro punto de vista, desde el subsuelo. Nos va mostrando diferentes partes como, las Torres Kio, un supermercado, un lugar donde hay césped (de ahí que el jardinero riegue, y l@s chic@s estén tumbad@s), una cancha de fútbol, el Retiro…
Lo que pretende el anunciante con este anuncio, es hacer ver que existe algo por debajo de nosotros, algo con el que puedes recorrer diferentes puntos de la ciudad, por no decir todos, en muy poco tiempo. Nos intenta abrir las puertas al Metro de Madrid.
El grado de iconicidad del spot, es bastante alto, pues no hay más que iconos por todas partes, que si los edificios, los chicos y chicas, la barca, los peces… Es todo real, todo eso existe en Madrid.
En cuanto al grado de complejidad, se ve a primera vista que no es bajo, ya que en cada toma, en cada segundo, hay un cuantioso número de colores, de objetos, de acciones,… etc. No hace más que cambiar para mostrarnos el verdadero objetivo publicitario del anuncio.
Por otro lado, me gustaría hacer un poco más de hincapié en el grado de originalidad que este anuncio presenta. Aparte de ser una brillantísima idea para un spot televisivo, para publicitar algo, el pensar cómo se vería el mundo desde otro punto de vista diferente a los que estamos acostumbrados a ver (desde arriba, desde el lado, desde el suelo,…) como es el caso del punto de vista del subsuelo. Lo único parecido a esta vista que estemos acostumbrados a ver, es cómo las gotas de agua caen en el cristal del coche, o en el cristal del velux de una bohardilla. Pero no sólo haciendo referencia a la idea, me gustaría hacer que os pararais a pensar en la creación del anuncio. La cantidad de imaginación, o de algo que yo veo inexplicable, para saber cómo sería esa vista exacta desde un punto en el que es imposible situarnos. Es por estas dos características por lo que creo que es uno de los anuncios más originales que se han creado nunca. Es algo que no se ha visto más (o yo por lo menos) en la televisión en este país. Es una completa revolución en el ámbito audiovisual relacionado con la publicidad.
No sé por qué no había cambiado el nombre con el que dejar los comentarios.
El anuncio que he elegido se titula “18 Segundos” cuyos directores son Bruno Zacharías y Miguel De Olaso “MacGregor” realizado en España en el año 2007. Este es un trabajo y por tanto un gran corto en el que durante casi siete minutos se cuenta la historia de dos personajes con vidas y gustos diferentes y que se encuentran simplemente para poner fin a la monotonía de sus días. Un drama que aborda la obsesión por el tiempo y la necesidad de cambios en la vida cotidiana.
Aquí os dejo el link y el mensaje que transmite:
“Dos segundos en apagar el despertador y tres en abrir los ojos. Trece segundos en lavarse la cara y cuarenta en atarse una corbata. Veintinueve segundos en lavarse los dientes. Haces las mismas cosas todos los días pero hay algo que todavía no has hecho: contar. Contar cuánto dura todo, cada segundo. Programa dos: aclarado sin centrifugado: veinticinco minutos; seis copias: informe de estado de cuentas: veinticinco minutos. Quince minutos de jogging, quince minutos para el próximo embarque. Si contases cada segundo te preguntarías porque casi siempre tardas el mismo tiempo en hacer las mismas cosas. Te preguntarías si podría haber alguien que tardase exactamente los mismos segundos que tú. Hay seis mil quinientos millones de personas en el mundo, claro que puede haber alguien. Tal vez por eso al final te acabarías preguntando qué pasaría si en algún momento os llegaseis a encontrar. Si contaras cuánto dura todo sabrías que cada día tardas tres segundos en cerrar la puerta y cuatro en mirar tu casa vacía. Sabrías que no puedes beber agua durante más de seis segundo seguidos o cuatro si está muy fría. Sabrías incluso cuándo los segundos duran el doble. Un minuto y seis segundos. Dos minutos y treinta y cinco segundos. Cuatro minutos y tres segundos. Si contaras los segundos sabrías que casi siempre tardas cuatro minutos y veintitrés segundos en sentir que estás completamente solo.
Un segundo. Dos segundos. Dejas que suene el despertador durante exactamente dieciocho segundos y lo sabes porque esta vez los vas a contar. Dieciocho segundos: el tiempo que tardas en pensar que algo va a cambiar hoy. Haces el mismo recorrido todos los días, pero hoy llevas un retraso de dieciocho segundos y por eso está en rojo el semáforo que siempre está en verde. Te toca esperar en esa esquina, algo que no habías hecho hasta ahora. “Miss, miss, miss”. Jack esta es Amy. Amy este es Jack. No os habéis visto antes y nunca más os volveréis a ver. Dieciocho segundos: el tiempo que tardaste en pensar que algo iba a cambiar hoy. Tal vez si no te hubieras parado a pensarlo, nada de esto habría pasado. Algunos dirán que es el destino, otros que solo son dieciocho segundos”
Este es un mensaje que pretende sin ninguna duda llamar la atención del espectador debido a esto es un cortometraje finalista de la Sección Oficial DSFF (Digital Short Film Fest). El tiempo, cruel, es reflejado en este cortometraje con toda su magnificencia. Crudo y violento como la vida real, impacta hasta lo más íntimo porque nos lleva a sitios conocidos por todos: a la maldita rutina diaria. En él dos personas, Amy Waschke y Jack Daniel Stanley, viven sumergidas en el tiempo, tardando los mismos minutos y segundos en hacer las mismas actividades. Dos vidas separadas y a la vez unidas. Dos personas que sienten que están completamente solos, y a la vez tardan exactamente 18 segundos en pensar que algo iba a cambiar hoy.
Este es un mensaje totalmente icónico, ya que muestra la realidad mediante imágenes de carácter objetivo y real.
El léxico utilizado es de los más sencillo posible, utilizando gran cantidad de frases y números. Este anuncio claramente te hace reflexionar sobre el paso del tiempo, la vida, la rutina diaria y el verdadero tiempo que empleamos en realizar cada actividad y las muchas preguntas que nos hacemos en la vida.
Desde un punto de vista objetivo este corto refleja la vida misma, la vida de dos personas que no se conocen de nada y que ambas están viviendo lo mismo y en tiempos semejantes. Pero si lo analizamos desde un punto de vista subjetivo el corto puede adoptar diferentes opiniones reflejado en el final: “Algunos dirán que es el destino, otros que solo son dieciocho segundos”.
La música, de Aaron Marsahll, acompaña en todo momento al cortometraje al igual que el léxico que el narrador utiliza y las pausas entre los diferentes tiempos y vidas de los dos personajes.
Desde mi punto de vista, este corto nos hace reflexionar y plantearnos el tiempo que utilizamos, el sentido de nuestras acciones y la fugacidad de la vida. Este video desde la primera vez que lo vi me resulto verdaderamente interesante y reflexivo y espero que sea de vuestro interés. Saludos.
El spot que he elegido para analizar es el de Aquarius de la marca Coca-Cola titulado “Corredor de la muerte” emitido en 2010. El anuncio comienza presentando a unas personas, que aun siendo inocentes pasaron largos años en el corredor de la muerte esperando ser ejecutados. Tras su liberación deciden recorrer el camino de Santiago para volver a creer en el ser humano (ya que en su antigua situación es muy difícil no dejar de creer en el ser humano y en el sistema judicial). La frase más representativa, y centro del spot, a la mayoría de los televidentes se nos ha quedado grabada es la siguiente: “Cuando naces, todos a tu alrededor sonríen orgullosos y tu lloras. Ve y vive tu vida de forma que cuando tu mueras, seas tú el que sonría y todos a tu alrededor lloren».
Este anuncio tiene una gran iconicidad porque nos cuenta la historia de cuatro personas reales que relatan su experiencia propia vivida en el corredor de la muerte. En el spot se nos intenta trasmitir la realidad vivida por estos individuos y que hay que aprovechar la vida y ser buena persona en este mundo porque un simple fallo puede cambiar tu vida por completo y arruinártela. Haciendo referencia a la frase: “Cuando naces, todos a tu alrededor sonríen orgullosos y tu lloras. Ve y vive tu vida de forma que cuando tu mueras, seas tú el que sonría y todos a tu alrededor lloren”. Nos invita a que hagamos grandes cosas y seamos buenos con los demás para que cuando mueras todos sientan pena de que abandones este mundo.
El producto anunciado no sale hasta el final del anuncio, lo cual puede ser bueno porque a medida que vas viendo el spot vas prestando más atención y al introducirlo al final se te queda en la mente más fácilmente que si lo hubiesen insertado al principio. Me parece uno de los mejores anuncios de los últimos tiempos y que más puede haber llegado al público.
La imagen que voy a comentar es una imagen que me ha llamado bastante la atención cuando la vi, una pechuga de pollo con forma de corazón.
En la imagen se ve una pechuga en forma de corazón sobre un fondo blanco.
En la imagen el estilo de iluminación es la iluminación tonal, ya que se ve toda la imagen con claridad.
La imagen tiene bastante originalidad, ya que la imagen nos aporta algo nuevo y diferente a lo que estamos acostumbrados a ver, y eso es lo que es la originalidad, lo contrario a la redundancia, que es algo que no es nuevo, es decir, que se repite.
También se puede decir que hay un alto grado de conicidad, ya que la imagen se parece bastante a la realidad, en este caso se puede ver como la pechuga tiene forma de corazón.
He analizado la simplicidad- complejidad de esta imagen del spot de coca-cola zero:
http://www.google.es/imgres?imgurl=http://www.quelapaseslindo.com.ar/wp-content/uploads/coca-cola-zero.jpg&imgrefurl=http://www.quelapaseslindo.com.ar/2008/08/01/coca-cola-zero/&usg=__OymoJnr6B17iU7NL0n7swoTGPr8=&h=291&w=394&sz=30&hl=es&start=0&sig2=76RbRIrkPqOAk11Xuw689g&zoom=1&tbnid=4b3ArCglLsgm_M:&tbnh=140&tbnw=195&ei=wtqJTaP9MND04QbGqJ2ADg&prev=/images%3Fq%3Dimagen%2Bcocacola%2Bzero%26hl%3Des%26biw%3D1366%26bih%3D643%26gbv%3D2%26tbs%3Disch:1&itbs=1&iact=hc&vpx=640&vpy=297&dur=458&hovh=193&hovw=261&tx=127&ty=99&oei=wtqJTaP9MND04QbGqJ2ADg&page=1&ndsp=22&ved=1t:429,r:11,s:0
Coca Cola, la empresa más conocida de refrescos, lanzó hace unos años esta campaña, para dar a conocer su nueva gama de bebidas en España.
Coca Cola Zero, un refresco con menos azúcar, prometía con esta campaña a sus espectadores tener el mismo sabor que la Coca Cola de toda la vida.
La campaña está basada en la simplicidad, ya que los únicos elementos que salen son los órganos faciales humanos lengua y ojos, acompañados de la auténtica protagonista la nueva Coca Cola.
Mientras que muchos anuncios utilizan infinitud de elementos creando imágenes, campañas y spot complejos, ésta le da la capacidad de hablar a simples lenguas y ojos que son capaces de andar y pensar por sí mismos.
Esta capacidad la utilizan de forma burlesca, ya que las lenguas se ríen del ojo por carecer del sentido del gusto para comprobar que la nueva Coca Cola Zero es igual que la normal pero sin calorías.
En primer lugar debemos saber que para analizar una imagen tenemos que basarnos tanto en la forma subjetiva (desde este punto de vista se describe cómo influye lo visto en uno mismo) como en la objetiva (de esta forma la analizaremos por lo que representa).
He decidido hacer el ejercicio sobre el videoclip “Si el norte fuera el sur” del cantante Ricardo Arjona realizado en el año 1996.
Trata de cómo sería si Latinoamérica tomase el lugar del Norte de Estados Unidos, haciendo alusión al tipo de vida estadounidense, sus leyes, sus artistas, etc. Además hace énfasis en que Latinoamérica cada día transforma más y más su vida, hacia la norteamericana. «Las barras y las estrellas se adueñan de mi bandera» haciendo así alusión a la influencia que tiene el país en Latinoamérica.
He elegido este videoclip porque creo que se puede aplicar varias características en primer lugar podemos ver como representa la letra de su canción a través de una gran abstracción, ironizando lo que pasaría si el norte fuera el sur, la imagen que daría así el país, a parte podemos apreciar en el video un gran cambio de planos, totalmente diferentes, algunos un tanto irreales, imaginarios posiblemente lo que provoca el gran grado de abstracción. Posiblemente si se cumpliera eso el video tendría un alto grado de iconicidad ya que representaría lo que ocurre tal cual, con un gran parecido a la realidad.
Por otro lado también se observa como el video tiene un gran grado de polisemia, podemos encontrar muchos significados a los que quiere llegar el autor con él, como es el significado de la migración, de la gran diferencia que se puede encontrar en la forma de vida de un sitio y de otro, porque no se trata de la ubicación geográfica, del espacio físico en sí, sino de políticas y estructuras que vienen más allá del espacio que ocupamos en el mapa. También hace mención a ciertos aspectos que remiten al concepto de desarrollo o modernidad, a varios símbolos americanos, que significan un cierto nivel de desarrollo y superioridad, y lo contrasta con elementos de Suramérica, haciendo una sátira de ello. Es una ironía de las dos realidades. Finalmente plantea las grandes diferencias entre unos países y los otros, de cómo nos Suramérica se está convirtiendo ahora al modelo de los Estados Unidos (“Las barras y las estrellas se adueñan de mi bandera…”).
Junto a la anterior característica podemos unir la de connotación, pues el autor pretende que veamos que tras las imágenes del video hay muchos valores involucrados, no simplemente nos describe algo tal cual, pretende ir mucho más allá. Como puede verse en el min 0:36, donde sale un suramericano al cual le están limpiando los zapatos un norteamericano, este no pretende describirlo y ya, si no que si la situación fuera al revés, serian esa gente de trajes de etiquetas los que les tocara hacer la faena más “dura”, también en el min. 1:38 donde apreciamos en Suramérica a una mujer latina en su hábitat mientras una norteamericana envuelta en una bandera americana, donde podría dar a entender que da igual donde este pues Norteamérica es mejor, o en el min. 2:28 donde sale un militar corriendo por una calle en la que se ve un grafiti en el que pone “bienvenido a wall street”, se sabe que no es la calle, pero que en su país también tienen su particular “wall street”, que no son menos.
Para finalizar creo que hay muchas imagenes extraidas del videoclip, que se podrian analizar más extensamente.
Vídeo: http://www.youtube.com/watch?v=-pgA8Z7lFVE
El anuncio que he escogido es de la marca de cerveza Guinness que fue realizado en el 2009. El spot comienza con una imagen que nos sitúa en una zona desértica, y en ese mismo lugar hay una persona mirando un cohete que está próximo a él. Tras esa breve introducción, entra una única narración que dice “It’s time to bring this place to life” (Es el momento de traer este lugar a la vida). Una vez que comienza a desarrollarse el anuncio, se nos muestra las diferentes fases y situaciones extremas por las que un grupo de hombres vuelven a “crear” esa vida. Todo ello acompañado por una música mezclada con los sonidos naturales.
El anuncio, comparándolo con otros del mismo sector, es bastante original ya que nos cuenta una historia que es totalmente independiente de su marca. Es decir, no nos vende un producto diciendo cuáles son sus propiedades, dónde se ha de beber o qué valores sociales consigues bebiendo su producto, sino que el mensaje que nos intenta transmitir es que la unión hace la fuerza. No importa si bebes su marca o no, sino que si varios hombres se unen pueden conseguir todo aquello que se plantean.
Su mensaje podría decirse que es polisémico, por un lado, por lo mismo que ya he mencionado, la vinculación del mensaje con la marca, a pesar de que hasta el final del spot no sale el producto ni se menciona, la encontramos en que la cerveza une a los hombres. Tal vez se puede entender como un icono de masculinidad aunque según mi punto de visto, esto es un mensaje con estereotipos ya que sólo son hombres con una edad limitada de 30-40 y no hay jóvenes, personas mayores, ni mujeres. Y por otro lado, el hecho de que el producto en cuestión salga al final tras ver unas cuantas secuencias en las que se ve a unos hombres fuertes rodeados de naturaleza, se termina asociando el producto con naturaleza y que, su público objetivo debe ser como a los hombres que se representa. Hombres que quieren cambiar algo en el mundo, que quieren hacerse oír y que no tienen miedo al apostar por las ideas de sus compañeros.
La imagen que he decido comentar muestra los tanques de cambustible que deberían haber servido como energia de emergencia en caso de corte de suministro en la central de Fukushima. Como el propósito de esta entrada no es el de opinar sobre la legitimidad o no de las centrales nucleares voy a pasar directamente al análisis del par de características, pero creo que la simple elección de esta fotografía deja clara mi postura desde un principio. La foto muestra la destrucción sufrida por la estructura y el entorno un tanto apocalíptico que dejo el tsunami en la costa de Japón y por ello la imagen cuenta con un alto nivel de iconicidad. Creo que la finalidad de esta imagen es la de transmitir lo mas fielmente posible la realidad,lo que realmente ha pasado en Japón, de ahí su iconicidad. Pero también creo que el autor juega con el color para acentuar más aún el ambiente apocalíptico y aprovecha el momento en el que la mezcla de fuego y humo tiñen el cielo para sacar su instantanea. Pienso que este intento alegórico, que asemeja el escenario de la catástrofe al mismísimo infierno, trata de trasladar al espectador la sensación vivida de primera mano en la zona pero haciendo referencia a otra cosa, incrementando la sensación de desastre por lo que puede haber también algo de abstracto en la imagen. El autor quiere reflejar no sólo la realidad física sino que intenta transmitirnos las sensaciones y para esto utiliza la abstracción. Aqui dejo el enlace para que los que quieran se estremezcan tanto como yo.
http://www.google.es/imgres?imgurl=http://4.bp.blogspot.com/-JVtBJbBknwA/TX7w9B67eHI/AAAAAAAAFq0/M5j-5bTbb00/s1600/explosion%252Ben%252Bplanta%252Bfukushima.jpg&imgrefurl=http://jesustedice.blogspot.com/2011/03/apagan-incendio-en-el-reactor-4-de.html&usg=__CLMCrGibBn6BhOJZ-MaKcolQmGY=&h=400&w=600&sz=47&hl=es&start=126&zoom=1&tbnid=tKdvp9iBSGRK5M:&tbnh=131&tbnw=189&ei=MduJTYXYD4O94AbDyJnSCA&prev=/images%3Fq%3Dfukushima%26um%3D1%26hl%3Des%26client%3Dfirefox-a%26sa%3DN%26rls%3Dorg.mozilla:es-ES:official%26biw%3D1024%26bih%3D584%26tbs%3Disch:10%2C4218&um=1&itbs=1&iact=hc&vpx=335&vpy=268&dur=281&hovh=177&hovw=265&tx=118&ty=98&oei=9diJTfaoAYzItAbE9Lm8DA&page=10&ndsp=13&ved=1t:429,r:5,s:126&biw=1024&bih=584
«MUCHACHOS COMIENDO UVAS Y MELÓN»
El análisis que voy a realizar es sobre una obra pictórica perteneciente al estilo del barroco español, situado cronológicamente en el s. XVII, cuyo autor es Bartolomé Esteban Murillo.
Aparecen dos chavales: el primero, sentado en el suelo sostiene en la mano izquierda un pedazo de melón y con la derecha levanta un racimo de uvas, las cuales se está comiendo al mismo tiempo que observa a su compañero.
El segundo descansa en un taburete y devuelve la mirada a su compañero con la boca llena y el melón abierto entre las piernas.
Van vestidos con adrojos y con los pies descalzos y polvorientos. Junto a ellos se encuentran desperdigados por el suelo, pequeños restos de fruta.
En el margen inferior izquierdo del cuadro se observa una cesta llena de uvas, realizada con gran naturalismo.
El fondo oscuro permite destacar las figuras, en las que el autor de esta obra concentra la atención. En la parte superior derecha del cuadro, el color negro es suavizado con pinceladas verdosas que permiten resaltar los contornos no iluminados del muchacho que tiene el melón entre las piernas.
El negro, el blanco y una amplia gama de tonalidades terrosas combinan armoniosamente.
Posee un rasgo denotativo porque Murillo quiso representar lo que estaba ocurriendo a principios del s. XVII en la ciudad de Sevilla con la crisis que afectó a España en este tiempo que motivó un retroceso de la economía de dicha ciudad que, unido a la peste de 1649 y a la consiguiente falta de víveres, redujo la población y produjo un estado de extrema pobreza.
Esta obra es un reflejo de la sociedad sevillana y de sus miembros más desprotegidos, los niños.
He escogido el nuevo spot publicitario de la conocida marca, Adidas.
Este nuevo spot ha dejado impresionado a mucha gente que lo ha visto, debido a la manera en la que narran los acontecimientos.
Empiezan con el comienzo de una lucha de boxeo, un ensayo de Kate Perry, un partido de fútbol americano, un joven preparándose para hacer skateboard, el entrenamiento para una carrera de coches, la concentración para un importante partido de fútbol, en el que Messi es el protagonista, etc; y según vaya el spot avanzando, cada actividad va trascurriendo de distinta manera; en un principio todo el felicidad, exaltación y nervios, los seguidores animan con entusiasmo, los deportistas comienzan con éxito y todo va como se esperaba. Todo es diversión, entretenimiento y entusiasmo. Todas las actividades llegan al punto en el que todo es perfecto: el gol, la canasta, el puñetazo al contrincante, el nuevo truco con la bici o el skate, y de ahí la euforia de todo el mundo, acabando así el spot.
La marca Adidas se queda en un segundo plano, dando mucha más importancia a los acontecimientos. Muestran muchos de sus productos, pero no siempre sale el icono de la marca, pero aun así siempre habrá algo que deje claro qué es lo que se anuncia; en este caso en el final aparece la frase de `Adidas is all in´. Con este eslogan trata de decir que Adidas está en todas partes, consciente en muchas personas.
El anuncio trata de llegar al público de una manera diferente, a través del mundo del deporte en el que estamos tan metidos, porque cada vez que ocurre algo interesante y exitoso en este mundo del deporte, los seguidores y demás personas se alegran de una manera especial, celebrándolo, y es ahí donde Adidas quiere estar, envuelta por todo tipo de gente.
Se trata de iconicidad, ya que todo lo que ocurre es real, ya que señala aspectos que pasan actualmente, dejándose ver el sufrimiento, la alegría, el esfuerzo y las ganas de actuar.
Es un anuncio realmente original, con mucho movimiento, colores y sentimiento. Me transmite acción, intriga y satisfacción.
He escogido un anuncio de una nueva marca de seguros que se llama Verti. Al principio aparece mucha gente durmiendo ya sea en sus trabajos, en el supermercado en un bar o hasta en su boda, luego aparecen mucha gente pero esta esta despierta y muy animada y feliz.
Este anuncio creo que tiene una idea muy clara y a la vez sencilla y es que en otros seguros estas como dormido con los ojos cerrados y no sabes lo que pasa y se ve como te dicen que no solo están los seguros de siempre que ya es hora de despertar y poder elegir otro seguro que incluso te puede dar mejores cosas que los otros. También se puede encontrar iconicidad cuando la canción dice que están dormiditos y aparece gente durmiendo o cuando hablan de corderos y aparecen en un supermercado. Y otro de los puntos que se pude analizar es la originalidad ya que comparando este spot con los de la competencia para mi es mas original y te llama mucho mas la atención ya sea por la musica o por la historia que te cuentan, pero a la vez tiene esa parte redundante de si te cambias de seguro pues estas asi de feliz y animado como aparece la gente en el video.
A través de estas dos imágenes publicitarias me gustaría analizar el concepto simplicidad-complejidad de dos bebidas que pertencen al mismo campo, ya que las dos son alcohólicas.
http://www.pernod-ricard-usa.com/media/pr.php?id=26&pr_id=178 ( ver segunda foto de la página)
La imagen de Beefeater la podemos relacionar con la concepto de complejidad ya que la imagen está llena de contenido representando siempre en la ciudad de Londres. La intención del anunciante con esta imagen es la de promocionar la marca así como no tanto la bebida ya que ésta la encontramos en un tercer o cuarto plano de la imagen. El anunciante intenta relacionar la marca Beefeater con el concepto que se tiene de la ciudad de Londres a través de la representación de museos y edificios más emblemáticos de la ciudad o la gente cosmopolita haciendo de todo esto una imagen compleja.
En contraposición a Beefeater tenemos el anuncio de ron Brugal como representación de simplicidad. El anunciante también quiere relacionar la bebida con el lugar de origen , los países del Caribe (representados perfectamente a través de la imgen idílica de estas playas), pero la bebida y la marca aparecen en un primer plano no como en la primera imagen. El protagonismo del anuncio lo reciben las botellas y el nombre de la marca. En este caso el anuncio no tiene tanto contenido como en el primer ejemplo siendo mucho más sencillo y directo con el mensaje.
Series ‘de hospital’:
Contamos con series americanas como ‘ER Emergencia’, ‘House’, ‘Scrubs’, ‘Anatomia de Grey’,etc, e incluso una local: ‘Hospital Central’.
Probablemente la primera serie televisiva con esta temática resulto una gran novedad para los espectadores, pero con los años, está empezando a resulta casi ‘pan de todos los dias’. Hay una gran redundancia en cuanto a escenario, temática (de hecho se podría decir que hay una gran redundancia en todas las teleseries de este tipo, si hablamos de las relaciones románticas, por ejemplo) e incluso el personaje estereotipo del médico atractivo, inteligente, talentoso y, si todo eso fuera poco, una gran persona.
Un personaje que logro romper, para mi gusto, con dicho estereotipo fue aquel del Dr. House, de la serie ‘House’. Si bien seguíamos teniendo a un medico por demás capaz, talentoso, inteligente, atractivo, esta vez, se trata de una persona a la que no le importa nada de nadie, no se preocupa por los demás mas allá de lo que su trabajo requiere, no le importa herir a la gente que lo aprecia, faltar al respeto, ser irónico… Un toque de originalidad a estas series que a veces repiten patrones hasta el hartazgo, permitiendo, en muchas ocasiones, que el mismo telespectador adivine los diálogos o la línea por la que seguirá la serie.
El ejemplo que he elegido para esta actividad es un spot de la marca Coca-cola en el año 1982.
Para explicar la creación de la multinacional Coca-Cola tenemos que remontarnos al año 1886, creada por John Pemberton en la farmacia Jacobs de la ciudad de Atlanta, Georgia. Con una mezcla de hojas de coca y semillas de cola quiso crear un remedio, que comenzó siendo comercializado como una medicina que aliviaba el dolor de cabeza.
Posteriormente comenzó a venderse en su farmacia como un remedio que calmaba la sed, vendiendo el creador la fórmula y vendiéndose, primero por Estados Unidos y luego popularizándose por todo el mundo hasta convertirse en lo que es ahora.
En este spot realizado por la multinacional “coca-cola” durante el mundial de España 82 se utiliza la imagen de, para muchos el mejor jugador de fútbol, Diego Armando Maradona para promocionar su famosa bebida.
En él se observa como el astro del balón sale dolido después de un partido con la selección argentina y comienza a entablar conversación con un niño que se encuentra en el pasillo hacia los vestuarios. En esa conversación el niño, que ve a su héroe dolido tras el partido, le anima expresando su admiración hacia él, a lo que Maradona no hace mucho caso.
Posteriormente el niño le ofrece su coca-cola y, después de beberse la Coca-Cola como pago, el jugador le regala su camiseta.
En el anuncio, además de utilizar esta imagen, utiliza un jingle que habla sobre la importancia de compartir la Coca-Cola y termina el spot con un enunciado: “Coca-Cola y sonrisas para vos” y colocando el icono de la marca en la parte inferior derecha de la imagen, de tal modo que, al terminar de leer el espectador del spot la frase observe el logotipo de la marca.
Es importante recalcar la importancia que le da esta marca desde unos años hasta la actualidad de las relaciones personales, posicionándose como una marca de divertimento y universal, ya que puede ser consumida durante toda tu vida, como podemos observar en diferentes spots y ahora más que nunca al cumplirse los 125 años de existencia de esta famosa multinacional.
El spot publicitario se caracteriza por su simplicidad, ya que no requiere ningún esfuerzo por parte del espectador y puede ser fácilmente entendido por su público al querer la marca ser conocida por espectadores de diferentes edades e intentando posicionarse en el mercado familiar.
Este spot, como todos los que utiliza esta marca y como el ejemplo utilizado más abajo son una mezcla de originalidad y simplicidad y nunca de complejidad, ya que lo que busca es, como he dicho anteriormente, llegar al mayor público posible.
En este ejemplo el publicista utiliza el envase para hacer comprender al espectador la idea que venimos observando: en interés de la marca por ser consumida por el mayor número de gente independientemente de sus rasgos, sean ideológicos, económicos, físicos o geográficos.
Con este propósito la marca quiere que su producto sea querido por la población y lo asemeje con felicidad, optimismo y afectividad y asemejándolo a paz y prosperidad. “Razones para creer”, como dice la marca en su último spot.
El anuncio del que voy a hablar es la campaña de la marca de refresco coca cola 2011, se trata de publicidad emocional en la que habla sobre un estudio realizado en 2010 sobre la situación actul en el mundo.
Lo primero que aparece en el spot es una frase, que produce en el consumidor confianza en lo que posteriormente va a parecer en el anuncio, a continuación aprecen unos niños cantando en una clase, cancion que ocupará todo el spot.
A lo largo del anuncio van apareciendo comparaciones sobre por cada cosa mala, lo que hay bueno en el mundo. Las imágenes complementan el texto, nos ayudan a entenderlo.
La música de este spot es alegre, intentando transmitir al público optimismo, la letra de la canción también es muy importante, dice cosas como «siempre ves lo que la gente quiere que veas», esto nos hace sentir libres, hacer lo que uno quiere, siempre que no perjudiques a los demas.
Al final del spot, en el último dato que da, aparece coca cola como algo bueno de la vida, comparandolo con algo malo como son las armas que conducen a la guerra.
La conclusión que yo saco de este spot es que coca cola intenta llegar al público haciendole ver la parte positiva de la vida.
La fotografía que seleccione para este trabajo es de Javier Vallhonrat del año 2003 perteneciente a la serie Acaso y su nombre es Acaso #78, una fotografía a color de 93x170cm.
La línea principal y podríamos decir que única, es el puente que está construyendoel hombre, que a la vez es el punto de interés de la foto ya que nada más verla es en lo primero que nos fijamos, además la línea que forma el puente divide la imagen en dos mitades, lo original y su reflejo en el agua.
Los colores fríos y la luz débil de la foto transmiten una sensación de soledad, pero también de cierta incapacidad o impotencia ya que si analizamos toda la foto vemos que el hombre está construyendo el solo su propio camino sobre el agua, la cual puede representar la vida y el puente el camino que debemos tomar y que debemos hacer nosotros solos en un mundo, en el que según esta fotografía, estamos solos, además también podemos ver la expresión del hombre la cual transmite un cierto cansancio debido tener que construir su camino solo.
La sensación de profundidad podría ser mucho mayor pero podemos ver como hay reflejados unos árboles al final lo que nos indica que pronto se acaba el pantano donde está el hombre, si esos árboles no estuvieran podríamos ver una gran sensación de profundidad en la que no sabríamos donde acaba el pantano. Esto también lo podríamos interpretar como una metáfora de que el pantano son todas las dificultades y problemas del mundo pero que aún queda una esperanza al final del camino.
En mi opinión nos quiere transmitir una sensación de pesimismo del mundo, y aunque es una foto de hace años, sabemos que hubo sucesos como el inicio de la guerra de Irak, y que las personas que tiene mayor dificultades y están solas en el mundo son las que lo tienen más difícil para construir su camino.
El spot que he elegido es uno de Campofrío del pasado año.
El anuncio comienza con una mujer que trabaja en una fábrica haciendo muñecas. Estas muñecas son el prototipo de Barbies que todos conocemos hoy en dia, cabello rubio y muy largo o piernas muy esbeltas.
En el transcurso del anuncio se puede ver como esta chica coge una de las muñecas y la va transformando según ve a la verdadera mujer que te encuentras por la calle. La tiñe el cabello, la cambia de ropa. Cuando una niña va a comprar una de estas muñecas, el padre la mete prisa para que escoja cualquiera ya que, según él, todas son iguales. Sin embargo, la niña coge justo la muñeca diferente a todas las demás, la que había cambiado la chica de la fábrica.
Lo que Campofrío pretende hacernos ver es que no por seguir un estereotipo de belleza vas a ser mejor sino todo lo contrario. Además esta imagen estereotipada de la mujer que nos quieren vender tampoco es muy real, ya que normalmente las mujeres que te encuentras por la calle son muy diferentes entre ellas.
Finalmente y según mi criterio, creo que con este spot, Campofrío intenta que sepamos realmente los principios y valores que realmente deberían importar.
He elegido este anuncio de Citroën C3 porque, desde mi punto de vista, en éste podemos encontrar la mayoría de los pares de características, ya sea la simplicidad frente a la complejidad, la iconicidad frente a la abstracción, la monosemia frente a la polisemia y la originalidad frente a la redundancia.
Pero sobre todo destacan la originalidad frente la redundancia y la iconicidad frente la abstracción, por lo que me voy a centrar en estos dos pares de características.
Al comienzo del anuncio aparece un chico que conduce un coche imaginario escuchando y cantando una canción (da la sensación de que es él el cantante de la canción), según transcurre el anuncio aparecen diferentes escenarios totalmente idílicos, surrealistas y muy originales, todos ellos relacionados entre sí, es decir, que se pasa de un escenario a otro con un motivo común. Estos mundos y paisajes fantásticos nos llevan a la originalidad y a la abstracción. Mientras, el final del anuncio recuerda al típico anuncio de coche donde un chico joven lo conduce por una carretera en la que predominan el sol y el paisaje veraniego; lo que se podría asemejar con la redundancia y con la iconicidad; ya que representa esa realidad repetida en bastantes anuncios.
He escogido el video siguiente para el análisis. «Tik tok» realizado por Len Chi del Campus de Emory en Oxford.
No se trata de un anuncio, sino de un corto de cine independiente realizado por unos jóvenes universitarios y me llamo bastante la atención. La dinámica de la secuencia es inversa, se busca dejar al receptor expectante durante el visionado.
En este caso, predomina la abstracción, ya que lo representado se muestra distinto a la visión ordinaria de la realidad, es alterada por un punto de vista distinto a la visión natural, ya que las imágenes retroceden, la perspectiva del receptor no es la misma al ver una secuencia de fotogramas contrarios al curso del tiempo, se produce una controversia.
En cuánto a la cantidad de elementos, podría definirla como una secuencia compleja, ya que aparecen numerosos elementos de distintos colores, formas y texturas que imposibilitan centrar la mirada en uno solo. Pero cabe destacar el uso de algunos de esos elementos claves para el argumento, como lo son el reloj que indica el tiempo que va pasando y retrocediendo al principio y al final, o la caja que tiene un significado simbólico para la relación del protagonista con su pareja.
Las imágenes tienen un significado semántico, lo que aumenta su complejidad significativa en la trama del argumento.
Tiene un grado alto de polisemia, el significado que transmiten es indirecto y va entrelazado a más factores que aumentan del grado de polisemia a lo largo del corto. No se trata de un mensaje directo y claro, se produce un paradigma constante hasta el final de la secuencia. El significado del video tiene una descripción compleja, cercana al pánico a la muerte, que a su vez, agrupa significados que designan cada acción desencadenada por el protagonista.
La originalidad de esta secuencia se basa en transmitir un mensaje complejo, que en este caso es el miedo a la muerte, mediante mecanismos deformados en cuánto al factor tiempo, y la falta de redundancia es clara ya que no existen repeticiones ni modelos establecidos para el comportamiento del protagonista a lo largo de su experiencia.
El contenido denotado es variable en la imagen, pero nunca excluye al factor clave de la historia, el protagonista. Se sitúa en varios escenarios, e interactúa con varios elementos y personas (píldoras, cajita, móvil, apuntes, etc)
El contenido connotado del video es hacer percibir al espectador el comportamiento a veces inmoral de las personas cuando estamos cerca de la muerte y nos invade el pánico. A lo largo del corto van apareciendo sentimientos escritos en la pantalla, contrarios a los que describen los diferentes estados del protagonista invadido por el terror a la muerte (cobardía,reputación, indiferencia, pereza), que vive el perfecto ejemplo de «Carpe Diem» aplicado a sus últimos momentos de vida, haciendo lo que nunca haría si no estuviera en aquellas circunstancias. El productor juega con los estados emocionales que suelen invadir nuestra vida y plasma la actitud contraria ante el temor a la muerte.
El mensaje final pertenece a Steve Jobs: «Casi todo, todas las expectativas externas, todo el orgullo, todo el miedo de vergüenza o fracaso, estos sentimientos solamente desaparecen ante la muerte, dándole importancia sólo a lo que es realmente importante.»
Comentario personal del productor de la obra: ¿Qué haría usted si usted tuviera sólo cinco minutos para vivir? Aprovechar los pocos minutos como una tentativa por aprovechar todo su potencial.
Este proyecto es el resultado de cientos de horas de trabajo de muchas personas. Fue concebido en un principio para el Campus MovieFest, es ganador de un premio Emory (Campus de Emory, Oxford). Nombrado al Premio a Director CMF.
Filmado con una cámara de lente 24-70mm con merlin steadicam. Se hicieron 36 tomas para la elección del definitivo.
La imagen escogida corresponde al anuncio de Apple para promocionar su producto Ipod cuando salio al mercado.
es una imagen sencilla, en la cual aparece la silueta de un joven dejándose llevar por la música, no contiene texto tan solo el nombre del producto que aparece en la parte superior izquierda acompañado del logotipo de la marca; se combinan tres colores, el rosa de fondo, la silueta de color negro y al producto anunciado, la marca y el logotipo se les enmarca en un color blanco que destaca por encima de los otros dos.
He escogido esta imagen porque creo que es un claro ejemplo de simplicidad, pues no intervienen muchos elementos, ni se trata de una imagen cargada; y aun así esta retransmite las características asociadas al producto sin necesidad de estar acompañada de un eslogan ni excesivos cargamentos.
solo dos elementos, la silueta y el producto hacen que las personas interpreten lo que Appel esta queriendo decir con este cartel.
Es un anuncio simple pero a la vez creativo y eficaz
Grupo 2
Entre todas las opciones posibles he elegido la siguiente fotografía. En ella, se pueden observar las siguientes características:
Si nos fijamos en los primeros puntos de atención deducimos que el más destacado entre todos los demás puntos de la fotografía está constituido por la perla, también se puede decir que gracias a las línea curvas que formas los labios y la lengua esta imagen cuenta con dinamismo, mientas que los dientes el sentido horizontal y representando una línea recta dotan la característica estática a dicha imagen. Por ello, la instantánea cuenta con una combinación entre el dinamismo y el estatismo.
Por otro lado, los colores en esta fotografía están cargados de gran simbolismo, el blanco de la perla y los dientes nos hacen observar la diferencia entre el punto y la línea, además de ser las dos partes más llamativas de dicha imagen. Con el color oro de la joya y las piedras preciosas que la rodean, dan a ver la riqueza que posee la persona que tiene esa pieza entre sus labios, y logran que con el fondo negro de la garganta el espectador al observarla se detenga unos instantes para poder darse cuenta de que se trata realmente. Por último, el color negro de los labios carnosos, nos hacen ver el lado oscuro de esa riqueza.
Teniendo en cuenta todo lo anterior, debo afirmar que esta fotografía desborda iconicidad, ya que si la analizamos desde ese punto podemos obtener una historia en la que la riqueza se vuelve oscura y por ello negativa.
Por si existe alguna dificultad en la visualización de la fotografía adjunto el siguiente link: http://ow.ly/4kSf9
Anuncio Nisan Qashqai
La pareja de términos que he elegido para analizar este spot es originalidad-redundancia, sin embargo también se podría comparar a través de él la diferencia entre simplicidad-complejidad que encontramos con otros anuncios.
En el primer anuncio se observa la originalidad en los efectos especiales que han utilizado para poner caras en movimiento en una ciudad. En la imagen se introduce el juego de formas y figuras que van formando como un videojuego o un vídeo de animación. Además vemos cómo la agencia de publicidad TBWA París ha innovado también en su eslogan: jugando con la ciudad frente al clásico eslogan que lleva un tiempo usando repetidamente BMW: ¿te gusta conducir?
En el spot Nissan se ve reflejado como una empresa innovadora y que busca un target de personas de ciudad pero que busque divertirse en ella, va enfocada a personas originales mientras que otras campañas sin embargo usan una imagen de su producto y dirigen su anuncio a cualquier público (como en el segundo ejemplo de spot de redundancia donde la imagen que se repite es una mano al viento en un coche en movimiento).
Este spot también refleja un claro ejemplo de complejidad, que a mi parecer está relacionado en este caso con la originalidad. Ya que ambos términos se ven representados a través de un completo entramado de efectos visuales que consiguen distanciarnos de la realidad creando una ciudad totalmente nueva, una ciudad divertida y alegre con la que “jugar”.
http://www.youtube.com/watch?v=zJ6ZqUiyw6o (ACOSTUMBRATE A ELEGIR)
El spot de la empresa Coca-Cola comienza presentándonos a un empleado de oficina que recibe una llamada de su superior haciendo que vaya a su despacho. Sorprendido se levanta, recorre el pasillo entre sus compañeros y llega a la puerta del jefe. Llama a la puerta y se empieza a imaginar variables de su reacción ante su despido. En la primera reacción el empleado se lo toma como una señal para poder empezar a hacer ahora lo que de verdad le haga feliz, con una canción pegadiza y repetitiva , “veo una vida nueva, tú no estás en ella” acompañado de una coreografía grupal con extras, la escena se interrumpe cuando llaman a la puerta, es el otra vez, ahora reaccionando de otra manera al oír que esta despedido por su jefe, en esta ocasión se cierne la oscuridad sobre él y empieza a lamentarse mientras un coro repite una y otra vez “despedido” a la vez que su jefe sonríe, y esta parte del spot termina con esperanzas de futuro por parte del protagonista simbolizada con un rayo de luz, vuelve a interrumpirse todo porque llaman a la puerta y es él, de nuevo, esta vez reaccionando como si fuera un delincuente que, por haber sido despedido, mediante un rap amenaza al jefe. Por último todos son interrumpidos por el “toc toc” de él protagonista al llamar a la puerta, en este último caso entra, y antes de que el superior le diga nada le da un trago a la botella de Coca-Cola que tiene en la mano y sonríe, la pantalla se vuelve roja y aparece el nombre de Coca-Cola y el eslogan del anuncio “Acostúmbrate a elegir”
A continuación, voy a tratar este anuncio desde el punto de vista monosémico – polisémico.
Este spot refleja un significado final “Acostúmbrate a elegir”. Y sin embargo a lo largo de todo el spot, antes de que llegue al final, presenta las numerosas formas de vida posibles. Los diferentes caminos que podrías elegir ante cualquier situación y en todo ellos la solución es revelarse. Por tanto, aparece como un símbolo de revelación ante algo tan estricto como es en este caso enfrentarse al jefe en un trabajo concreto. Aparecen todas las posibilidades que tiene en mente el protagonista antes de enfrentarse a su jefe y finalmente antes de decidirse a actuar, da un sorbo a la coca cola que termina con el silencio del jefe. Por tanto nos marca un significado de revelación, de estilo de vida, de modos de actuar y de elegir. Cómo ante todas aquellas posibilidades hemos de elegir la correcta. Y por tanto nos deja el final abierto, sin saber realmente como acaba, pero habiendo elegido antes de nada der un sorbo a ese refresco, Coca-Cola. Que es, por lo que se deduce ante el anuncio, sin duda, la mejor opción.
Esta imagen publicitaria anuncia el snack “Kit Kat”. Es un ejemplo de originalidad frente a una imagen clásica de esta marca que simboliza la redundancia. Se aprecia la originalidad, porque se sale del típico enfoque de un cartel en una barra publicitaria. La marca ha introducido el producto en la vía pública de una forma nueva e impactante obteniendo así la sorpresa y reconocimiento del público.
En esta imagen se ve a un chico sentado en la esquina de un banco mirando hacia la izquierda, evitando de esta forma mirar a la cámara y así dar la sensación de naturalidad y espontaneidad. El banco donde está sentado representa una de estas chocolatinas, ya que una parte está pintada de rojo, un color llamativo, como si fuera el envoltorio del snack mostrando en logotipo de la marca. La otra mitad del banco, está pintado de marrón, simbolizando el chocolate.
La escena tiene lugar en plena ciudad, con una iluminación natural. Es una imagen lineal donde predominan las líneas horizontales en el elemento principal, el banco, dando de esta forma la característica de estatismo.
Link: http://www.google.es/imgres?imgurl=http://www.nopuedocreer.com/noticias/wp-content/images/2009/01/kit-kat-benchvertising.jpg&imgrefurl=http://www.nopuedocreer.com/noticias/3644/anuncios-en-los-bancos/&usg=__5ZacMhMjwxKWKEZmmIheLYi2464=&h=337&w=481&sz=97&hl=es&start=0&zoom=1&tbnid=QMEy_x0ofKoSvM:&tbnh=143&tbnw=209&ei=skqKTamaKIKEOpDYrbsN&prev=/images%3Fq%3Dkit%2Bkat%2Bbanco%26hl%3Des%26biw%3D1300%26bih%3D595%26gbv%3D2%26tbs%3Disch:1&itbs=1&iact=rc&dur=109&oei=skqKTamaKIKEOpDYrbsN&page=1&ndsp=16&ved=1t:429,r:1,s:0&tx=120&ty=90
La imagen que he escogido para comentar pertenece a Irving Penn, fotógrafo de moda y retratos estadounidense. Esta imagen en concreto, es en blanco y negro y está tomada con una perspectiva frontal y un plano medio. El formato es cuadrado y con poca profundidad que viene dada por la presencia de la mesa delante de la modelo.
Se representa el perfil de una mujer femenina y sofisticada apoyada en una silla, a la que le están encendiendo un cigarrillo con una copa medio vacía a la izquierda de la imagen y una botella mediada en el centro.
Lo que mas llama la atención de esta imagen es la posición de la botella, ya que está situada de manera que vemos a la modelo a través del cristal, deformando la imagen de la mujer y alterando la realidad. Esta visión deformada de la realidad ayuda a que la visión que se tenía y se sigue teniendo hoy en día (aunque no tanto) a cerca de las modelos sea menos idealista y se acerque un poco más a las mujeres del día a día. También llama la atención sobre la botella el reflejo de un cuerpo, presumiblemente un hombre, que se puede ver en el líquido contenido, que se está sentando en la silla de enfrente, dando la sensación de que está al servicio de la modelo.
He escogido una parte de la película “Amelie”. En la cual la protagonista de la película ayuda a un ciego a llegar a la boca del metro, mientras le va describiendo lo que esta sucediendo en la calle.
Amelie realiza una descripción de cada elemento abstraído de la calle. Con esta abstracción ayuda a que una persona ciega pueda hacerse una mejor idea de lo que le rodea y así pueda formar su propia realidad.
En mi opinión, las personas que podemos percibir por los cinco sentidos apenas prestamos atención a los pequeños detalles que habitualmente nos rodean. Mientras para una persona que no posee una percepción visual son muy importantes esos detalles.
He escogido una parte de la película “Amelie”. En la cual la protagonista de la película ayuda a un ciego a llegar a la boca del metro, mientras le va describiendo la calle.
Amelie realiza una descripción de cada elemento abstraído de la calle. Con esta abstracción ayuda a que una persona ciega pueda hacerse una idea de lo que le rodea y así pueda formar su propia realidad.
En mi opinión, las personas que podemos percibir por los cinco sentidos apenas prestamos atención a los pequeños detalles que habitualmente nos rodean. Mientras para una persona que no posee una percepción visual son muy importantes esos detalles.
La imagen seleccionada tiene fines publicitarios y pertenece a la marca Magnum de helados. La voy a analizar desde el punto de vista connotativo para intentar desgranar los elementos de esta imagen publicitaria y su intencionalidad.
http://www.blogdocrespo.com.br/post/2010/03/19/Propaganda-subliminar.aspx
Si realizamos una lectura denotativa y objetiva de la imagen, en ella aparecen tres polos de chocolate negro superpuestos, los colores son cálidos y gracias a un acentuado enfoque podemos ver la textura en la superficie del helado. En un plano superpuesto se encuentran varios fragmentos de texto informativo con función de anclaje, es decir, que nos permite situar y dar un contexto a la imagen.
Desde el punto de vista connotativo hay muchas ideas que destacar. Los elementos están dispuestos de manera exacta y desde la perspectiva adecuada para que tome la forma de unas nalgas. Al ser un plano detalle que no muestra todo el contorno de los elementos que aparecen da juego a la imaginación. Los colores cálidos y la textura como de piel ayuda a la construcción mental de la metáfora.
La imagen tiene una gran carga de connotaciones sexuales, aunque según el receptor del mensaje puede tener una diversas interpretaciones, por una parte nos puede resultar atractiva por la belleza de las curvas femeninas (principalmente para el público masculino) y por otra parte (y más frecuente entre el público femenino) la figura representada es un cuerpo esbelto que puede ser fruto del consumo de productos Light como este.
Otra lectura, también con connotaciones sexuales, es que el chocolate es objeto de tentación, al igual que lo puede ser la mujer, y ambos se únen en el concepto de esta imagen.
En conclusión esta imagen apuesta por unos valores estéticos y utiliza las connotaciones como reclamo para el público.
He elegido esta imágen del prefume Ninna Ricci en base a la denotación y a la connotación, es decir, lo que podemos apreciar a simple vista, y a lo que tiene significado propio o es simbolo reconocido socialmente o relacionado con determinados conceptos y valores .
En primer plano encontramos a una joven encima de un tejado con una belleza acorde a los ideales de nuestra época (delgada, rubia, ojos rasgados nariz y boca pequeñas…), sobre la cabeza de la modelo resaltan dos orejas negras (que simbolizan un gato) que nos dan a entender que es una mujer libre e independiente, estas orejas van acordes con un vestido y unos guantes negros que afirman la imagen felina que pretenden dar. También encontramos en un primer plano, el perfume anunciado de la diseñadora Nina Ricci en un color rosa brillante que resalta sobre la imagen, de este frasco salen dos lazos, uno de ellos envuelve a la muchacha y desaparece por el extremo superior de la foto, el otro pasa del primer plano al fondo uniéndolos, recorriendo la ciudad y envolviendo, por último a la torre Eiffel.
En el segundo plano encontramos de nuevo a la misma mujer, sentada sobre una chimenea con la misma apariencia que en el primer plano y dibujando con su mano la marca del perfume.
Por último, en el fondo podemos apreciar la ciudad de París, que distinguimos sobre todo por la torre Eiffel, símbolo de esta capital. París es elegida para esta campaña pues es una de las principales ciudades de la moda y el consumidor asocia a esta ciudad con glamour, elegancia, lujo, de esta forma relaciona al producto con estos mismos conceptos.
El uso del blanco y negro en el fondo sirve para mostrar elegancia, seriedad del producto, y a su vez, el uso del color en la mujer y el perfume sirve, en primera instancia para resaltar y darle importancia al producto sobre el fondo sin color, y en segunda instancia para mostrar una imagen desenfadada y moderna y actual.
La imagen que he seleccionado tiene un fin publicitario y esta realizada por el famoso fotógrafo Oliviero Toscani para la marca Benetton; en ella trataremos de averiguar cuales son las partes simples y complejas por las cual se compone.
link de la imagen:
http://www.google.es/imgres?imgurl=http://abelgalois.files.wordpress.com/2008/10/heart.jpg&imgrefurl=http://www.sebinf.wordpress.com/&usg=__st6OXFv1qCjhQNZTgvH_Uan9k1o=&h=1307&w=1850&sz=712&hl=es&start=0&zoom=1&tbnid=FdIHvou4C72TaM:&tbnh=103&tbnw=146&ei=ZWeKTZ_DEYqiuQPv3fHUDg&prev=/search%3Fq%3Dtoscani%2Bbenetton%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DX%26rls%3Dcom.microsoft:es%26rlz%3D1I7ADRA_es%26biw%3D1135%26bih%3D526%26tbs%3Disz:l%26tbm%3Disch&um=1&itbs=1&iact=rc&dur=262&oei=BGaKTfS8EcvAswayw7SyDA&page=1&ndsp=18&ved=1t:429,r:11,s:0&tx=40&ty=37
Como podemos ver, el anuncio consiste en la fotografía de tres corazones humanos en los cuales hay escritos sobre ellos los colores en inglés que traducidos en español seria blanco, negro y amarillo, esta parte de aquí seria el significado simple que todos podríamos apreciar
Pero lo cierto es que lo que esta fotografía entraña va más allá que una simple casualidad puesto que esos tres corazones con esos colores escritos, simbolizan en realidad tres razas humanas y el hecho de que los corazones sean iguales va mas allá de algo estético, se refiere a que no tiene importancia de que color seamos las personas, pues todas somos iguales (tenemos un corazón igual) ;
como vemos el anuncio tiene una causa antirracista que a simple vista alomejor no nos pararíamos a pensar catalogando así el anuncio como simple aunque impactante, pero si nos paramos a pensar tiene una clara causa compleja como es el que la sociedad se conciencie de que todas las personas somos iguales sin importar el color de nuestra piel nuestra cultura etc.
http://blogvecindad.com/premios-pulitzer/2005/04/05
He decidido analizar esta fotografía porque me parece un ejemplo perfecto de la pareja que componen los contrarios de monosemia y polisemia. Esta imagen fue la elegida para representar al Premio Pulitzer de Fotografía del año 2005; en ella podemos apreciar una situación totalmente cotidiana, la de una madre abrazando a sus dos hijos, aunque más concretamente corriendo hacia uno de ellos y llorando de alegría de tenerlo consigo. Si nos fijamos más detenidamente en la imagen observamos que la mujer parece de descendencia musulmana y que el niño al que abraza, probablemente su hijo, ha perdido una mano en condiciones que no se nos muestran en la imagen y que se dejan a la libre interpretación del receptor. Esta misma escena se repite tras los protagonistas que aparecen en el primer plano, aportándonos el conocimiento de que lo que ha sucedido no ha sido un hecho aislado. La fotografía aparece en sentido horizontal, en un primer corto plano y en blanco y negro, acentuando el sentimiento de tristeza.
Por todo lo dicho, se ahonda en el significado de monosemia y polisemia, ya que a simple vista, esto parece una imagen de una madre con sus dos hijos en brazos llorando de alegria, esto lo puede apreciar todo el mundo; sin embargo, tras esta simple apariencia cada persona puede tener una perspectiva diferente, ya que una madre puede tener mil motivos para correr llorando a abrazar a sus hijos, pero el detalle de la mano mutilada nos da a conocer algo más dentro del contexto de la imagen, y es que es una lástima que sea una historia dentro de una guerra.
Me ha resultado algo difícil escoger algo que analizar entre tanta «libertad» sin ningún tema concreto, pero al final me he decidido por esta fotografía de Carlos Miguel Cortés Calzado:
Desde mi punto de vista analítico sobre esta imagen, está bastante claro lo que el autor nos quiere mostrar; nos muestra que está enamorado, o que tiene ese sentimiento y ganas de expresarlo de alguna manera.
Al que la ilustración se titule «Secando mi vida» nos da a entender que lo más importante para él es el amor, y nos lo muestra con un grado de abstracción muy alto ya que dicha palabra está representada en la fotografía «moldeando» unos bikinis tendidos.
Desde mi ver, muchas imágenes de este tipo (abstractas) van muy asociadas con la originalidad,ya que suelen ser atípicas, entonces no me podía decantar del todo por uno de estos pares.
Es muy original la forma de transmitir porque no a todo el mundo se le ocurriría hacer algo así, pero en cambio el mensaje en sí tiene una pequeña cualidad redundante que es el color en que están las letras, el color rojo, el que siempre asociamos al amor.
Para finalizar mi análisis, por lo tratado hoy, esta ilustración se encuentra dentro de los planos cortos, es un primer plano corto, ya que el único punto de interés está en el mensaje a emitir.
Para la práctica de análisis de la imagen he escogido una fotografía del blog http://blog.ruido4design.com en el cual podemos encontrar distintos estilos y técnicas fotográficas.
Entre las distintas posibilidades que esta web ofrece, ha captado mi atención una técnica trabajada por Tim Noble y Sue Webster, dos artistas ingleses cuyos trabajos son creados con materiales cotidianos sacados de las calles de Londres, realizan unos montones que, vistos por sí solos, encajarían perfectamente en cualquier basurero, pero que con una fuente de iluminación estratégicamente colocada proyectan sombras que resultan difíciles de creer por su realismo y detalle.
Así pues la imagen elegida es la siguiente: http://www.ruido4design.com/blog/images/basura/tim7.jpg
Esta imagen está tomada con un ligero plano picado y con una leve desviación hacia la izquierda, la iluminación es artificial para obtener el efecto requerido, los colores son apagados dado la naturaleza de los materiales, los cuales encontramos en nuestro día a día y podrían ser enmarcados en la estampa de cualquier vertedero, tal y como he citado en la introducción.
Esta imagen, tiene un alto grado de originalidad, ya que sí, muchos artistas juegan con sombras para crear efectos en sus fotografías o utilizan foto shop sobre las mismas para dotarlas de belleza o significado, privándolas así de autenticidad. Puede servir de ejemplo la siguiente imagen, http://3.bp.blogspot.com/_NU3sjv3wbj8/TQqstmakILI/AAAAAAAAC8w/24EHlxS393w/s1600/sombras-psicologia.jpg.
De esta manera considero que esta imagen guarda un alto grado de originalidad porque está compuesta por elementos que podemos encontrar en la cotidianidad de una ciudad, elementos que no podríamos encuadrar en una composición artística y mucho menos podemos asociar que un cúmulo objetos,para nosotros inservibles fuera de su contexto, puedan acabar formando un objeto o ser real cuando este es proyectado por una luz artificial que forma una composición de sombras en una pared blanca.
También creo que puede ser asociada con el par de iconicidad y abstracción, ya que la composición inicialmente,considero que es una figura abstracta, la cual posteriormente adquiere un grado de iconicidad con la proyección de la misma sobre el fondo blanco que nos muestra una clara silueta a través de las sombras de dos ratas, silueta fácilmente interpretable en la sociedad actual.
He elegido una imagen de la campaña de Heineken de 2008 “Por un mundo más fresco” que refleja una iconicidad y abstracción en el sentido del juego que utilizan estos publicistas franceses de usar la marca Heineken como un icono generalizado mundialmente, contrastado con la abstracción de la imagen en la que podemos ver como se forma aparentemente una fotografía de la ciudad de parís a partir de botellas y envases de esta cerveza.
En la imagen podemos ver principalmente la Torre Eiffel, formada por botellas de Heineken y con una luz, que hace centrar la vista en esa silueta o imagen, con la intención de remarcar la iconicidad de la marca reflejada en la belleza de un monumento como este.
Podemos decir, que Heineken quiere mostrar ,como en «París», en todo el mundo, su importancia y reconocimento de la sociedad.
Además en la imagen se pueden ver los alrededores de la Torre Eiffel, todos compuestos por envases, etiquetas de la marca, o simplemente ese color verde y ese enfoque que hace recurrencia a la marca.
La tonalidad del cielo y las luces también remarcan esa asociación de la buena cerveza con el hecho de refrescarse como algo necesario, y generalizar mundialmente esta idea como un icono imprescindible de nuestra sociedad, donde quizá algunos espectadores se ven realmente identificados con esa idea de la cerveza.
Toda esta estrategia de la imagen resulta brillante por la realmente abstracción de crear esa ilusión de un mundo de cerveza.
http://ideasfrescasmarketing.blogspot.com/2008/12/ciudad-heineken.html
(Es la segunda imagen que aparece en la pagina, de esta campaña)
El anuncio seleccionado para esta actividad está incluido en una campaña lanzada por el Ministerio de Sanidad y Consumo contra las drogas.
En esta imagen apreciamos las vías de un tren hecha de cocaína. Su eslogan es “Drogas. Hay trenes que es mejor no coger”, con el que aconseja no adentrarse en ese mundo.
Sobre los elementos utilizados, la imagen es una vía de tren, hecha con cocaína, lo que lleva al camino de la drogadicción.
La vía se utiliza como una metáfora haciendo ver que si subes a ese tren, va a ser muy difícil poder bajar, como de un tren en marcha.
El color utilizado de fondo es un azul oscuro en el que resalta el blanco de la cocaína, dando una sensación de frialdad.
El encuadre de la imagen es centrado, en un primer plano y con un punto de vista picado. La imagen es cuadrada y tiene una profundidad gracias al punto de fuga que hace que las vías sigan aún cuando la imagen ha acabado.
La vía ocupa el centro de la foto dando a entender que al subir a ese tren, las drogas se convierten en lo único en tu vida.
He escogido una imagen titulada “La ida de Perséfone”, y su autor es Anthony Martinsön. La imagen fue realizada el invierno del 2009 en el parque del Retiro, Madrid.
Esta fotografía es a color y está en formato vertical. Se puede considerar icónica, ya que el fotógrafo representa la realidad en la que fue realizada la foto. Es decir, la estatua de un querubín nevado.
Sin embargo, aunque sea una imagen icónica, la foto podría catalogarse como polisémica, ya que tiene varios significados: el primero, como es evidente, es la representación de la estatua nevada, pero el autor ha querido expresar en esta foto la huida del verano, y la llegada de lo frío y monocromático que puede ser la estación de invierno. En esta foto se quiere hacer transmitir al espectador el frío, y la belleza del invierno, ya que antes el invierno era símbolo de muerte. El autor quiere hacernos cambiar el punto de vista, y transmitirnos la belleza de forma congelada. Es decir, buscar lo bello en la “muerte”.
Aunque la fotografía es a color, las tonalidades son frías, ya que predomina el blanco, marrones oscuros, y un color azul ártico que se ve entre las ramas de los árboles, para crear una sensación de gelidez.
Se ve un primer plano del querubín, pero enfocado en la imagen ligeramente hacia la izquierda, para poder captar el cielo y darle más profundidad a la foto.
La complejidad de la foto es perceptible, aunque la gama de colores siga una misma línea, la cantidad de elementos visibles en la foto es elevada. Podemos observas muchas texturas en la foto, se aprecia la nieve mas rugosa, los témpanos de hielo que son rectos y con efecto cristal, la piedra de la estatua que se puede ver en la parte superior, incluso la aspereza de los árboles del fondo.
La foto tiene un grado de originalidad, porque aunque lo fotografiado en la imagen puede ser captado por una cámara en el resto del año, esta fotografía se ha tomado en un tiempo determinado, en una estación del año especifica, así como el elemento clave de la foto que es la nieve, y que no podemos ver todos los días del año. Es una percepción diferente de la realidad de la estatua, ya que esta no ha sido creada para verse nevada.
-Anuncio Mixta: http://www.youtube.com/watch?v=3e2FlLxwSFw
En este anuncio de la empresa Mixta presenta un spot en el que muestra desde la visión general de un barco, el mar dónde aparece un delfín que habla diciendo que “no es marinero que es un delfín”. Con lo que consiguen captar la atención del público por lo utópico que resulta la situación de un delfín hablando y encima diciendo que no es un marinero que es un delfín. Juegan con un humor absurdo en la totalidad de su campaña haciendo que sus anuncios sean conocidos por todo el público.
Este anuncio lo voy a analizar desde un punto de vista de la originalidad-redundancia:
– este anuncio claramente es original ya que previamente a este anuncio no ha habido ningún anuncio de este tipo. Su originalidad se basa en el humor absurdo que emplean porque en ningún momento nombran el producto deseado sino que simplemente hacen que el publico se acuerde siempre del anuncio por su humor y con ello lo relacionen con la marca y el producto.
He elegido esta fotografía denominada como “Beso de despedida a la Guerra” tomada por Victor Jorgensen en Times Square el 14 de Agosto de 1945, día en el cual los norteamericanos salían a las calles a festejar el fin de la guerra.
En esta fotografía se puede ver a un soldado de la marina norteamericana besando apasionadamente a una enfermera.
Se suele pensar que los componentes de esta fotografía eran pareja, pero no, este soldado y esta enfermera eran unos perfectos extraños que se encontraron allí. Esta foto es todo un icono, ya que no solo significa pasión sino que también transmite la alegría del fin de la guerra y el regreso a casa.
Los términos de originalidad y redundancia aplicados en esta foto, se dan por la originalidad, porque se hizo en el momento y no fue una fotografía previamente planificada, ya que es una foto compuesta como anteriormente he dicho por dos individuos los cuales no se conocían, aparte la escena y el ambiente acompañan a lo que es y significa la foto y el beso, que es una manifestación de amor, pasión y alegria como consecuencia del fin de la guerra.
La imagen escogida es una obra del iraní Iman Maleki, considerado el mejor pintor hiperrealista, el título de la obra es «Omens of Hafez», tiene unas dimensiones de 134 x 100cm, esta pintada con óleo sobre lienzo y la realizó en el año 2003.
He escogido esta obra porque me parecía un gran ejemplo de la pintura e iconicidad, ya que en esta obra a no ser por conocimiento previo resulta realmente difícil distinguirla como pintura, además muestra a dos jóvenes mujeres en lo que parece la azotea de un edificio dejando en un segundo plano el resto de la ciudad. La vestimenta y los rasgos físicos de las mujeres nos comunica que al menos son de origen árabe, y el gesto de sus rostros nos transmite nostalgia, tristeza… además reforzando esos sentimientos con el color del cielo.
El tapiz o alfombra sobre el que están sentadas y el gran realismo con el que esta pintado nos invita a pasar dentro de la imagen, a poder incluso situarnos encima de él si pudiéramos observar la obra en directo.
Si observamos la obra con detalle vemos como manos, piés, la alfombra, el vaquero… nos daríamos cuenta que cuanto más nos acercamos más detalles podemos observar que dotan a la obra de un altísimo grado de iconicidad.
a continuación dejo un link con la obra y otro con la página oficial del autor en la que podemos ver otras obras impresionantes.
http://www.ricci-arte.com/es/Iman-Maleki.htm
http://www.imanmaleki.com
A continuación analizaré una imagen, que a mi parecer, en su conjunto, plasma una originalidad irrefutable.
El juego con las imágenes (teniendo en cuenta los colores, perspectiva, dimensión…) me parece un tema muy atractivo de tratar. Por tanto, he elegido está imagen ya que está impregnada de todos estos elementos ya citados.
Observamos que el elemento principal que aparece en primer plano, es un camión que patrocina un tipo de bebida refrescante (Bionade). A simple vista, situándonos en la diagonal del camión, la imagen proyectada, crea un efecto impactante, ya que parece que el vehículo transporta una botella gigante en la zona de carga traspasando las dimensiones del camión.
De esta manera, conseguimos, que la marca de ésta bebida sea más conocida por el público debido a la originalidad y peculiaridad de la campaña publicitaria; además de por su composición de los colores (los colores del tapón y de la “o” de Bionade, crea un logo llamativo que da lugar a una diferenciación por parte del público).
Por otra parte, es una imagen que se ve constantemente por ir plasmada en dicho vehículo y crea una notable popularidad.
En esta imagen son muy importantes los contrastes. Como bien observamos, el fondo blanco situado detrás de la botella es más oscuro que el fondo de la parte izquierda. También, las esquinas están más pronunciadas jugando continuamente con los tonos grisáceos y de ésta manera consiguen ese característico efecto de profundidad.
La correspondiente marca de la cerveza, junto a los colores más vivos se da en la parte posterior del camión. Asimismo, el público tanto cuando vaya por detrás del camión, como por el lado, verá la imagen y no tendrá duda alguna de que se trata de bebida refrescante “Bionade”
Aquí adjunto otras imágenes que, de igual manera, me han llamado la atención por su originalidad y perspectiva tomada.
(Agustín, este trabajo se lo entregué impreso en la clase de ayer)
Estamos ante un anuncio formado por varias escenas. Una chica, María, recuerda a antiguos novios que ha tenido a lo largo de su vida, en un espacios y tiempos distintos, enumerando las virtudes que ha adoptado de cada uno de ellos; “Miguel: primer amor y su sonrisa, Juan: su pasión, Alex: vivir cada día como si fuera el último y Nacho: importancia de los pequeños detalles”.
En este spot se utilizan personajes jóvenes, la protagonista se muestra llena de vida y feliz, los chicos a los que hace referencia atractivos y de distintas edades.
Aparecen cinco escenas; tres a la luz del día y dos en un ambiente nocturno. Estas están distribuidas conforme pasa el tiempo en la vida de María, desde su infancia hasta su edad actual, 30 años aproximadamente.
Por otro lado, desde el punto de vista connotativo, el mensaje es de aspecto social, destinado a un público de cualquier edad. Toca valores como la amistad, el amor, el cariño de una familia al finalizar con la frase: “Siempre me quedo con lo mejor que pasa por mi vida”, refiriéndose así a la fusión que se crea entre las personas con el paso del tiempo. Todo esto se relaciona en el anuncio para que atraiga la idea de pertenecer a esta compañía teniendo las ventajas de tener la tarjeta de prepago y la de contrato a la vez.
http://ow.ly/4ljkc
La imagen escogida para esta práctica ha sido El miliciano de Robert Capa.
Esta fotografía fue tomada en Septiembre de 1936, aunque durante mucho tiempo se dudó de su originalidad en parte, a que también se tomaron otras fotos de similares características en el mismo lugar. Pero finalmente, tras estudiar la fotografía se concluyó de la veracidad de esta.
Con respecto al análisis de la fotografía, como ya hemos dicho antes, es una fotografía real en la que aparece un miliciano al que acaban de disparar y cae al suelo muerto tras recibir el disparo.
Aunque podemos observar que la toma de la imagen es bastante común ya que está hecha de frente, las dificultades que tuvo Robert Capa para hacerla fueron muchas al estar constantemente en la campo de batalla entre balas y rifles.
Con respecto a los colores, hay poco que decir, ya que es una fotografía en blanco y negro, aunque sí que se pueden distinguir bien muchos de los aspectos de la fotografía al tener suficiente nitidez.
Algunos aspectos interesantes a resaltar en el miliciano son la postura que tiene de abatimiento, que lo podemos comprobar principalmente en el movimiento que se aprecia del cuerpo, además de la expresión de la cara y las manos.
En la mano que sujeta el rifle se ve claramente como no lo sostiene con fuerza, si no que la mano está entre abierta y el arma caerá en unos segundo al suelo con él. Con respecto a a la otra mano, aunque no se aprecia muy bien, la tiene encogida, símbolo de que ya estaba muerto cuando estaba cayendo al suelo.
Las repercusiones que esta fotografía tuvo en todo el mundo fueron muchas, y aunque la fotografía en si sea una toma sencilla, la historia que se esconde detrás de ella no es así.
ICONICIDAD- ABSTRACCIÓN
Para explicar la diferencia entre iconicidad y abstracción voy a utilizar una imagen de un lienzo de la pintora René Magritte.
Una imagen nunca refleja la realidad en su totalidad. Aunque la imagen tenga relación con el objeto expresado, las diferencias se encuentran en el grado de iconicidad de dicha imagen. Por lo que la iconicidad es el grado de parecido que hay entre el objeto que se quiere representar y la imagen que se toma de él.
En la imagen podemos ver una pipa de fumar dibujada sobre un lienzo y debajo de la pipa aparece escrito “Ceci n´est pas une pipe.” (esto no es una pipa). Con esta imagen la pintora trataba de decir que lo que vemos no es lo que se representa. Decía que no era una pipa, sino un conjunto de colores sobre un lienzo que identificamos como una pipa de fumar.
la imagen es la siguiente:
http://www.google.es/imgres?imgurl=http://lajefadetodoesto.files.wordpress.com/2008/11/nina-guerra_-bansky.jpg&imgrefurl=http://lajefadetodoesto.wordpress.com/author/lajefadetodoesto/&usg=__QaQ7bS_cvuz
Este documento es una imagen, más concretamente un dibujo del grafitero Bansky . Este artista grafitea las paredes de las ciudades más importantes del mundo. Su arte es fácil de reconocer ya que utiliza las degradaciones de las paredes urbanas para dar forma a sus dibujos, siempre acompañados de un mensaje moral o denunciar una causa social. La calidad de los dibujos es muy buena aun siendo grafitis tienen una multitud de detalles, las formas están muy definidas, y dan una sensación de relieve y de realidad. Un arte callejero, que no tiene cabida en un museo, pero que abarca a un público más amplio ya que forma parte del mobiliario urbano. Los temas de sus dibujos son polémicos e irónicos, muchas veces asociados a la provocación, y que no dejan al espectador indiferente. Un arte sin ánimo de lucro, con la única finalidad de conmover e impresionar.
Este dibujo muestra hasta qué punto el ser humano puede ser cruel, y como es capaz de hacer de una catástrofe humana un espectáculo. Vemos a una niña sangrando rodeada de escombros supongo que es víctima de una catástrofe natural. Alrededor de ella, profesionales del audiovisual, fotógrafos, cámaras, capturan en imágenes su tristeza. En segundo plano vemos como un empleado de televisión frena los sanitarios que quieren prestar asistencia médica a la pequeña. Un dibujo en blanco y negro, en el que el único elemento es la sangre y el color de la cruz del uniforme de los asistentes. La niña se aferra a un peluche, signo de inocencia e infancia, su rostro transmite tristeza, y eso parece ser indiferente a los ojos de los espectadores de su alrededor ya que solo buscan el momento indicado para obtener la imagen mas desgarradora.
La pregunta que se podría formular es ¿Que es más importante la información o el ser humano que se oculta detrás de ella?
http://es.bloggif.com/images/Publicite/Armani/Emporio-Armani-Night-img4084
La imagen que he seleccionado pertenece a la marca multinacional Emporio Armani, anunciando su fragancia llamada “Night”, con dos variables, de hombre y de mujer.
La imagen refleja a una mujer guiando a un hombre en unas escaleras, la mujer marca el camino, ella va por delante y con sus brazos corta el paso, el hombre ha caído en su seducción en intenta tocarla y poseerla a pesar de que no puede. La imagen connota el descenso al infierno, guiado el hombre por el diablo, puede verse reflejado en el color de las paredes, con flashes de luz similares a las llamas así como el vestido de la mujer que aparece. Ambas vestimentas simbolizan los envases de ambas fragancias. La imagen tiene un alto grado de iconicidad, simple y polisémica. El mensaje es claro, seducción, perdición, lujo y desdicha mezclados en un ambiente cerrado, inaccesible a simple vista, penetrante y transgresor. El rojo y negro de la foto hace que sea más impactante la figura de la mujer y hace que caracterice más sus rasgos y su expresión seria y segura de sí misma. El pecado y lo prohibido están presentes completamente.
la imagen que yo he elegido pertenece a la colección expuesta recientemente en La Alhóndiga en Segovia. Mas concretamente es una imagen de 49,5×34,5 cm. perteneciente al fotógrafo catalán Joan Colom i Altemir y su «serie de la calle». Pionero en la composición de series fotográficas, en esta retrató la realidad existente en el Barrio Chino de Barcelona, el actual Rabal, en la decada de cincuenta convirtiéndose en uno de los principales ojos de la realidad existente. Para Colom, sin embargo, era una España reprimida y culturalmente embotada por Francisco Franco.
se nos ofrece una perspectiva frontal muy directa de la fotografía y de lo que en ella se representa, que yo creo que es la fuerte carga postfranquista que el autor sentía en esa época, reflejandolo a traves de la mirada perdida del niño, que refleja una gran pobreza y un brazo, extendido muy firmemente sobre el, señalando a un lugar que aunque no se aprecia en la imagen se imagina perfectamente.
lo que en el fondo transmite esta imagen es la soledad, pobreza y desilusión social que se vivia en aquella época de transito entre franquismo y democracia, pero sobre todo refleja la particular visión de Joan Colom de aquella etapa dictatorial
Para esta actividad, he escogido un spot de la marca de bebidas Trina.
Trina es una marca de bebidas española que desde los años 90 pertenece a Cadbury-Scheweppes. El nombre de Trina viene de Trinaranjus, la bebida se caracteriza porque no contiene gas y tiene un mínimo del 6% de zumo.
Este spot fué utilizado para promocionar el nuevo Trina envasado y sin burbujas, en el año 2008.
El spot comienza con una jóven subida encima de una roca cantando «estoy sola aquí porque me inventé un chiste y nadie se rió». A continuación van apareciendo más personajes, diciéndole que no está sola y cantando experiencias propias de cada uno; acciones que todos podríamos cometer cómo subir a bailar a la barra de un bar.
Al final todos juntos terminan cantando » es así, que más da, lo que digan los demás».
Este spot utiliza una música con un ritmo pegadizo, para que cuando las personas duden que pedir en un bar, o que comprar en un supermercado, piensen en Trina.
En este spot, la letra de la canción no habla sobre el producto que se quiere vender; pero utilizan la letra de manera que el público vea que bebiendo Trina los actos «vergonzosos» que en ciertas ocasiones se cometen, tienen menor importancia.
Por último, el eslogan «¿A que está bien ser natural?»; quieren que esa sea la esencia de Trina, una bebida natural que hace que las personas que la beben sean naturales.
El corto que yo he elegido se llama «Mensaje» el cual fue finalista de la séptima edición del Jameson Notodo Filmfest en la categoría de ficción, celebrada en el año 2009.
A su protagonista Carlos, le han diagnosticado Alzheimer y se pone delante la cámara para grabarse un mensaje a sí mismo, para que en el futuro le sirva para recordar las tres cosas más importantes de su vida, y que nunca debe olvidar.
En entre ellas está la primera, en la cual dice: eres del Atleti, que no te líen.
La segunda: habla de su mujer, la persona que más le quiere en el mundo.
Y la tercera: se dice a sí mismo que no olvide que es feliz.
Este corto después fue utilizado para la afición rojiblanca a través de internet, entre usuarios que son del Atlético de Madrid, haciendo llorar a más de uno y una. Como podemos ver, está cargado de una emotividad enorme, ya que le han diagnosticado una efermedad que padecen millones de personas en el mundo a la que todavía no han encontrado solución.
Transmite además que el receptor se sienta solidario con el protagonista, debido a su enfermedad. Sobre el mensaje decir que es bastante simple, y sobretodo, que tiene mucha intensidad, pienso que está más enfocado a un público que se siente parte de una afición y no a un enfermo de Alzheimer, debido a que si echamos la vista atrás todas las campañas realizadas por el club apelan al sentimiento, como este corto, ya que en todos ellos podemos ver los valores de este club, como es el de que no importa ganar, sólo la conexión que existe entre la afición y su club, somos sufridores sí, pero por eso somos del atleti.
La imagen que he elegido es de Alberto García-Alix y lleva el nombre “La hora de la Misericordia. Esta hecha en B/N para una de sus exposiciones del año 2007. Antes de analizar la imagen me gustaría poner una frase que ha escrito el fotógrafo para presentar su exposición: «La fotografía es un poderoso médium. Nos lleva al otro lado de la vida. Y allí, atrapados en su mundo de luces y sombras, siendo sólo presencia, también vivimos. Inmutables. Sin penas. Redimidos nuestros pecados. Por fin domesticados… Congelados. Al otro lado de la vida… De donde no se vuelve».
Análisis técnico: La imagen está en B/N, plano general, plano contrapicado, incluso la catedral está levemente inclinada hacía izquierda. El peso visual cae a la derecha, y a la izquierda el espacio se rellena con pájaros, debido a la contraluz que viene por detrás, los cuerpos de los pájaros aparecen como simples siluetas. La imagen no cumple los criterios de la ley de los tercios. La iluminación en este caso es muy interesante porque en el medio de la imagen como si las nubles están desgarradas de una luz blanca, la luz blanca también se puede interpretar como una línea diagonal que divide la imagen de dos partes: por un lado la parte inferior donde domina el color gris y por otro lado la parte superior dominante el color negro.
Análisis simbólico-objetivo: La imagen parece una de las escenas de la película “Drácula”. La catedral es típica de la arquitectura gótica. El plano contrapicado por un lado tiene la función de subrayar la grandeza de la catedral, pero por otro nos relaciona con un mundo oculto, misterioso, también se puede añadir mágico. La catedral esta rodeada de bandadas de pájaros, sobre todo al lado izquierdo. Habitualmente los pájaros volando siempre se relacionan con la libertad, pero en este caso creo que tienen la función de completar la imagen y reforzar la sensación de misterio, incluso viéndolos a distancia parecen una bandada de murciélagos. El cielo en esta imagen juega un papel fundamental porque en primer lugar: se usa como fondo, en segundo lugar: es muy interesante a la hora de analizarlo porque en la parte superior es como una escala de gris, comienza con el negro pasa al gris y al final acaba en blanco, y en el tercer lugar: gracias a esta degradación de los colores el cielo da un aire más siniestro (lúgubre) de la imagen.
http://www.google.es/imgres?imgurl=http://sancheztaffurarquitecto.files.wordpress.com/2009/05/misericordia-2007.jpg%3Fw%3D495%26h%3D491&imgrefurl=http://sancheztaffurarquitecto.wordpress.com/2009/05/09/alberto-garcia-alix-de-donde-no-se-vuelve-arte-en-la-red/&usg=__gBLKN82xO6Iye0Sgd6R2hQufer8=&h=490&w=495&sz=57&hl=es&start=0&sig2=XlJoZlEPPqx3hc7SZP-M6g&zoom=1&tbnid=GCqzhgoBfvfeWM:&tbnh=128&tbnw=129&ei=WIuLTaacDsqAOrfT-dIN&prev=/images%3Fq%3Dalberto%2Bgarcia%2Balix%2Bcamino%2Bdel%2BGolgota%26hl%3Des%26biw%3D1366%26bih%3D667%26gbv%3D2%26tbs%3Disch:1&itbs=1&iact=hc&vpx=242&vpy=196&dur=68&hovh=223&hovw=226&tx=120&ty=114&oei=WIuLTaacDsqAOrfT-dIN&page=1&ndsp=31&ved=1t:429,r:9,s:0
http://www.como-dejar-de-fumar.net/beneficios-de-parar-de-fumar/marketing-anuncios-anti-tabaco
A través de esta imagen de una campaña anti tabaco me gustaría analizar el concepto denotación y connotación.
La imagen muestra a un chico joven con un cigarro en la boca, mientras que el humo va dibujando el contorno de un objeto. Para darle más frivolidad, utiliza un fondo negro y tonos grises en la silueta del personaje y el cigarro. La imagen va acompañada de un mensaje abajo a la derecha “kill a Cigarrette and save a life”.Yours. “Mata al cigarro y salva una vida. La tuya”. Esto seria los aspectos denotativos relativamente objetivos de un mensaje, constituidos por elementos de carácter descriptivo de una imagen o un texto.
Cada persona tendrá una interpretación sobre una misma imagen, pero en este caso el mensaje latente de la imagen es la de divulgar los peligros del tabaco con la intención de reducir el numero de consumidores y evitar que nuevos adictos se sumen a esta droga. Esto es llevado a cabo a través del humo que desprende el cigarro, que va formando un revolver apuntando a la cabeza del chico. El mensaje que intenta trasmitir sería algo parecido a “el tabaco mata”.
El mensaje va dirigido principalmente a los que ya consumen esta droga y en menor medida, los fumadores pasivos. En cuanto a edades, el mensaje esta enfocado desde los adolescentes en adelante, de cualquier clase social.
El valor que transmite es el del buen cuidado del cuerpo y la salud del organismo.
Volveré a subir mi análisis porque en una ocasión he equivocado
La imagen que he elegido es de Alberto García-Alix y lleva el nombre “La hora de la Misericordia. Esta hecha en B/N para una de sus exposiciones del año 2007. Antes de analizar la imagen me gustaría poner una frase que ha escrito el fotógrafo para presentar su exposición: «La fotografía es un poderoso médium. Nos lleva al otro lado de la vida. Y allí, atrapados en su mundo de luces y sombras, siendo sólo presencia, también vivimos. Inmutables. Sin penas. Redimidos nuestros pecados. Por fin domesticados… Congelados. Al otro lado de la vida… De donde no se vuelve».
Análisis técnico: La imagen está en B/N, plano general, plano contrapicado, incluso la catedral está levemente inclinada hacía derecha. El peso visual cae a la nuestra izquierda, y a la derecha el espacio se rellena con pájaros, debido a la contraluz que viene por detrás, los cuerpos de los pájaros aparecen como simples siluetas. La imagen no cumple los criterios de la ley de los tercios. La iluminación en este caso es muy interesante porque en el medio de la imagen como si las nubles están desgarradas de una luz blanca, la luz blanca también se puede interpretar como una línea diagonal que divide la imagen de dos partes: por un lado la parte inferior donde domina el color gris y por otro lado la parte superior dominante el color negro.
Análisis simbólico-objetivo: La imagen parece una de las escenas de la película “Drácula”. La catedral es típica de la arquitectura gótica. El plano contrapicado por un lado tiene la función de subrayar la grandeza de la catedral, pero por otro nos relaciona con un mundo oculto, misterioso, también se puede añadir mágico. La catedral esta rodeada de bandadas de pájaros, sobre todo al lado derecho. Habitualmente los pájaros volando siempre se relacionan con la libertad, pero en este caso creo que tienen la función de completar la imagen y reforzar la sensación de misterio, incluso viéndolos a distancia parecen una bandada de murciélagos. El cielo en esta imagen juega un papel fundamental porque en primer lugar: se usa como fondo, en segundo lugar: es muy interesante a la hora de analizarlo porque en la parte superior es como una escala de gris, comienza con el negro pasa al gris y al final acaba en blanco, y en el tercer lugar: gracias a esta degradación de los colores el cielo da un aire más siniestro (lúgubre) de la imagen.
http://www.google.es/imgres?imgurl=http://sancheztaffurarquitecto.files.wordpress.com/2009/05/misericordia-2007.jpg%3Fw%3D495%26h%3D491&imgrefurl=http://sancheztaffurarquitecto.wordpress.com/2009/05/09/alberto-garcia-alix-de-donde-no-se-vuelve-arte-en-la-red/&usg=__gBLKN82xO6Iye0Sgd6R2hQufer8=&h=490&w=495&sz=57&hl=es&start=0&sig2=XlJoZlEPPqx3hc7SZP-M6g&zoom=1&tbnid=GCqzhgoBfvfeWM:&tbnh=128&tbnw=129&ei=WIuLTaacDsqAOrfT-dIN&prev=/images%3Fq%3Dalberto%2Bgarcia%2Balix%2Bcamino%2Bdel%2BGolgota%26hl%3Des%26biw%3D1366%26bih%3D667%26gbv%3D2%26tbs%3Disch:1&itbs=1&iact=hc&vpx=242&vpy=196&dur=68&hovh=223&hovw=226&tx=120&ty=114&oei=WIuLTaacDsqAOrfT-dIN&page=1&ndsp=31&ved=1t:429,r:9,s:0
La imagen que voy a comentar es una imagen reciente tomada por el fotógrafo Lefteris Pitarakis de la agencia Associated Press. Este fotógrafo ha hecho bastantes reportajes vinculados con la guerra y esta imagen pertenece a uno de esos reportajes, concretamente a la reciente revuelta del pueblo egipcio.
En la foto se retrata como una mujer egipcia le da un beso en la mejilla a un soldado. Es una foto enfocada frontalmente y que se centra en el primer plano de la situación, reflejando a la perfección los sentimientos que ambos protagonistas están experimentando en ese momento. Al ser un primer plano, se ve claramente cuáles son los puntos de interés y que destacan, ya que al mirar la foto lo primero en lo que te fijas es en los ojos y la expresión del militar, una expresión de impotencia, ya que aunque él apoya la revuelta del pueblo, tiene que cumplir con su deber que es el de cumplir las órdenes del gobierno. Esto se ve reflejado en su mirada, una mirada triste que mira fijamente a la cámara y en la que se puede ver un brillo en los ojos que delatan sus sentimientos, sentimientos que no puede expresar y manifestar en público ya que su misión es la de mostrarse neutro ante cualquier situación. Por otro lado se ve como la mujer transmite una gran fuerza mediante el beso que le da al militar, un beso que es acompañado por un abrazo también con fuerza que se puede ver en la mano derecha que está puesta en la cara del militar. Esta fuerza que la mujer transmite se puede ver reflejada en la cara de la mujer, la cual tiene los ojos cerrados fuertemente mientras le da el beso, y su expresión refleja el dolor que está sufriendo el pueblo egipcio por esa revuelta, revuelta en la que sus hijos, maridos, hermanos, etc. están involucrados, y los cuales tienen que obedecer las órdenes de su gobierno. A pesar de que ya se sabía de donde era la foto, también se puede apreciar por la vestimenta de la mujer, la cual lleva un pañuelo típico cubriendo su pelo. Los colores de la foto son colores oscuros, ya que la situación es triste y trágica, pero el pañuelo de la mujer es de colores, lo cual puede reflejar la esperanza que tiene el pueblo egipcio de ganar esa revuelta y de que todo vuelva a la normalidad. El fondo de la foto es un fondo difuminado en el que se pueden intuir las siluetas de más soldados egipcios.
Esta foto se ha comentado que puede ser la próxima ganadora del premio Pultizer de Fotografía de este año. Es curioso ya que en otros años también han sido galardonadas con este premio, otras fotos en las cuáles se muestran fotos trágicas y tristes, fotos que te dejan una tristeza interior al mismo que una impotencia al no poder hacer nada como el caso de la foto del niño africano que era acechado por un buitre. Estos hechos hacen reflexionar sobre los gustos de las personas; ¿realmente somos tan filántropos como algunos presumen tanto de serlo? ¿Disfrutamos con la pena y los trágicos sucesos que les ocurren a otras personas?
Esta foto es una foto en la cual se retrata un beso, ese gesto que transmite tanto y que ha sido también muy buscado y retratado por otros fotógrafos como el beso del marine y la enfermera en Times Square al final de la II Guerra Mundial, lo que pudo ser una referencia para este fotógrafo a la hora de tomar su esta foto, porque ambas están vinculadas con una guerra y con un sentimiento de esperanza, ya que la foto de Times Square fue como celebración del final de la Guerra y esta puede significar la esperanza de que finalice. Pero en cambio la foto de Times Square fue una foto tomada instantáneamente, sin preparación ni acuerdo previo entre los protagonistas, de echo ni se conocían, y esta otra de Pitarakis se rumorea que puede haber sido un montaje, debido a la gran perfección y nitidez del primer plano que se muestra, lo cual llevaría a convertirla en otra farsa como la que retrató Doisneau en el ayuntamiento de París, que al principio se dijo que se tomó de forma instantánea como la de Times Square, pero más tarde se supo que todo fue pactado y los protagonistas eran actores. Esto también hace preguntarnos algunas cosas como ¿nos venden lo que quieren los medios? o ¿somos pasivos y compramos lo que nos quieren vender aun sabiendo todo su entramado?
“Faltan piezas – Spot por la Igualdad”
Se trata de un spot realizado por alumnos del I.E.S Rodríguez Fabrés de Salamanca. En él se pretende hacer un llamado a la igualdad de todas las personas, sin distinción de color, edad, sexo, religión…
Podemos observar una gran abstracción frente a la falta de iconicidad, ya que los creadores emplean la metáfora para dar sentido a su trabajo, es decir, emplean el juego popularmente conocido como “Jenga” para representar la igualdad de todas las personas. En él, cada persona representa una pieza que irán colocando progresivamente, para que así, mediante la unión de todas las piezas de las distintas personas consigan formar un gran bloque. La unión de todas las piezas significará la unión de todas aquellas personas de distinto sexo, edad, religión, etc, y la formación de ese gran bloque indestructible, la igualdad que se ha conseguido mediante esa unión de todas esas personas tan diferentes.
Por último decir que he elegido este Spot, porque me parece una buena manera de dar a conocer el trabajo que realizan otros estudiantes, en vez de mostrar el trabajo realizado por profesionales y que estamos cansados de ver cada día en los diferentes spots anunciados en televisión. Es interesante conocer cómo estudiantes como yo o como mis compañeros, han sabido representar de forma simple, pero muy original su visión de lo que para ellos representa la igualdad.
http://blogtintachina.blogspot.com/2008/03/los-zapatos-en-el-cielo.html
La imagen elegida está extraída de una escena de la película Big Fish, de cuya fotografía se encarga Philippe Rousselot.
Lo primero que apreciamos en la imagen es un cable del cual cuelgan varios pares de zapatos, enganchados mediante los cordones. Detrás de este cable vemos un ancho y largo camino, y, en el centro de éste, una figura humana que observa el cable con los zapatos. A ambos lados del camino hay varias casas con un aspecto algo antiguo, rodeados de pradera y con frondosos árboles por detrás. Al final del camino y rodeada de árboles se encuentra una ermita. El cielo apenas se nos muestra en esta imagen.
Se trata de una imagen de ratio largo, ya que su formato hace más largo el lado horizontal que el vertical.
La imagen tiene una composición armónica, teniendo el mismo peso a la derecha y a la izquierda de la imagen, y situando los principales puntos de interés de la imagen en los compartimentos centrales de la sección aúrea. Hay mucha importancia de la línea: las líneas más diagonales que marcan los bordes del camino, y a su vez el cambio de tonalidad, nos llevan a la línea horizontal de la ermita, el punto de fuga de la imagen.
La luz es tonal en su mayor parte, aunque la imagen de las sombras de los zapatos crea también una sensación de claro- oscuro, lo que le aporta un contraste interesante.
Los colores utilizados son bastante apagados, pero se distribuyen muy bien en cuanto al calor. La cantidad de colores fríos y calientes se complementa, aunque hay cierta predominancia de los tonos calientes.
Es una imagen icónica que pretende representar la realidad tal y como es.
Creo que es una imagen extremadamente polisémica, ya que se le pueden atribuir diferentes significados. Por otra parte, tiene un alto grado de originalidad, ya que no es una imagen que se represente de forma común.
Es una imagen muy denotativa, que busca sugerir al espectador diversas sensaciones.
La imagen nos muestra en principio un plano general largo, ya que la figura humana central tiene mucha cantidad de aire a su alrededor. Sin embargo, se nos da también un primer plano del cable con los zapatos.
El tipo de encuadre de esta imagen según su punto de vista es de un ángulo picado para toda la imagen, aunque más extremo para el plano general, ya que el primer plano se encuentra ya a cierta altura. Con este tipo de ángulo se busca enfatizar.
Subjetivamente, esta imagen me sugiere en un principio soledad. Aparece una imagen bastante amplia con una sola persona en ella. Por otro lado, también me lleva a pensar en libertad, liberarse de los zapatos como una forma de liberarse de la opresión de la sociedad. Los colores apagados dan una sensación de melancolía y de paz al mismo tiempo.
COMENTARIO DE ALBERTO REY VALLEJO
Análisis de imagen
He escogido esta imagen por los diferentes significados que se le pueden atribuir, al revés que muchas imágenes que se realizan con un único significado, para mi esta imagen tiene varios significados diferentes. No sabemos exactamente con que significado la realizo el fotógrafo, pero de ella se sacan varias conclusiones.
La imagen es de un concurso propuesto por photoshop , se trata de una imagen en blanco y negro , con un plano general y una angulación normal. En la imagen aparece un hombre y de fondo una ciudad “caótica”, el hombre se encuentra fuera de la ciudad, en lo que parece una pequeña colina, viendo en soledad la ciudad.
Algunos de los significados que puede mostrar la imagen pueden ser:
– Lo pequeño que es el ser humano ante la inmensidad de una ciudad.
– La tranquilidad del campo en comparación con el caos de la ciudad.
– La soledad de un hombre ante esta sociedad tan avanzada que ha mellado las relaciones humanas, de tal manera que cada vez estamos más aislados los unos de los otros.
Estos son varios de los significados que he podido descifrar de la imagen analizada. Es una imagen polisémica. He decidido analizar dicha fotografía por la relación que tiene con los temas tratados en clase, puesto que hemos hablado de las relaciones humanas y la tecnología, los planos de encuadre (tema tratado recientemente en clase).
En mi opinión es una imagen muy interesante desde los diferentes puntos de vista que se le pueden atribuir según con la interpretación con la que se analice.
La imagen es: http://www.creativosonline.org/blog/recopilacion-de-30-fotografias-en-blanco-y-negro-de-ciudades.html
El spot que he elegido para realizar este análisis está titulado ‘’Sombras’’ y pertenece a una empresa de aerolíneas argentinas. Lo he escogido porque hace tiempo me pareció interesante y emotivo, además de que la publicidad argentina me llama bastante la atención.
El spot trata sobre un niño y una niña que ven la sombra de un avión reflejada en el suelo de su azotea y deciden guardarlo en una caja para conservarlo. Tiempo después tras cuidarlo día y noche, los encargados de las aerolíneas les piden a los niños que liberen el avión porque mucha gente necesita volar.
Es un spot en el que el diálogo es muy breve y predomina sobre todo la música. Podemos ver cómo todo el spot gira en torno a la abstracción. Sólo con la sombra del avión, todos reconocemos el objeto y no es necesario verlo como tal. Combinando la originalidad del spot con la simplicidad de la historia que cuenta, se consiguen crear varios efectos. En primer lugar vemos que las líneas aéreas argentinas se preocupan por la puntualidad y por lo tanto de sus clientes. Además, el spot va más allá y pretende crear unas aerolíneas nuevas, de confianza.
Gracias a este juego de elementos se generan una serie de connotaciones que consiguen transmitir la sensación de que esa empresa te llevará a cualquier parte, que será puntual, te atenderá bien como cliente y se preocupará por ti.
Así, el avión de estas aerolíneas no es una imagen monosémica simplemente (introduzco aquí una definición según la RAE): ‘’Aeronave más pesada que el aire, provista de alas, cuya sustentación y avance son consecuencia de la acción de uno o varios motores. ’’, Sino que con este anuncio consiguen que ese avión sea: seguridad, puntualidad, atención, novedad, confianza…
Dejo aquí el enlace para ver el vídeo de aerolíneas argentinas:
Este detalle corresponde a una parte de la escultura de El rapto de Proserpina, realizada por Bernini en la etapa Barroca, aunque tiene grandes rasgos manieristas como el contraposto de los cuerpos, la sensación de inestabilidad, la fugacidad del momento…
Se puede observar el cuerpo retorcido de una joven, Proserpina, resistiéndose a ser capturada por un hombre, Plutón. Un perro de tres cabezas, Cerbero, parece intentar que la joven no escape, obedeciendo a su amo.
Es excepcional la forma en que Bernini consiguió dar tal grado de realismo a su escultura, tanto que se puede observar como los dedos rotundos de Plutón se hunden en la carne blanda de la anatomía femenina de Proserpina acercándose en gran medida a la realidad y quedando lejos de la abstracción. El grado de iconicidad en esta escultura es alto. Al ser una fotografía representa de manera más fiel la realidad, más de lo que lo puede llegar a representar una pintura impresionista, por ejemplo. Pero igualmente no llegará a tener el mismo grado de iconicidad que dos cuerpos reales.
Veo interesante destacar los rostros. Poseen gran expresionismo, sentimiento; la brutalidad del rostro de Plutón contrasta con el miedo, la angustia del rostro de Proserpina.
Y puesto que vimos en clase el concepto de claroscuro, creo oportuno añadir que en esta imagen se pueden apreciar grandes contrastes lumínicos gracias al tratamiento del trépano, que además le aporta a la escultura un gran misterio.
http://www.google.es/imgres?imgurl=http://4.bp.blogspot.com/_Gh2j59SI9yg/SZSta3XWPbI/AAAAAAAABn8/4xPzEDMCB6A/s320/el%2Brapto%2Bde%2Bproserpina.jpg&imgrefurl=http://limonlimonero.blogspot.com/2009_02_01_archive.html&usg=__pWeNBL_g-IhXzMSglisiadr5vc8=&h=320&w=249&sz=15&hl=es&start=25&zoom=1&tbnid=9Tq4i2YbqsWAbM:&tbnh=105&tbnw=82&ei=7v6NTd6TH8So8APKzcWgDw&prev=/search%3Fq%3Del%2Brapto%2Bde%2Bproserpina%2Bmito%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26rlz%3D1R2ACAW_esES403%26biw%3D1291%26bih%3D533%26tbm%3Disch&um=1&itbs=1&iact=rc&dur=110&oei=6_6NTZ7SC8-SswaS4bT5CQ&page=2&ndsp=25&ved=1t:429,r:9,s:25&tx=39&ty=63
http://www.google.es/imgres?imgurl=http://farm4.static.flickr.com/3215/2298809361_7fcf8a1ce7.jpg&imgrefurl=http://www.flickr.com/photos/vitalogia/2298809361/&usg=__JN3-UY-9KeTHgjKdQUA6FVHxUa4=&h=500&w=333&sz=118&hl=es&start=0&zoom=1&tbnid=qGOh4JcL7xRwnM:&tbnh=121&tbnw=85&ei=6_6NTZ7SC8-SswaS4bT5CQ&prev=/images%3Fq%3Del%2Brapto%2Bde%2Bproserpina%2Bmito%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26rlz%3D1R2ACAW_esES403%26biw%3D1291%26bih%3D533%26tbm%3Disch&um=1&itbs=1&iact=hc&vpx=664&vpy=163&dur=1154&hovh=275&hovw=183&tx=125&ty=154&oei=6_6NTZ7SC8-SswaS4bT5CQ&page=1&ndsp=25&ved=1t:429,r:13,s:0
He elegido una de las escenas finales de la película “Black Swan”. De la fotografía de la película se encargó Matthew Libatique por la cual recibió una nominación al Oscar.
Al comienzo de la escena la luz es blanca, de tipo cenital. A continuación se produce un golpe de luz de un tono azul, frío, que ilumina a los personajes desde el frente como se puede comprobar en la pared trasera del escenario, la cual ilumina. A partir de este momento la imagen posee una tonalidad en la que predominan los tonos negros a excepción de la luz, que posee un tono frío, verde, proveniente de los laterales del escenario. Este color, según la psicología de los colores, es el color del mal, de los celos, de lo lejano y lo sombrío. El negro, por su lado, tiene unas connotaciones también relacionadas con la muerte, lo siniestro y lo desconocido. Además transmite al mismo tiempo poder y elegancia.
La escena comienza con un plano general en el que podemos observar a los dos bailarines mientras se abre el escenario. La cámara se introduce en la escena mediante un travelling al mismo tiempo que los personajes avanzan hacía ella, de este modo la acción se desarrolla a gran velocidad y pasamos de un plano general a uno medio, a continuación a un primer plano y por último a un gran primer plano en el que destacan los ojos rojos y enloquecidos de la protagonista. Todo esto en apenas cinco segundos.
Tras esto, los personajes retroceden y la cámara lo hace levemente y pasamos a un plano medio, a continuación a un plano americano y de nuevo la cámara se acerca mediante un travelling para enfocar a los personajes mediante un primer plano para rápidamente pasar a un gran plano general en el que se nos muestra todo el teatro y a los dos personajes a lo lejos.
El enfoque regresa a un plano medio corto de la protagonista para avanzar de nuevo la cámara hasta un primer plano y a partir de este momento, la cámara sigue a la protagonista mediante un travelling de acompañamiento y otro circular. Esta secuencia termina con un plano medio corto de los dos personajes para continuar de nuevo con un travelling de acompañamiento durante el cual la cámara vuelve a seguir a la protagonista hasta un lateral del escenario, realizando un primer plano. Tras esto, la cámara realiza un último gran primer plano lateral.
Aplicando las proporciones de la sección aurea, el peso visual de la composición recae en la bailarina, ésta se desplaza siempre entre los cuatro puntos de interés de los tercios.
Se trata de una imagen de alto nivel de complejidad, sobre todo a nivel semántico puesto que requiere una mayor atención para su análisis. Todos los elementos que podemos observar se unen para originar un mismo sentimiento: desde los planos elegidos, las distintas tonalidades frías hasta los rápidos movimientos de cámara reflejan la transformación de la protagonista. Logran transmitirnos sensación de oscuridad, muerte y locura.
Hola, Diego,
muy bien tu comentario, aunque en esta primera práctica lo que se pedía era un análisis a partir de uno de los pares: originalidad-redundancia, etc. Tú has ido un poco más lejos.
(El de Gervasio Sánchez está bien)
Saludos,
Eva Navarro
El anuncio que he seleccionado para analizar en esta práctica pertenece a la campaña publicitaria realizada por el grupo automovilístico Audi en el año 2088 denominada “Cuerdas”.
Me he inclinado por hacer esta elección ya que Audi es una marca innovadora y creativa en cuanto a su publicidad.
Además el anuncio destaca por el premio BAIT 2009 que recibió por ser el anuncio más destacable en el sector de la automoción en 2008.
En él podemos ver a una serie de personas, simulando ser ingenieros de la compañía, en la composición y fabricación de un nuevo modelo de coches. En un principio no se aprecia muy bien qué es lo que se está creando. Las personas manipulan y juegan como un niño con las cuerdas dando, poco a poco , vida a diversos componentes y características de un coche.
En el anuncio se aprecia el trabajo en equipo y la capacidad creativa de la compañía.
El spot finalizó con el eslogan “A car created like none before” (un automóvil como nunca se había creado entes). Con esto Audi nos da a entender que solo ellos son capaces de crear hasta un coche con cuerdas, que antes no se había realizado.
Si analizo este spot televisivo desde el punto de vista icónico- abstracción, se puede observar que el spot juega desde un principio con la abstracción donde la imaginación va dando forma a las diversas cuerdas. Poco a poco avanza hacia un punto icónico para formar un coche, como lo conocemos en la realidad.
El anuncio nos deja dar rienda suelta nuestra imaginación en cuenta a las formas y movimientos que van adoptando las cuerdas, finalizando con la muestra icónica del coche para completar la interpretación, por si alguien no ha entendido lo que se estaba formando.
El anuncio que he decidido coger ha sido: Mixto y Mixta, una historia de amor. http://www.youtube.com/user/FelixH81#p/u/27/6JpX7nILIaE
Lo he elegido porque me parece muy original y porque me parecen muy divertidos.
El spot trata de la historia de amor de un sándwich llamado Mixto y un botella de cerveza llamada Mixta y como poco a poco termina su relación.
Existe un predominio del presente, pero también del pasado.
En las escenas del presente, se encuentran los personajes describiendo su situación amorosa. Mientras que las otras escenas del pasado se desarrollan en el parque, en las habitaciones, etc.
Por otro lado es importante señalar los colores vivos, predominan en las escenas bonitas, alegres, felices, en definitiva cunado la pareja se encuentra bien. Cuando los colores están apagados es debido a que hay alguna discusión, enfado, tristeza, etc. entre la pareja.
Por otro lado, aparece un predominio del dialogo. Aunque, también tenemos que destacar la música (que al igual que los colores) reflejan el estado de la escena.
Podemos observar como el spot tiene la característica de Abstracción, ya que aunque aparentemente son una pareja, son dos objetos inanimados que no pueden sentir. Es decir quiere transmitir iconicidad, aunque no lo sea.
No podemos olvidar la Originalidad del anuncio, ya que no estamos acostumbrados a ver una escena matrimonial en la que los protagonista son un sándwich y una cerveza.
En este ensayo voy a analizar un spot conjunto entre Bosh y Calgonit viendo el grado de abstracción-iconicidad y los estereotipos que encierra.
En este spot se recalca la importancia del ahorro de agua y con ello del dinero a esto se le suma el beneficio darte mas tiempo para otras actividades y para aumentar más aún la satisfacción. Solo usando Calgonit conseguiremos que nuestras bajillas queden como nuevas, evitando esos residuos de cal que se suelen apreciar en las copas, cuando se utilizan otras marcas de pastillas, estos son algunos de los argumentos de persuasión que utilizan.
El estereotipo más claro esta en el del papel de la mujer en el hogar. En este estereotipo se la caracteriza por cumplir con las tareas más típicas del hogar mientras el hombre trabaja.
El grado de iconicidad varia a pesar que la televisión consigue reproducir la realidad de una forma bastante verosímil no lo hace del todo. Hay determinados momentos durante el spot en el que se representa la realidad con un mayor índice de iconicidad en el momento en el que se abre la puerta del lavavajillas se retoca con destellos de luz, esto no sucede en la realidad. También se puede distinguir en algunos otros spots de pastillas para lavavajillas en las que no se representan de forma real las manchas y mucho menos la forma en la que se limpian, dejando los productos mejor que nuevos.
En este spot prima el plano americano al intentar realizar un dialogo con el espectador al emitir un mensaje produciendo una sensación de cercanía.
Este tipo de anuncios, representando a la mujer en el ámbito del hogar es cada vez más repudiado por la sociedad, al haberlo visto hasta la saciedad y al estar cambiando este estereotipo sobre la mujer.
ORIGINALIDAD-REDUNDANCIA
Este spot publicitario es un combinado entre originalidad y relevancia, ya que, a la vez que sorprende y simpatiza con el público a través del niño que sale en el anuncio, que hace gracia, captando y acercando al espectador, utilizan su imagen y su persona para explicar las características de la oferta del coche que se anuncia. Además, el niño es un símbolo de espontaneidad, de persona que se guía por sus emociones y sentimientos, por lo que se supone que, con una oferta como la del anuncio, primero compra el coche y después lo piensa (y se da cuenta de que tiene cuatro años y de que aún no puede conducirlo). Con ello consiguen un anuncio original y gracioso, sin redundancias, pero que no deja de ser relevante, ya que la oferta se explica claramente, tratando de captar el interés y de despertar el impulso de comprar el coche en el consumidor.
El spot que he elegido es de la famosa marca Coca-cola, en él se observa la propiedad de la iconicidad, ya que muestra el máximo grado de semejanza con la realidad, cuanto más se aleja de la realidad mayor abstracción presenta.
El anuncio recrea una familia, la madre está buscando trabajo pero no lo consigue porque le piden referencias,en la siguiente toma aparece una imagen de su hijo, en la que habla de ella con orgullo, contando anécdotas y situaciones vividas junto a ella. Representa la iconicidad al mostrar un hecho cotidiano , como es el de la búsqueda de empleo de la madre, o la simple escena familiar.
También se puede observar la simplicidad del anuncio, ya que en casi todo el spot el protagonista, que es el hijo, habla dirigiéndose a la cámara sin que se utilice ningún efecto como el picado, contrapicado,aberrante…etc.
El plano que se utiliza es un plano corto y un efecto subjetivo cuando aparece la imagen del jefe del trabajo al que quiere acceder la madre, que es visto desde el ángulo del hijo.
Los colores en los spots son muy importantes ya que se asocian a significados concretos, así como la vestimenta de los personajes que salen en ellos, en este caso son tonos suaves como grises, blancos, marrones…etc.
Y finaliza con el rojo que es el color característico de la marca Coca-Cola.
El spot que voy a analizar, es el de coca cola que saco en las navidades del 2006.
El escenario en el que se desarrolla la acción es dentro de una maquina de coca cola. Dos chicos se acercan a la maquina echan una moneda, y esta hace un recorrido con distintos obstáculos hasta que llega a la coca cola, la cual se prepara hasta que cae en la boca de la maquina y finalmente los chicos las recogen.
Los elementos básicos en este spot están compuestos por líneas rectas tanto verticales como horizontales y líneas curvas, esto se va observando a medida que la moneda y la coca cola van haciendo los recorridos.
Este spot me a parecido ORIGINAL a la hora de crear las “tripas” de la maquina de coca cola, lo hacen de una forma muy creativa y con una gran variedad de personajes de ficción, los cuales van preparando la coca cola cuando echan la moneda.
La REDUNDANCIA con estos spot navideños lo que coca cola quiere todos los años es felicitarnos la navidad. Bajo mi punto de vista este fue el año que mas original estuvo porque mas que un spot es un espectáculo, pues ya no es papa Noel como ha hecho otros años, ese año me parece que la protagonista fue la maquina de coca cola.
El anuncio que he escogido es un spot de Seat Ibiza patrocinador de la gira Good Stuff 2010, el cual es protagonizado por la cantante y artista Shakira.SEAT , ha lanzado una amplia campaña de 360 grados llamada ‘Good Stuff’ (las cosas buenas), con motivo de su proyecto de colaboración con la cantante colombiana. ‘Good Stuff’, cuya denominación se extrae de la canción homónima del último álbum de Shakira She Wolf, intentará penetrar en el mercado y llegar a un público joven haciendo uso de la imaginación, del ‘buen rollo’ y de la alegría.
El carácter joven y deportivo de SEAT congenia con el talento musical de Shakira y su la frescura de su imagen. Shakira que ya se ha convertido en toda una embajadora de SEAT a lo largo de su tour europeo y por ahora, su relación parece que seguirá siendo una historia de mutuo éxito.
El spot muestra un espacio interactivo y de animación virtual 3D.
En este anuncio podemos observar un mundo en el que salden a relucir las buenas cosas de la vida y que combina la voz y el ritmo de la cantante colombiana, junto a los vehículos de la marca española.
redundantes.
La redundancia en este spot : utiliza mucho elementos redundantes para potenciar su imagen como marca o para dar a entender el tipo de público al que va dirigido el producto o el servicio que se oferta.
Este anuncio hace referencia a la semejanza de la imagen con la realidad exterior. Las imágenes pueden acercarse más o menos a la realidad que tratan de representar, desde la fotografía en color como imagen o texto visual más icónico, es decir, mas “parecido” a la realidad.
La originalidad en este anuncio, plantea nuevos estéticos y sobre todo en formas diferentes de entender la realidad.
Este anuncio tiene un punto de vista fantastico ya que nos muestra un mundo virtual en el que aparece shakira.
He decidido analizar una escena de la película ‘Across the Universe’. Esta película es un musical con canciones de los Beatles y, concretamente, en esta escena se reproduce la canción ‘I’ve just seen a face’. http://www.youtube.com/watch?v=rfYJ6bSUf8c&feature=related
Me parece una secuencia con bastante complejidad, en la que hay tienen protagonismo numerosos elementos. Sobre todo, al ser un musical, a la hora de coordinar la escena con el baile y la música se tienen en cuenta todo tipo de detalles: juegos de luces para dar dinamismo, el orden de tirada que coincide con la música, el contexto donde se realiza la acción y la relación de varios elementos entre sí, como ocurre en la coreografía a contraluz y todos los movimientos de los personajes que aparecen en segundo plano.
También elegí esta escena porque vi en ella una oportunidad enorme en cuanto al análisis de planos y movimientos de cámara. En ella encontramos, en primer lugar una panorámica descriptiva en la que podemos observar un desplazamiento de la cámara para abarcar el escenario donde transcurre la acción, que tiene como eje central al protagonista en un primer plano. Después se hace un travelling de acompañamiento en el que se sigue al protagonista según avanza y, en segundo plano, varias personas que lanzan la bola de bolos a medida que el protagonista anda.
Más tarde, vemos una panorámica de relación cuando los personajes van tirando las bolas uno a uno conforme avanza la cámara hasta llegar a los protagonistas. Después se realiza un travelling vertical en ángulo cenital con el protagonista, esta vez, en plano medio.
Se hace un paso de plano general (describe el lugar donde se desarrolla la secuencia, pero la dimensión del espacio representado se acerca a la de la figura humana completa), a un primer plano (cortado por los hombros, permite acceder al estado emotivo del personaje – en este caso, la expresión del protagonista al escuchar que van a irse a NY y no va a ver más a la chica – aunque conservando una distancia respetuosa). El paso entre estas imágenes es proporcional y adecuado, fluido y suave.
Después se pasa del primer plano de los protagonistas a un plano medio de la chica, se vuelve al primer plano y otra vez al general.
La canción sigue y vuelve a haber una panorámica de acompañamiento y se vuelve al primer plano del protagonista para, más tarde recuperar la panorámica de acompañamiento mientras la gente se desliza por la pista. Después, con un travelling de acompañamiento horizontal en el que se pasa de plano americano (corta por las rodillas, sirve para mostrar acciones físicas) a un plano general, se representa una coreografía a contraluz. Finalmente, la cámara se queda fija al final de la pista y son los personajes los que se acercan a ella deslizándose.
Se utilizan tonos en clave intermedia, luz dura por las bombillas de la bolera, cenital (teniendo en cuenta que las lámparas están el techo) aunque en algún momento es frontal. Se da también el contraluz, y en cuanto al color, tonos cálidos.
EL MILICIANO MURTE, ROBER CAPA, 1936
http://www.ojodigital.com/foro/attachments/fotos-con-historia/3727d1176909638-foto-para-comentar-n-4-18-4-07-muerte-de-un-miliciano-robert-capa
La fotografía “El miliciano muerto” muestra el momento del desplome de un soldado ante el “supuesto” impacto de una bala enemiga. Este instante fugaz queda detenido en el preciso momento en que el miliciano, con los pies sobre el terreno inclinado de una colina –aparentemente un campo de cereal- y sus largas piernas en escorzo, se desprende de su fusil. Los brazos en cruz con la camisa arremangada y las típicas “espardenyes” de huertano. Su cabeza tocada con el gorro isabelino oficial. El protagonista tiene los ojos cerrados y su rostro difuminado ofrece una expresión serena enmarcada sobre un paisaje rural en el que podemos apreciar hasta dos cadenas montañosas.
PUNTO
El centro de interés formal queda representado en el propio miliciano abatido, auque no coincide con el centro geométrico de la escena. El grano fotográfico es perceptible a simple vista y es materia expresiva como punto en la composición, ofreciéndole un carácter verosímil e informativo al momento representado en la toma. El grano parece resaltar por un mal revelado o por una ampliación de una porción determinada del negativo. Este aspecto no queda confirmado al no existir negativo de la fotografía.
LINEA
Predominan las líneas oblicuas que convergen sobre el miliciano y dirigen nuestra mirada. Tanto las montañas del fondo como las nubes del cielo y la inclinación de la ladera de la colina se disipan al confluir en el cuerpo del protagonista. Lo mismo ocurre con la sombra del miliciano. Las líneas verticales representadas por la posición del cuerpo del actante en forma de escalón, el fusil aún en contacto con su mano derecha o los tallos de cereal, apuntan hacia el cielo acompañando simbólicamente al miliciano -como si estuviese suspendido de unos hilos transparentes- en el instante previo a su desmoronamiento. Las escasas líneas horizontales ayudan a frenar -también metafóricamente- la irremisible caída del miliciano. La presencia de éstas se evidencia en el brazo extendido, en los cuadriceps de sus piernas y en el cinturón que sujeta las cartucheras. Esta variedad de líneas converge en un punto de fuga situado en la unión virtual de la culata del fusil con la proyección de su sombra.
PLANO(S)-ESPACIO
Podemos diferenciar cuatro términos que van desde el primero situado a pocos metros de la cámara y que corresponde con la pierna derecha del miliciano hasta un término lejano que incluye el cielo como lienzo y la última cadena montañosa. Entre estos encontramos otros dos espacios. Uno que corresponde con la ladera por la que aparentemente descendía el protagonista al alcanzarle la bala y otro consecutivo representado por las montañas. El miliciano queda dividido en dos espacios diferenciados: el que queda enfocado –pierna izquierda del miliciano- y el que no.
ESCALA
El miliciano está en el centro geométrico de la imagen. La escena presenta una notable profundidad y esta característica provoca una cierta descompensación de escalas con respecto al protagonista. Este aparece agigantado con respecto al resto de elementos visibles en la representación.
FORMA
No existen formas que prevalezcan sobre las opuestas o complementarias y por lo tanto no son elementos morfológicos reseñables en la fotografía. Esto da idea de la supuesta espontaneidad de captura de la toma.
TEXTURA
Distinguimos una textura global y claramente marcada por el grueso grano fotográfico. Ya dijimos que este puede ser consecuencia de un revelado defectuoso o de la ampliación de una porción del negativo. Por otra parte, la iluminación lateral en clave baja consigue que apreciemos diferentes texturas y relieves en la vestimenta del miliciano, principalmente en sus pantalones. El resto de zonas de la escena quedan sin detalles que enuncien texturas definibles o reseñables, tanto en las luces como en las sombras.
NITIDEZ DE LA IMAGEN
El desenfoque es una de las características morfológicas que caracterizan esta fotografía. Este aspecto, a pesar de restarle nitidez al motivo, le proporciona una sensación de movimiento que parece buscada por el propio fotógrafo. La única zona de la fotografía con nitidez o con foco sería la pierna izquierda y más alejada del miliciano. Esta es la única porción de la escena perfectamente enfocada, aunque la mala calidad de algunas copias y el desenfoque predominante puedan camuflarla. La fotografía fue tomada con un angular de 35 milímetros o un objetivo normal -50 mm- lo que hace suponer que el diafragma escogido por el fotógrafo no era muy cerrado. De lo contrario más elementos de la instantánea tendrían nitidez al quedar enfocados.
ILUMINACIÓN
La alargada sombra que proyecta el miliciano en su caída nos invita a suponer que la luz natural que ilumina homogéneamente la representación llega desde un lugar elevado y llega al protagonista frontalmente, lateralmente desde nuestra posición de espectadores. Podemos aventurar que la iluminación pertenece a las primeras horas de la mañana o últimas de la tarde. Está documentado que la fotografía se pudo realizar alrededor de las cinco de la tarde -una hora más tarde en la actualidad- del cinco de septiembre de 1936. Observamos falta de detalle en las luces motivada por una sobreexposición o saturación de luz.
CONTRASTE
El miliciano ofrece fuertes contrastes entre blancos casi puros y negros totales. El fusil, por ejemplo, muestra un tono oscuro que se enfrenta a los tonos suaves de su alrededor. Cabría señalar que éste ha sufrido una reserva o tapado en el proceso de positivado para no perder detalles. Este rasgo se aprecia por la zona blanquecina que enmarca al propio fusil. Por el contrario el resto de la escena, pese a su falta de nitidez, muestra una mayor gama de grises que reducen el contraste y aumentan la sensación de profundidad.
TONALIDAD / B/N-COLOR
La fotografía fue tomada con película de blanco y negro. Este es un elemento enunciativo de primer orden a la hora de ofrecer verosimilitud informativa. El blanco y negro funciona en la fotografía como marca enunciativa de la verdad histórica, del “esto fue así” y que hoy en día permite retrotraernos a una época como la Guerra Civil española que siempre pensamos en blanco y negro. El monocromatismo de la instantánea nos atrae hacia la reflexión, frente al impacto que provoca el color.
REFLEXIÓN GENERAL
“El miliciano muerto” presenta un grano muy grueso que resta nitidez al conjunto de la escena. Aquí aparece el punto como elemento enunciativo y determinante para que la imagen adquiera un carácter enunciativo. La ausencia de contraste dota a la fotografía un moderado abanico de grises lo que proporciona, pese al efecto de borrosidad, detalle en las sombras. Por el contrario la iluminación, pese a no ser excesivamente dura, elimina el detalle en las zonas más claras de la imagen.
He elegido para analizar el último anuncio de la marca Coca-Cola,por que es bastante reciente y me parece original ya que rememora toda la historia de la marca Coca-Cola. El spot ha sido realizado por la gencia McCann Erickson España. El objetivo es celebrar los 125 años de historia que lleva Coca-Cola refrescando a millones de personas de todo el mundo. En cuanto a la música es un jingle hecho especialmente por el studio Ask Musica en donde se recojen las mejores canciones utilizadas por Coca-Cola.
A lo largo del auncio destacan varios momentos importantes en la historia de estos 125 años y, como no, en todas esas citas Coca-Cola estaba presente. Nos va contando la historia de la marca desde el año 1886 en una farmacia hasta el día de hoy pasando por algunos grandes momentos históricos como el fin de la Segunda Guerra Mundial, el mundial de fútbol…
Me parece original ya que apela a las emociones,pasando por las diferentes épocas historias,y haciendo sentir a muchos consumidores identificados con la historia.Para ello utiliza los cambios de color en las imágenes,para situarnos de alguna manera en la época,la imagen va evolucionando desde el blanco y negro hasta la alta defincion de imagen actual.
La principal idea que se quiere transmitir es que incluso en las épocas difíciles ,como por ejemplo una Guerra Mundial o la caída de la bolsa de Nueva York,Coca-Cola siempre esta ahí para acompañarte y hacerte un poco más feliz.Hay que destacar que el repaso que hace a lo largo de los momentos historicos es excelente,hace un resumen de todos ellos,siempre resaltando los más felices,como por ejemplo el fin de la guerra ,la victoria en el mundial de 2010,el cambio de siglo…
La redundancia en este anuncio:Coca-Cola en la mayoría de sus anuncios apela al papel de las emociones para llegar a los consumidores ya que es lo que más funciona y éxito les proporciona.No aportan nada nuevo al producto,solo lo resaltan y engrandecen mas.También en el vídeo aparece el momento de creacion de Papa Noel,por la misma marca,como signo identificador y representativo de la misma.
Por ultimo decir que en el anuncio no aparece ningun tipo de diálogo,excepto al final,lo importante es transimitir a través de las imagenes emocionantes.Los unicos diálogos son al principio y al final del spot y constituyen el slogan de la marca:¿que tendra?,esta hecha hacer feliz a la gente.
He escogido la nueva cuña publcitaria de la marca de automóviles Mercedes Benz, más concretamente de los categorizados como «clase E». En este spot se representa a la perfección el par «simplicidad-complejidad». Queriendo transmitir el mensaje de como nos hemos complicado la vida con el paso de los años, con la denominada «infoxicación», y jugando con esto dejar ver que este nuevo modelo de coche, pese a tener una apariencia muy sencilla, está perfectamente equipado y goza de gran complejidad. Aquí dejo el diálogo:
Infoxicación, estamos intoxicados de información.
Antes tenías cinco amigos, hoy quinientos.
Si tenías sed, bebías agua, ahora puedes catar cien aguas diferentes.
El color azul, era azul no cobalto, lazislazuli o marisma.
Infoxicación, millones de opciones y milloines de dudas, suerte que todavía hay decisiones que se toman solas.
Ikea es sin duda una de las corporaciones más conocidas por crear spots únicos que dan mucho que hablar, tanto imágenes gráficas como en movimiento (véase el éxito de su último spot bajo el lema ‘’No es más rico el que más tiene, sino el que menos necesita’’). Estas dos fotografías me llaman especialmente la atención, son realmente originales e ingeniosas:
Observando anuncios de la empresa en cuestión, me decanté por uno del año 2005, que, por razones que desconozco, no llegó a emitirse en España. Realmente divertido:
El spot está protagonizado por un chico joven, y tiene lugar en su piso. A lo largo de la mañana le suceden una serie de acontecimientos que no se podrían calificar precisamente como una buena forma de empezar el día: se le estropea la puerta de la alacena, se le cae la tostada del desayuno, se le rompe la mesita del salón, se le incendia la cocina y, por si fuera poco, observa desde su ventana como la grúa se lleva su coche.
El anuncio finaliza con el desafortunado chico desnudo en la calle corriendo tras su coche y una humareda saliendo desde la ventana de su piso. El eslogan elegido para dar el cierre dice: » ¿Necesitas algo nuevo? -Ikea.»
Bajo mi punto de vista, es una pieza simple, sin embargo no nos deja indiferentes. A mí personalmente ha conseguido sacarme una sonrisa, lo cual significa que ha captado mi atención, que es de lo que se trata realmente en la publicidad. A pesar de su poca complejidad, pues no tiene ningún tipo de efecto especial, ni se hace especial hincapié en detalles, es realmente atractivo y original, y la originalidad ‘’no tiene necesariamente que ver con hacer algo nuevo, sino con hacer algo propio’’, algo que sin lugar a duda, Ikea consigue en este, y en todos sus anuncios.
La fotografía que he escogido de nuestra visita al museo de la Alhondiga se titula: “Pequeño Hollywood”y es de la fotógrafa Cristina García Rodero.
Lectura objetiva
• En la imagen aparece una paisaje delimitado por montañas como fondo, en el segundo plano encontramos una línea de construcciones que aparentan ser de otra época como casas o establecimientos, una iglesia o granero y en la parte derecha un carro que el encuadre corta por la mitad. Y como primer plano una caballo en el suelo.
• El encuadre tiene un formato más largo que se aproxima al rectángulo, es decir un formato panorámico.
• Es un Plano general donde podemos ver un paisaje y una figura (el caballo) a tamaño entero, que se reconoce bien pero con bastante aire alrededor.
• El punto de interés se encuentra en la parte inferior y central derecha de la sección aurea: el caballo que aparece en el suelo.Ya que al mirar la foto es lo primero que llama la atención de nuestra mirada.
• Podemos observar lineas verticáles y horizontales en las construcciones, lo cual aporta quietud a la imagen, pero esto se contrasta con las lineas curvas del caballo y del cielo que proporcionan accion y mobilidad al mismo tiempo.
La línea que guiaría nuestra mirada estaría situada desde la parte inferior derecha de la fotografía hacia la parte central izquierda de la misma (desde el caballo hasta las montañas).
• La luz es un claroscuro, lo cual podemos observarlo en los contrastes de sombras que se crean por ejemplo en las casas, cuyos sotechados estan completamente oscuros al llegarles las luz por detrás.
La luz parece llegar por detrás y por la izquierda, dejando las casas a contraluz y al caballo totalmente iluminado.
• En cuanto al color se trata de una fotografía en blanco y negro.
• Es una fotografía por lo que tiene un alto grado de iconicidad, pero no el máximo grado de semejanza porque eso solo lo posee la realidad misma.
• El color blanco y negro, junto con las sombras que producen da lugar a significados polisémicos, que dependiendo de la persona puede ser muy diferentes.
Lectura subjetiva
• Esta fotografía me suscita soledad al aparecer unas pocas casas aparentemente en medio de esa llanura infertil, sin ninguna persona y con el caballo solo y desbocado. El cielo con los claroscuros potencia el dramatísmo, dándome la impresión de que en cualquier momento puede haber una fuerte tormenta.
Por otra parte, me sugiera libertad el caballo libre de ataduras, a su libre albedrío y que en cualquier momento puede echar a correr hacia donde quiera.
Personalmente he escogido esta fotografía porque me ha llamado la atención la fuerza que tiene sin necesidad de muchos elementos, entre los cuales para mi el cielo es imprescindible. Además me gustó especialemte por que evoca al espectador a otro momento histórico.
Voy a analizar mi imagen siguiendo el grupo de denotación y connotación. Desde el punto de vista de la connotación:
Según el encuadre esta fotografía tiene un gran plano general, que utiliza colores fríos como son el negro y el blanco que representan la oscuridad o la muerte y la luz total. Al observar esta fotografía la impresión que me ha dado es de desahogo, como cuando explotas porque no soportas algo más, o cuando estas enfadado y necesitar desahogarte. Expresa una agresividad que se puede asociar a un punto máximo de enfado que bajo mi punto de vista no podría estar mejore representado.
Para este análisis he escogido un spot publicitario de Ikea titulado “Testamento” para poder hablar de la originalidad que caracteriza a los anuncios de Ikea y gracias a la cual son tan populares.
Ya de primeras el titulo sorprende, no es de esperar que una marca de mobiliario y decoración pueda mostrar un spot con este nombre. Pero como estamos acostumbrados ya con Ikea, han sabido dar una vuelta al significado y mostrarnos algo muy divertido y original.
Aparece un padre de familia (“Fulano de tal”) contándonos que lega a quien quiera la luz del sol, los besos a sus hijas, la receta de sus torrijas y las sobremesas que se alargan.
Con esto, a pesar de no referirse en ningún momento a sus productos, consiguen que relacionemos sus muebles con acciones positivas que ocurren en el interior de la casa, de forma que cuando pensemos en Ikea, pensemos en diversión, originalidad y buenos momentos.
El spot publicitario que voy a analizar se llama: The Michael Jackson Tribute in the 2009 MTV Video Music Awards. Es un spot de la cadena de televisión MTV para hacer un homenaje al rey del pop Michael Jackson. http://www.youtube.com/watch?v=_NQgkDXY5JQ
El spot comienza en una calle de Nueva York que tiene un monumental atasco, en ese atasco hay un taxi en el que su conductor se está desesperando y estresando, mientras atrás sus pasajeros están muy tranquilos sin importarles el caos que hay. De repente cae un guante con muchos brillantes en la luna delantera del taxi por lo cual el taxista se queda sorprendido, luego cae otro y comienzan a caer guantes del cielo. La gente sale a la calle viendo que son los mismos guantes que los del rey del pop y miran al cielo, pensando, que aunque está en la más allá, sigue vivo.
En el spot predominan tres factores muy importantes
1. El enfoque de la cámara y sus ángulos.
2. La luz y el color.
3. La originalidad y la música.
Nada más iniciar el spot comienza con un plano largo para visualizar todo el atasco con un ángulo picado. Luego se pasa a un primer plano del conductor del taxi con un ángulo normal, los pasajeros tienen un primer plano con ángulo normal también. Cuando cae el primer guante se pasa aun plano detalle ya que se enfoca al objeto y el taxista aparece en borroso es decir zoom máximo al guante. Cuando empieza la lluvia de guantes se pasa a un plano general largo con un ángulo contrapicado, aquí se enfoca desde abajo para que se vea bien, que lo que cae del cielo, son los guantes, continua con un plano general largo de toda la calle con un ángulo en contrapicado y finaliza con un primer plano del rotulo del teatro donde se celebrara el homenaje con un ángulo en contrapicado pasando a un ángulo normal.
El color y la luz juegan un gran papel, en el inicio lo que más sobresale es el taxi con su color amarillo. Otro elemento que destacan son los guantes blancos cuando caen del cielo, luego el globo rojo en forma de corazón que sube hacia el cielo. La luz también muy importante en el spot empieza con una luz no muy fuerte pero se aprecia que es de día pero cuando empiezan a caer los guantes la luz es más oscura como si el cielo estuviese nublado, también destacar la brillantez de los diamantes del guante.
La música también juega un papel importante porque al principio se escucha el típico ruido de ciudad gente, coches, sirenas y en cuanto aparecen los guantes todo ese bullicio desaparece y aparece una canción más relajada con la situación.
El spot desde mi punto de vista personal me parece original, ya que nunca había visto algo parecido como caen los guantes intuyendo que el rey del pop sigue vivo y su manera de demostrarlo es lanzando sus guantes en forma de lluvia.
http://lacomunidad.elpais.com/casajuntoalrio/2009/1/25/made-in-asia-contrapublicidad
La imagen que he elegido para comentar es una de contrapublicidad contra la marca Nike. En ella aparece un niño asiático de espaldas con el logotipo de la marca grabado en la espalda y está hecho con sangre representando así la explotación y el trabajo que realizan la población asiática para Nike. Además, para realzar esto último debajo de la imagen aparece la frase «made in asia».
En cuanto a la pareja de propiedades de originalidad-redundancia, tengo que decir que esta imagen muestra la primera propiedad, pero casi toda la contrapublicidad la posee. Esto ocurre porque no es «lo normal» que digan la verdad sin tapujos, de una forma tan gráfica y tan directa.
Pienso que la imagen tiene monosemia, porque sólo tiene un significado y no se le puede buscar otro diferente, y se entiende perfectamente, es una protesta a la explotación de la población asiática ya que sus sueldos son mínimos y mucho más inferior al precio que se comercializa la marca.
También posee simplicidad porque aunque es interesante e ingenioso el mensaje es simple y evidente y bastante apreciable a simple vista por cualquier persona.
Análisis del Spot publicitario de Moschino.
He decidido analizar un spot publicitario en concreto este que es de una campaña de Moschino de perfumes.
Lo he elegido porque me parece un anuncio poco convencional e interesante.
He decidido que lo voy a analizar desde la denotación y connotación.
Desde el punto de vista denotativo podemos observar que en la imagen aparece una mujer, de tono de piel muy claro, pálido, con una melena morena con un corte muy cuadriculado tanto el flequillo como el resto de pelo. Su rostro es tapado a la altura de los ojos por el flequillo el cual está bastante largo y no la permite ver. A su vez su rostro es perfectamente simétrico
Por otro lado podemos ver a la mujer con un tono rojo en los labios y en las uñas que crean un gran contraste respecto al tono de su piel, al color de su pelo y al fondo que es de una tonalidad blanca-grisácea.
En sus manos tiene un perfume, el que se está anunciando, el cual es sostenido con una gran sutileza. El perfume es rectangular con un tapón de forma de corazón, en el tiene un lazo rojo enroscado el cual tiene una función de apoyo al color rojo del resto de la imagen.
En este spot también podemos observar que hay una tipografía existente con el nombre del producto: Moschino Coustume !
Por otro lado desde la connotación, esta imagen me sugiere frialdad pero a la vez elegancia más que nada por los contrastes de color que hay, por los tonos blancos negros y rojos.
Desde otro punto de viste me transmite un sentimiento de misterio ya que no se la ven los ojos, están tapados con el flequillo y no podemos ver que se oculta detrás de él.
También esta imagen a mi gusto refleja elegancia por la mujer que aparece, me parece muy elegante e interesante. Con ella el perfume tiene una fuerte carga de personalidad y clase.
Además este spot a parte de todo lo que ya he citado me parece que tiene una fuerte carga de sexualidad por la imagen de la mujer.
He decidido comentar este anuncio porque me parecía muy interesante y porque pienso que sugiere muchas cosas a parte de lo que anuncia que es el perfume.
Link:
Este es el spot que he elegido para hacer el análisis. Es el spot de Aquarius Libre “El corredor de la muerte”. Este spot es del 2010, exactamente se emitió en España el 6 de septiembre de ese año y representa el nuevo producto de Aquarius que es Aquarius Libre, que es su versión más baja en azúcar. Lo hace bajo el eslogan “Tu mente necesita liberarse”.
Es una historia real, protagonizada por: Ron, Derrick, Ray y Shujaa, que son cuatro hombres de mediana edad. Cuatro inocentes que por diversos motivos, pasaron bastantes años en diferentes corredores de la muerte estadounidenses.
Ellos van a recorrer El Camino de Santiago y parten desde sus ciudades de origen, al poco tiempo de salir del corredor de la muerte en los que estuvieron entre 5 y 20 años, con destino a España. El spot fue rodado en el tramo de 180 km, que separa Ponferrada y Santiago de Compostela. Este anuncio transmite el espíritu de superación del ser humano a pesar de las adversidades de la vida.
El spot acaba con una frase muy significativa, y en mi opinión es magnífica y mágica: “Cuando naces todos a tu alrededor sonríen orgullosos y tú lloras, cree y vive tu vida de tal forma que cuando tu mueras seas tú el que sonrías y todos a tu alrededor lloren”
Esta frase es dicha por los protagonistas del spot, mientras ellos sonríen y disfruta de lo más significante y valioso de la vida, la libertad.
Aquí os dejo el testimonio de Ray Keine, después de su participación en el anuncio.
“Estoy asombrado, me siento honrado de poder haber hecho el camino de Santiago. Es algo que nos devuelve el sentimiento de paz y de bondad en el mundo, después de haber pasado tantos años en prisión”
En su caso pasó en el corredor de la muerte: 10 años, tres meses y ocho días.
Bajo mi punto de vista, es un spot precioso, que llega al corazón de los espectadores. A mí, me ha sacado una sonrisa, debido a la libertad que ellos tienen ahora y que se les ve muy felices. La “moraleja” (por llamarlo de alguna forma), nos enseña que en esta vida aunque te pasen cosas malas hay que saber perdonar y vivir la vida como si fuera el último el día. Y hay que saber recuperar la confianza en nosotros mismos.
Análisis de imagen en movimiento.
Para este análisis e escogido el spot publicitario llamado Infoxicación, que ha creado El Laboratorio para presentar el nuevo Mercedes-Benz Clase E Dynamic Edition.
Este es el enlace para visualizar dicho spot:
El spot tiene una duración de 28 segundos y en él se ve una serie de secuencias en las que nos va haciendo comparaciones sobre el pasado y el presente referentes a una supuesta “infoxicación” (intoxicación de información) que se supone sufrimos hoy en día. En la primera nos cuenta como hace unos años tan solo teníamos un puñado de amigos y hoy en día, gracias a las nuevas tecnologías el número de estos se ha multiplicado. Nos habla de que cuando tenías sed, bebías agua pero en cambio ahora tienes más de cien aguas diferentes para elegir. A continuación nos hace una comparación de colores, en concreto el azul, nos dice que antes solo existía un tipo de azul y en cambio ahora podemos distinguir entre una variedad entera de azules. Por último nos cuenta que por lo menos sigue habiendo decisiones fáciles, ahí es donde entra el coche que nos da a pensar como una decisión fácil, ya que quien no quisiera tenerlo.
El mensaje general que nos quiere transmitir este spot es que la vida quizás se ha vuelto demasiado complicada, pero que hay cosas que por suerte siguen siendo fáciles de elegir, en este caso el coche.
En el aspecto técnico, el anuncio está realizado por una secuencia de imágenes que combina planos generales, con primeros planos pero que siempre utiliza la técnica de travelling a la hora de desarrollarlos, ya que menos cuando entra en escena el coche, las escenas están compuestas por objetos fijos.
Como Mercedes nos tiene acostumbrados, trata con toda la originalidad y humor posible, temas de actualidad para vender sus productos. Por todo esto y la manera de realizar el spot publicitario deducimos que disponen de bastantes recursos para realizar un anuncio tan original como este.
He decidido hacer este análisis sobre una parte de una de mis películas favoritas: Eternal sunshine of the spotless mind. Debido a la protección de datos de youtube no puedo subirla así que para poder verla la he subido a megaupload para que se pueda descargar: http://www.megaupload.com/?d=GHE926SZ
La parte que he elegido está cerca del final de la película. Joel (Jim Carrey) se da cuenta de que no quiere borrar de su mente a Clementine (Kate Winslet) así que comienzan a ir a partes de su memoria, a recuerdos, que no tienen en común. El que he elegido es cuando van a la infancia de Joel, hay diferentes escenarios y efectos.
Aparecen Joel y Clementine en el salón. La cámara está fija. Hay poca iluminación y destacan los colores fríos. Cambia la imagen y aparecen en primer plano y con un ángulo picado los pies de un niño saltando en el barro. Lleva unas botas de goma amarillas que resaltan sobre las tonalidades verdes y marrones del suelo. Vuelven a aparecer Joel y Clementine y se produce un paralelismo: en el recuerdo de la infancia está lloviendo y Joel niño mira por la ventana su bicicleta; en el de Joel con Clementine comienza a llover en el salón y se utiliza un travelling desde los dos personajes hasta la bicicleta.
Joel se levanta y se mete debajo de una mesa. Aquí se producen dos paralelismos: el primero es con Joel niño disfrutando y observando la lluvia y el segundo, también de Joel niño, pero ya en el recuerdo al que quería llegar: escondido debajo de la mesa de la cocina cuanto tenía 4 años.
La imagen se centra en Clementine utilizando un primer plano. En el salón sigue lloviendo con fuerza y se transmite cierta angustia porque Joel ha desaparecido y ella debería de estar con él. Pero la angustia apenas dura unos segundos porque vuelve a aparecer Joel, en un Plano General, bajo la mesa en una cocina con tonalidades cálidas y una luz blanda porque proviene de varios puntos y no genera sombras. Todo lo contrario a las imágenes anteriores.
La cámara enfoca a Clementine, que está asombrada por todo ese cambio, desde un ángulo contrapicado, se produce un till down – la cámara se mueve en vertical hacia abajo mostrando el vestido que lleva – y vuelve a Joel, pasando a una cámara subjetiva – ahora lo que se ve es lo que ven los ojos de Joel desde debajo de la mesa, por lo que sería también un ángulo contrapicado. Vuelve a haber un cambio de posición y la cámara se encuentra detrás de Clementine desenfocada, en un ángulo picado hacia Joel.
La madre de Joel entra en la cocina y hay un travelling que transmite sensación de nerviosismo. La cámara sigue cambiándose de posición y hace distintos enfoques: las piernas de Clementine y la madre de Joel en primer plano, y al fondo Joel adulto pero en tamaño niño.
Desde mi punto de vista algunas de las partes pueden tener contenidos implícitos. Por ejemplo, puede que Joel utilizara un recuerdo de su infancia un día de lluvia, a parte de porque Clementine no estaría en él, porque la lluvia muchas veces se suele interpretar como ayuda para limpiar lo que está mal y si además se está a cubierto, se interpreta como que recibirá ayuda en un período difícil. Al fin y al cabo, él se encuentra dormido y todo lo que hace es pasearse por su subconsciente. También los cambios de tonalidades en las imágenes transmiten distancia o cercanía: la gama fría transmite distancia, que es por lo que están pasando los protagonistas y están intentando llegar a una cercanía para que Clementine no desaparezca de la memoria de Joel, por eso su recuerdo de la infancia se refleja en la cocina, en una gama cálida.
Durante toda la película se pueden apreciar este tipo de contenidos.
El spot que voy a analizar corresponde a la segunda campaña de Armani Code, de Giorgio Armani hecha en 2007. Voy a seguir las pautas de polisemia y monosemia para detallarla.
En el spot vemos a una chica joven que entra en una sala donde se está dando una fiesta de lujo. La joven lleva un vestido negro largo, el cual tiene un doble sentido (aquí incluimos la polisemia): el vestido simboliza la noche, la fiesta y la juventud.
Dicho vestido está cruzado en la espalda, haciendo una X, lo cual simboliza el sexo, el deseo, la seducción.
El anuncio empieza con ella de espaldas enseñando la X del vestido y entrando por la puerta, la cual en el pomo tiene el logo de Giorgio Armani. Seguidamente un joven la mira con cara de deseo. Aparecen varias caras de personas que pasan muy rápidamente, pero haciéndonos ver que la miran a ella, como si fuera la “reina de la fiesta” por llevar dicho perfume. Después, ella mira al chico con ojos seductores y en medio del cruce de miradas aparece durante 2 segundos la colonia, para enseñarnos que la artífice del flechazo es por llevar el perfume. A continuación, en un plano detalle de la cara, la chica mira a la cámara, a los espectadores para inmiscuirlos aun más en el anuncio, dando la sensación de que ella nos integra dentro del spot. En el siguiente plano observamos un plano detalle de la mano de ella tocando sensualmente el torso del chico. Vuelve a salir la espalda de la chica con otro plano detalle, pero esta vez bajan hacia la zona de las nalgas, volviendo a seducirnos con su cuerpo. Vuelve a salir el frasco de colonia en otro plano detalle, rotando sobre sí misma y aparece de nuevo la espalda de la chica con el mismo plano y la mano de él acariciándola levemente. Ella mira otra vez hacia la cámara volviéndonos a integrar en el anuncio y diciéndonos con la mirada que ha conseguido seducir al chico gracias al perfume, en este plano detalle aparecen los profundos ojos negros de ella con un tono libidinoso, en el que nos dice con ellos “lo he conseguido” y una media sonrisa picarona. Finalmente se exhibe por tercera vez el frasco de colonia, negro y morado, símbolos de la noche y con una forma que recrea el cuerpo de una mujer, ancho por arriba y por abajo y estrecho en la parte del medio (en la cintura).
Si nos damos cuenta, la canción que acompaña al anuncio es sensual y lenta, como los movimientos que hacen los personajes, así como también podemos observar que al final de dicha canción dicen “sex appeal”, que resume lo que quieren darnos a entender con el perfume, para quien va dirigido.
El Spot escogido para el ejercicio de análisis de la imagen se trata de la campaña que saco Coca Cola en Julio de 2002, denominada como “Generaciones”.
En él aparecen entre otros, jugadores destacados del momento, como Figo, Henry o Michel Salgado y otras viejas glorias, como Futre, Michel o Luis Aragonés.
El video comienza con un plano general en el que podemos observar la figura de cuatro jugadores de espaldas, caminando hacia el campo de arena, donde se encuentran unos niños jugando.
A continuación un plano general corto de los niños, acompañado con la frase de “hey chavales desalojando” en boca de un grupo de adolescentes y una coca-cola en la mano del mismo, da paso a un plano detalle en el que se aprecian unos pies golpeando un balón.
El siguiente fotograma corresponde a un plano general corto de los niños, sentados, aguantándose sin jugar y viendo el nuevo partidillo que simboliza polisémicamente una ley del futbol, “En el campo, como en la vida, los mayores juegan primero”.
Un primer plano del niño asombrado escuchando la voz de Figo, enlaza con la imagen de un plano general corto de tres de las estrellas del futbol mundial en esa época Figo, Henry y Salgado, la música que acompaña se torna algo más llamativa e imponente y surge un nuevo plano general corto con la figura de los tres chavales abandonando el campo y las tres estrellas preparadas para empezar.
Un plano americano en el que el niño invita a que se sienten los adolescentes, junto a una Coca Cola, retoma la grabación, tres planos medios cortos de las tres estrellas tocando el balón y un nuevo plano americano, en el que surgen cinco viejas glorias de la liga española diciendo Luis Aragonés ”hey chavalotes, fuera que vamos a jugar al futbol” en un gesto rozando la soberbia.
Apareciendo ahora, en un fondo negro, una frase en letras blancas que dice “La ley del futbol”, poniendo fin a la moraleja del anuncio y mostrando así su polisemia.
El anuncio finaliza con cuatro planos medios cortos en el que Figo, Sutcher, Michel y Aragonés tocan la pelota y dos últimos primeros planos, uno de Luis Figo riéndose y mostrando su felicidad y un último plano de Henry, que era la mayor estrella en ese momento, bebiendo una Coca Cola con el logo de la marca y una voz repitiéndola nuevamente.
Con ese final, la marca Coca Cola pretendía hacer ver que la felicidad, la risa y el triunfo se consiguen a través de su bebida.
He elegido para mi análisis un cortometraje que me mostraron hace ya tiempo y que me marcó. Se titula “The Butterfly Circus” (El circo de las mariposas).
Probablemente sea uno de los cortometrajes con mayor carga emotiva, y que refleja claramente valores como el mantener la esperanza y el afán de superación ante los retos.
Al principio pensaba poner solo un fragmento ya que los 20 minutos del corto podían parecer muy extensos, pero después de verlo una y otra vez te das cuenta de que tienes que verlo de principio a fin para poder comprenderlo, para sentirlo.
Todo comienza cuando un niño, Sammy, va en un coche con otros dos hombres y ve un cartel que anuncia el espectáculo de un circo. El niño pide ir a verlo. En este momento hay una música de fondo que poco a poco te va cautivando, como si la música ya transmitiera por sí sola que va a ocurrir algo especial que te va a dejar sin aliento. Cuando llegan al circo, el que lo dirige va presentado a cada uno de los personajes que lo conforman pero ridiculizándoles ya que son personajes un tanto peculiares: la mujer barbuda, una mujer tremendamente obesa, un hombre lleno de tatuajes… En sus rostros se aprecia desolación, tristeza, resignación ante sus vidas y con ello el rendirse. Por último se encuentra “Una perversión de la naturaleza, un hombre si lo podemos llamar así, a quien Dios mismo le ha dado la espalda… El hombre sin extremidades” así lo define el director del circo. El público cuando le ven le desprecia, se ríen de él en su cara, le tiran hasta tomates. Entre el público se encuentra Sammy y los dos hombres que estaban con el niño. Uno de ellos se acerca a Will (así se llama el hombre sin extremidades) y asombrado le alaba pero Will acostumbrado a la burla de la gente le escupe la cara. Después se entera que éste hombre es el director del Circo de las mariposas por lo que consigue colarse entre los equipajes de estos hombres sin que se den cuenta y escapar de aquel agujero que le amargaba la vida. Poco a poco se integra en la comunidad del Circo de la mariposa, donde se siente muy cómodo. Sin embargo cuando ve que un niño se emociona al ver al hombre más fuerte del mundo, se da cuenta de que todos los que le rodean tienen un talento destacable menos él. Pero el director de circo le hace ver que se equivoca. En la imagen aparecen varios componentes del circo recordando su trágico pasado en contraste con la felicidad presente: como el hombre más fuerte agrede a un muchacho, el trapecista más anciano tocaba un acordeón en la calle como cual “perroflauta”, o la mujer que baila con las bambalinas la echaron de un burdel por quedarse embarazada. Un día mientras todos disfrutaban en un arroyo Sammy que tiene una oruga como mascota en un bote dice no encontrarla, el problema es que no la vea por lo “fea” que puede ser. Por otro lado Will pide ayuda para cruzar al otro lado y reunirse con los demás pero nadie le escucha, incluso el propio dueño del circo cuando le ve le ignora. Esta actitud en un principio puede parecer muy fría. Will no tiene más remedio que intentar cruzarlo solo pero tropieza y cae en un roca. Siguen ignorándole cuando con decisión logra incorporarse, pero de nuevo cae esta vez al agua. Cuando los demás se dan cuenta van a buscarle y de repente sale a flote por sí mismo nadando. Así Will encontró su talento. Querer es poder solo hay que intentarlo. Finalmente Will realiza un número en el circo en el que se tira desde un tobogán a un tanque de agua y sale nadando. Al final cuando todos le admiran se acerca un niño cojo y le abraza. El corto finaliza cuando Sammy deja volar libre a la oruga convertida en mariposa.
El título del corto se debe a la metáfora entre la vida de los componentes del circo y la oruga transformada en mariposa. Es decir, que todas esas personas que constituyen el circo vivieron un momento oscuro, sin salida (o eso creyeron) en su pasado, sin que nadie les apoyara y les dieran la espalda. Pero no fue así, hubo gente (en este caso el circo de las mariposas) que si creyó en ellos, y gracias a esto lograron salir de su desdicha, seguir adelante, luchar por lo que querían y sentirse útiles y orgullos de sí mismos. Darse cuenta que la vida sí merece la pena. Al igual que la mariposa que en un principio es una oruga desagradable para la vista pero después se transforma en una bonita mariposa.
La imagen es icónica porque se plasma la realidad a la hora de proponer la idea de conseguir lo que se propone y lo hace de una manera sorprendente con gran carga emotiva. Pero según desde el punto de vista desde el que se mire también es abstracta porque al igual que la publicidad muestra al público lo que público quiere oír. A veces, muchas veces las cosas salen bien, como uno espera, pero otras muchas no siempre es así.
Es polisémica porque cada persona puede interpretar el significada a su manera como yo lo he hecho a la mía. Probablemente todos estemos de acuerdo en que lo que pretende es resaltar la idea de “si quieres, puedes” pero cuando lo describimos al detalle (por eso he querido describir detalle a detalle todo el cortometraje) cada persona lo ve de una forma distinta, como por ejemplo la actitud del dueño del Circo de las mariposas, cuando no ayuda a Will a cruzar el arroyo.
Es original porque cuenta la historia con dramatismo y a la vez alegría, ilusión. Juega mucho con las emociones tanto agradables como desagradables. Además la música de fondo ayuda a sentir más esas emociones.
Es compleja porque predominan muchos elementos, muchos personajes, muchos escenarios, muchas reflexiones…
Para el segundo análisis que voy a realizar he decidido elegir un spot publicitario de Ikea de 2011.
Recordemos que Ikea es una empresa multinacional dedicada a la decoración del hogar y cuya sede central se encuentra en Suecia.
Sus productos se caracterizan por el bajo coste y el diseño que les acompañan.
El spot se centra en mostrar al espectador una serie de relaciones sexuales entre personas de diferentes edades, es decir, cómo parejas jóvenes y mayores disfrutan al hacer el amor en los dormitorios amueblados, como no, por Ikea.
La duración de este anuncio es de 31 segundos; todas las escenas están centradas en un único fin: mostrar la felicidad y el confort que se siente con los muebles de Ikea (que mejor manera de manifestarlo como es a través d algo tan placentero como el acto sexual)
De los pares de características estudiados en clase creo que los que sobresalen en este anuncio son los siguientes: monosemia, simplicidad y originalidad.
-Monosemia porque ofrece un único significado, el placer, la satisfacción. Ese goce que se siente al hacer el amor, y estar con quienes más queremos en un casa decorada por esta multinacional de decoración.
-Simplicidad por el mero hecho de que no muestra ninguna dificultad entender este spot. Es simple, conciso, sin ninguna dificultad pero a la vez divertido, espontáneo, natural y original.
-Originalidad. Creo que es una de las características más importantes y destacables en este spot publicitario. Ikea puede decirse que es una de las empresas que más involucradas están en la publicidad de sus productos. Crea anuncios de lo más divertidos y originales, sin apelar en ningún momento a sus productos, simplemente aparecen escenarios decorados con ellos.
Al final de este anuncio una voz en off enuncia el nuevo claim de la campaña: “No es más rico el que más tiene sino el que menos necesita”
El hecho de que un mueble produzca características que no le son propias (felicidad, amor, armonía….) connota algo de polisemia y abstracción, ya que Ikea es metáfora de confort, placer …. Pero está bien tu análisis, en general.
He decidido analizar la fotografía a partir del grupo originalidad – redundancia, nos encontramos ante un plano general corto, con poca profundidad de campo, ya que el personaje sale difuminado. Los colores son cálidos, adecuados a la ternura y delicadeza que para mí, expresa la imagen. La analizo desde el punto de vista de la originalidad ya que me parece perfecta y adecuada la angulación para hacernos creer que la flor, que sale en un plano principal, es la falda de la chica.
El anuncio que voy a analizar es de Coca Cola y se titula: “Referencias de una madre.
“-Hola
+ ¿Qué tal la entrevista?
-Lo de siempre piden referencias.
+ Referencias… vaya.
• Nací en el 86 desde entonces todos le creamos unas ojeras que no oculta, ella dice que son producto del amor. Su carrera se ha basado en la persuasión, me convenció de que las verduras me pondrían los ojos verdes, imaginación no le falta, no. La llamas y está, siempre está, por eso no me he convertido en el imbécil que podría llegar a ser. A veces grita, si, pero como no va a enfadarse la persona que lleva toda la vida comiéndose el filete con más nervios. Le saca partido a todo, es un genio. Debería darle las gracias a mi padre por haberle elegido. Yo creo que son buenas referencias ¿No?”
Ciñéndome a los pares de características estudiados en clase, y eligiendo como se pide uno de ellos, el más importante me parece el de originalidad frente a redundancia.
Este spot me parece muy original ya que no muestra en ningún momento el producto ( la Coca Cola). El anuncio simplemente nos cuenta una historia llena de emotividad para que al recordar el anuncio recordemos el producto, y para que podamos asociar la Coca Cola con momentos bonitos y felices. También nos transmite el mensaje que Coca Cola está con la familia en los buenos momentos como es este caso de apoyo incondicional a una madre, y en los malos como hemos podido ver en otras ocasiones.
A la vez que original me parece un anuncio simple, persuasivo y que apela a los sentimientos de las personas. En otras campañas hemos podido observar como la marca ha creado anuncios de mayor complejidad, donde en algunos casos se llamaba solamente al consumo.
Creo que este es un buen ejemplo de cómo las grandes marcas al ya estar consagradas, no necesitan mostrar su producto simplemente crear en los espectadores un sentimiento y unas emociones que le unan al él.
He elegido este anuncio porque me parece realmente genial, personalmente me encantan estos spots que apelan a los sentimientos, en este sentido también me gustan mucho los anuncios de Ikea.
Para esta práctica, he escogido un anuncio de coca cola light de los años 80-90. Por aquel entonces, la coca cola light, era nueva y habían numerosas anuncios protagonizados por personajes famosos como Elthon Jon, Julio Iglesias… Este anuncio fue uno de los primeros en emitirse en España, anunciando una bebida light. Me parece muy gracioso, ya que en este caso no son las mujeres las observadas, sino que son ellas las observadoras.
Formulan un código “hora coca cola light” para referirse al descanso de los trabajadores de las obras del al lado, de su oficina, después del descanso se lamenta de que hubiera durado tan poco, pero ¡calma! a las siete y media tendrán otro descanso.
En aquella época ese anuncio fue muy aclamado, ya sea por su originalidad, su música y las actuaciones de las oficinistas.
El anuncio nos transmite la idea(situándonos en esos años), que coca cola light, es una bebida para cuidarse y que además lo toman los hombres, no porque sea light, está reducido a las mujeres.
De los conceptos aprendidos en clase en este anuncio he de destacar:
-Originalidad: Un anuncio muy original, colocando a la mujer en la situación de “observadora” cosa que nunca se había hecho antes, con una música pegadiza.
-Polisemia: Ya que el anuncio empezaba a introducirse en el mercado, trataba de difundir la idea de que coca cola light es para todos los públicos, tanto para mujeres como hombres.
-Simplicidad: Todo esto lo expresa mediante una secuencia de hechos muy sencilla: Son las cuatro y media la hora del descanso de los obreros y todas se asoman a verle sin camiseta y como toma su coca cola light, pero no pasa nada porque volverá a tener otro descanso.
Finalmente es icónico, porque muestra la realidad misma, si los hombres piropean y observan a las mujeres, estas realizan lo mismo.
He elegido esta imagen porque Coca – Cola es un producto reconocido mundialmente y sus anuncios se caracterizan por ser especialmente emotivos a la vez que brillan por su originalidad.
Comenzando por el punto de vista denotativo, en primer plano de la imagen aparece un pingüino tumbado en la arena de la playa, aprovechándose de la sombra que produce una hamaca. En dicha hamaca se encuentra sentado un hombre de mediana edad girado unos veinte grados hacia la derecha aunque sin cambiar su posición frontal hacia el agua. Arriba a la derecha podemos ver el logotipo de Coca – Cola.
En segundo plano se aprecia el agua del mar donde podemos ver niños jugando, nadando y una pareja paseando por la orilla. Los personajes van vestidos con traje de baño adaptándose así a las condiciones climáticas. Aparecen personajes de todas las edades que en ningún caso son famosos. Coca – Cola, clasificada como una marca de bebidas refrescantes, se ubica en la parte inferior de la imagen, entre las manos del pingüino. Todo el gráfico está lleno de colores vivos, lúcidos y llamativos. Abundan de azul y el rojo.
Atendiendo a un análisis subjetivo de la imagen, el símbolo de Coca – Cola colocado como anteriormente he descrito, arriba a la derecha, hace la función del sol. El mensaje subyacente en la imagen es la sorpresa decepcionante que el hombre se lleva al ver desaparecido su refresco. Implica necesaria la Coca – Cola en muchos momentos placenteros, como es el de estar en la playa, y crea un vínculo entre el hombre y el producto anunciado. Por otro lado se aprecia la comodidad y satisfacción del pingüino al haber encontrado la Coca – Cola, ya que viene de un lugar frío (el Polo Norte) y siente calor. El mensaje que transmite este imagen va dirigido a todo tipo de público sin hacer distinción entre sexo y/o edad. No se restringe a ningún grupo y tampoco se cierra a ningún ámbito.
He elegido esta imagen porque Coca – Cola es un producto reconocido mundialmente y sus anuncios se caracterizan por ser especialmente emotivos a la vez que brillan por su originalidad.
Comenzando por el punto de vista denotativo, en primer plano de la imagen aparece un pingüino tumbado en la arena de la playa, aprovechándose de la sombra que produce una hamaca. En dicha hamaca se encuentra sentado un hombre de mediana edad girado unos veinte grados hacia la derecha aunque sin cambiar su posición frontal hacia el agua. Arriba a la derecha podemos ver el logotipo de Coca – Cola.
En segundo plano se aprecia el agua del mar donde podemos ver niños jugando, nadando y una pareja paseando por la orilla. Los personajes van vestidos con traje de baño adaptándose así a las condiciones climáticas. Aparecen personajes de todas las edades que en ningún caso son famosos. Coca – Cola, clasificada como una marca de bebidas refrescantes, se ubica en la parte inferior de la imagen, entre las manos del pingüino. Todo el gráfico está lleno de colores vivos, lúcidos y llamativos. Abundan de azul y el rojo.
Atendiendo a un análisis subjetivo de la imagen, el símbolo de Coca – Cola colocado como anteriormente he descrito, arriba a la derecha, hace la función del sol. El mensaje subyacente en la imagen es la sorpresa decepcionante que el hombre se lleva al ver desaparecido su refresco. Implica necesaria la Coca – Cola en muchos momentos placenteros, como es el de estar en la playa, y crea un vínculo entre el hombre y el producto anunciado. Por otro lado se aprecia la comodidad y satisfacción del pingüino al haber encontrado la Coca – Cola, ya que viene de un lugar frío (el Polo Norte) y siente calor. El mensaje que transmite este imagen va dirigido a todo tipo de público sin hacer distinción entre sexo y/o edad. No se restringe a ningún grupo y tampoco se cierra a ningún ámbito.
LAS MANOS DE ESCHER
Esta imagen es un fascinante dibujo del gran artista holandés M.C.Escher.
Podemos observar como dos manos se dibujan una a la otra.
Es de una gran originalidad el ver como de un simple dibujo plano, va cogiendo volumen, hasta alcanzar un grado de iconicidad muy alto, entre un 6 de la pintura realista y un 7 de una foto en blanco y negro, de la escala de iconicidad de Villafañe.
Parece que las manos se salen del papel, crea una ilusión óptica propia de su estilo.
El anuncio que he escogido corresponde al de la campaña de Audi del 2010 para promocionar su nuevo modelo del Audi A7. He de decir primero que le Audi A7 es un turismo pero con una apariencia deportiva lo que va a condicionar la imagen que de él se quiere dar en el spot, innovadora y algo agresiva.
Es un anuncio complejo que presenta un alto grado de abstracción, en ningún momento vemos una imagen completa y real del coche, solo bocetos y líneas que crean siluetas y contornos de sus elementos, además aparecen duplicadas lo que las hace aún más abstractas. El único momento en el que vemos el coche entero es al final del spot ya para mostrar el resultado de la combinación de todos los elementos que hemos visto a lo largo del anuncio.
Es un anuncio muy connotativo, ya que unas imágenes se apoyan en otras para crear un significado. Vemos que el inicio de todos el proceso es el cerebro humano donde se crea la idea de cómo va ser el coche, podemos decir que es como un gran invento del hombre, acto seguido se empiezan a mostrar las piezas que lo componen, es curioso que la primera imagen muestre una parte del motor que asemeja la caja torácica humana, podemos pensar que la imagen del cerebro aparecida anteriormente puede significar que han creado algo tan perfecto como un ser humano, con cerebro, huesos y pulso, ya que en todo el anuncio aparecen líneas que palpitan, dando a entender que tiene vida, que por el circula sangre… o combustible en vez de sangre. Más adelante se nos muestra, ya casi completa, la parte de la carrocería donde va el motor, y aparecen alrededor unos caballos galopando, transmitiendo una sensación de potencia y de velocidad. Es curioso ver como a parte de los elementos más técnicos han aparecido también unos asientos, para transmitir una sensación de confort aparte de la de innovación. Por último se ensamblan todas las piezas y aparece la gran creación, el A7.
Aparte de las imágenes juega un papel muy importante en el anuncio la música, que da ritmo al spot y ayuda a crear esa sensación de estar contemplando una obra muy vanguardista.
Para concluir podemos decir que nos encontramos ante un anuncio muy polisémico ya que a parte de los dos significados que he mencionado antes podemos sacar un tercero, y es que a lo largo de todo el spot se nos presentan las imágenes como cuadros y composiciones utilizadas en psicología para ayudar a los pacientes, podemos pensar que todo lo que hemos visto no es más que un sueño, un deseo de nuestro subconsciente, algo que inconscientemente deseamos…
He decidido analizar la fotografía a partir del grupo originalidad – redundancia, nos encontramos ante un plano general corto, con poca profundidad de campo, ya que el personaje sale difuminado. Los colores son cálidos, adecuados a la ternura y delicadeza que para mí, expresa la imagen. La analizo desde el punto de vista de la originalidad ya que me parece perfecta y adecuada la angulación para hacernos creer que la flor, que sale en un plano principal, es la falda de la chica.
Fátima Martínez Collado, g.4
Apenas dices nada de esos elementos que dices analizar
Como spot publicitario a analizar he elegido el de la campaña de Repsol del año 2008, realizado por la agencia Young & Rubicam, y que lleva por título «Inventemos el futuro». Creo que lo que más destaca del anuncio a simple vista, y probablemente es por lo que lo haya elegido entre otros aspectos más profundos es el magnífico trabajo artístico, ya que a lo largo del anuncio se suceden un amplio número de personas en cuyos cuerpos han sido tatuados con llamativas y bonitas ilustraciones, asociadas a las palabras que una voz en off va narrando. Lo que nos relata son los logros y creaciones más importantes y trascendentales del ser humano a lo largo de la historia, por tanto el anuncio rinde culto a la capacidad creativa y afán de superación del ser humano, y, a partir de todo ello, como si de un anuncio de alguna organización ecologista se tratara, el spot que anuncia una compañía petrolífera conciencia a la sociedad de la responsabilidad que cada uno de nosotros tenemos en cuanto a la conservación de nuestro planeta. A partir de los logros humanos y la perseverancia el espectador se ve señalado como uno más dentro de la cadena que hará posible «inventar el futuro»
‘Si hemos sido capaces de todo eso, ¿cómo no vamos a ser capaces de proteger lo que más importa?’ es la frase contundente que cierra el spot. Resulta irónico que una marca petrolífera sea la que inste a la sociedad a hacer individualmente lo posible por cuidar el planeta, para que globalmente podamos seguir disfrutando de él en un futuro.
¿No es el petróleo el causante de tanta contaminación y de tantas guerras «silenciosas» en la acutalidad?
A lo largo del anuncio se ven reflejadas las imágenes en diferentes tipos de planos medios y cortos, pues lo que se quiere mostrar son las figuras humanas tatuadas que aportan fuerza y enfatizan lo que se va relatando.
De entre las propiedades de la imagen que hemos estudiando, creo que por lo que más destaca este spot es por su originalidad. Pese a que la publicidad sea un conjunto de mensajes redundantes, hay anuncios que pueden destacar sobre los demás precisamente por la originalidad que muestran, a pesar de que el mensaje final haya sido repetido una y otra vez. Y éste es un claro ejemplo. Cada imagen junto a su acompañamiento de audio al tener todo el conjunto una composición tan perfecta y tan original transmite fuertes sensaciones, llega a la emoción del espectador.
Me gustó mucho la primera vez que vi este anuncio, y ni siquiera me paré a pensar en el trasfondo que podría extraerse de él hasta que vi el spot que lo contrapublicitaba. En ese momento me di cuenta de la ironía que supone que una marca como Repsol lance una campaña como esta.
Bien el análisis, pero respecto a los pares de características, que es lo que se pide, es poco profundo. Solo lo tocas por encima.
(Vuelvo a subir el comentario sobre el spot que yo he elegido, ya que al subirlo modifiqué una frase.)
El anuncio que voy a analizar es de Coca Cola y se titula: “Referencias de una madre.
“-Hola
+ ¿Qué tal la entrevista?
-Lo de siempre piden referencias.
+ Referencias… vaya.
• Nací en el 86 desde entonces todos le creamos unas ojeras que no oculta, ella dice que son producto del amor. Su carrera se ha basado en la persuasión, me convenció de que las verduras me pondrían los ojos verdes, imaginación no le falta, no. La llamas y está, siempre está, por eso no me he convertido en el imbécil que podría llegar a ser. A veces grita, si, pero como no va a enfadarse la persona que lleva toda la vida comiéndose el filete con más nervios. Le saca partido a todo, es un genio. Debería darle las gracias a mi padre por haberle elegido. Yo creo que son buenas referencias ¿No?”
Ciñéndome a los pares de características estudiados en clase, y eligiendo como se pide uno de ellos, el más importante me parece el de originalidad frente a redundancia.
Este spot me parece muy original ya que no se centra en el producto ( la Coca Cola). El anuncio simplemente nos cuenta una historia llena de emotividad para que al recordar el anuncio recordemos el producto, y para que podamos asociar la Coca Cola con momentos bonitos y felices. También nos transmite el mensaje que Coca Cola está con la familia en los buenos momentos como es este caso de apoyo incondicional a una madre, y en los malos como hemos podido ver en otras ocasiones.
A la vez que original me parece un anuncio simple, persuasivo y que apela a los sentimientos de las personas. En otras campañas hemos podido observar como la marca ha creado anuncios de mayor complejidad, donde en algunos casos se llamaba solamente al consumo.
Creo que este es un buen ejemplo de cómo las grandes marcas al ya estar consagradas, no necesitan mostrar continuamente su producto simplemente crear en los espectadores un sentimiento y unas emociones que le unan al él.
He elegido este anuncio porque me parece realmente genial, personalmente me encantan estos spots que apelan a los sentimientos, en este sentido también me gustan mucho los anuncios de Ikea.
Muy meritorio tu análisis.
Tienes que cuidar un poco más la redacción.
He elegido el último spot de Audi, ya que esta marca nos está sorprendiendo cada vez más con sus originales campañas.
Si bien habían apostado por el sentimentalismo de un robot para su anuncio del A4, o por unos dibujos en un muro para el A3, ahora nos sorprenden con el nuevo spot del Audi A6 Hybrid, llamado “Manipulation”, donde un hombre va creando diferentes piezas del coche con sus propias manos.
Voy a empezar haciendo una lectura objetiva del anuncio.
La primera imagen que vemos es un plano general, donde hay una mesa en el centro con bloques de aluminio y dos focos a cada extremo de la habitación, la cámara se va acercando con un movimiento en travelling de avance hacia la mesa.
El siguiente fotograma es un plano de detalle que enfoca primero un brazo que coge el bloque de aluminio y luego lo moldea, lo estira y finalmente en un plano contrapicado le va dando forma hasta conseguir diferentes partes de la estructura del coche. Aquí aparecen varios planos: el ya mencionado, plano normal y picado.
Seguidamente vemos como aparece la parte trasera de la estructura en un plano corto y poco a poco se va alejando esta vez en zoom, hasta que vamos viendo diferentes zonas de la estructura en diferentes planos donde predomina el de detalle.
El último fotograma está hecho en un plano general donde se ve el coche ya construido.
En este análisis me he ceñido en la iconicidad y la abstracción.
En este caso destaca claramente el carácter abstracto. Lo que llama la atención es la sensación de poder jugar con el aluminio, sensación muy abstracta ya que pierde relación con la realidad y es imposible realizar tal cosa. También hemos de tener en cuenta que en los anuncios se juega mucho con esta pérdida de la iconicidad en los productos ordinarios, haciéndolos más perfectos para que parezcan distintos y mejores al resto.
En cuanto al grado de iconicidad, todas las partes que nos van mostrando a medida que se moldea el coche, se asemejan mucho a la realidad, ya que la estructura es sólida y todas las partes del coche son así realmente, lo único que es abstracto es el proceso de creación y el concepto de poder hacer todo lo que queramos con el metal.
Bien el análisis, pero cuida la redacción.
Es un anuncio de BMW para televisión e Internet (youtube). El 25º festival Iberoamericano de la Comunicación Publicitaria El Sol premió a este anuncio como el mejor de los últimos 25 años. Este spot fue realizado por la agencia S.C.P.F
Se combinan dos tipos de enfoques, uno desde dentro del coche que muestra exclusivamente el brazo del conductor saliendo por la ventana del coche en un plano medio. Y otro enfoque donde se ve desde atrás del coche ese brazo saliendo de la ventana también en plano medio, pues lo importante del anuncio es el brazo que sobre sale haciendo “olas”. Estos dos planos se van alternado de fomra que el fondo y la carretera son distintas, dando la sensación de que el señor que conduce a viajado mucho y que está muy a gusto viajando en su BMW pues va moviendo el brazo al son de una música relajante que nos hace soñar, que nos transmite tranquilidad, que con ese coche vamos a estar seguros y a disfrutar conducir. Esta banda sonora es un fragmento de la canción: Una Historia Verdadera, de Angelo Badalamenti.
El primer fotograma podemos observar un primer plano de la mano con una luz de tarde (nos presentan la mano que será lo más importante del anuncio) con el fondo de una montaña y un cielo azul. La mano forma una diagonal para dar movimiento a esa primera imagen. Se pasa la imagen del brazo en un plano medio a través de una transición a negro. Se corta la imagen y seguidamente se ve el brazo desde atrás. La línea del horizonte en este caso esta ¾ por debajo, (nunca se encontrará en la mitad de la imagen porque resulta anti estético). El coche no se ve ni la marca porque no es importante presentarlos en este “spot”, pues la marca tiene el suficiente renombre como para centrarse exclusivamente en las emociones. El brazo se encuentra a la derecha dejando ver el paisaje, pues se intenta que “viajemos”. Se vuelve a un primer plano de la mano que sirve como transición a otro plano medio desde atrás mostrándonos ahora otro paisaje.
Al final de este pequeño anuncio se nos pregunta: ¿te gusta conducir? de forma que se termina de penetrar en el pensamiento de los posibles consumidores. Es un anuncio que consigue llegar.
Tenías que analizarlo según los pares de características citados. El análisis está bien, pero cuida las erratas!!!
He escogido este anuncio porque es uno de los que he visto que más me han gustado, por su originalidad y por el uso de las frases que usa durante el trascurso de todo el spot.
Nos encontramos frente un anuncio de Powerade, una conocida marca de bebidas para deportistas.
En relación con el nivel denotativo destacan varios aspectos.
Para empezar aparece un túnel que pasa con rapidez a nuestro alrededor gracias al uso de un travelling. Dentro de esta escena nos identificamos como si fuésemos una persona corriendo que a su vez ve a otras que hacen lo mismo.
Tras esta escena aparece la imagen de una corazón bombeando sangre acompañado de la frase “el corazón se mueve de manera involuntaria, bumbum, bumbum”
A continuación aparece un primer plano de una boca respirando a la que también acompaña una voz en off a la vez que al corazón que hemos visto en la anterior escena se le unan unos pulmones y se escuche “los pulmones se llenan de aire sin que nadie pueda evitarlo, porque nadie es dueño de su cuerpo”.
Tras esto aparece la pierna de un hombre en primer plano centrada en la rodilla y en el gemelo, y a continuación una persona corriendo con un plano contrapicado haciendo que nuestro punto de atención vaya dirigido a las piernas, mientras la voz en off continua diciendo “¿O acaso tú has elegido el tuyo, ja ja ja…”
El anuncio continúa “ni siquiera eres consciente de muchos de sus movimientos”, mientras aparece una escena en primer plano de unas piernas muy fibrosas y a continuación y hombre corriendo y un esqueleto que ha surgido a raíz del corazón y los pulmones que aparecían al principio.
“Intenta no parpadear, no sudar, no tragar saliva” Acompañados de su respectiva imagen complementaria de una mujer sudando y parpadeando, un hombre corriendo, etc.
Tras esto aparece el esqueleto que se ha ido formando a lo largo de todo el spot convirtiéndose finalmente en un cuerpo completo, a la vez que bebe Powerade y la voz en off continúa con su descripción “¿Tu cuerpo te pertenece? Pertenece a quien lo hace funcionar.” En este momento aparece un plano de un corredor bebiendo el producto. Finalmente la voz en off hace su última aparición diciendo el eslogan del producto que aparece escrito en forma de grafiti en una pared “Toma Powerade y ayuda a tu cuerpo a llegar”.
Todas las escenas del anuncio estás formadas por escena cortas y la transición entre ellas es de corte simple, lo que hace que las imágenes pasen con gran rapidez entre nosotros, aunque en sí las imágenes estén tratadas de una forma más lenta de lo habitual. Y los planos detalle se usan durante todo el spot.
En cuanto al color, se utilizan sobre todo una gama de colores fríos, con una tendencia a una escala de grises y azules. Por lo que la viveza de los colores es menor aunque es complementaria a la voz en off que acompaña a todo el anuncio.
Con respecto a las características me parece un anuncio icónico que refleja bien la realidad, monosémico, muy original debido a los efectos que usa para formar un cuerpo por lo que también me parece un anuncio complejo aunque de fácil comprensión.
Para finalizar, tengo que decir que me parece un anuncio muy bueno y que utiliza muy bien los elementos que conforman el cuerpo humano y la forma de tratarlos es perfecta.
Comentario sobre una escena de la película Amélie o Le fabuleux destin d’Amélie Poulain (“El fabuloso destino de Amélie Poulain”).
Estos pasos son orientativos, pero se aconseja seguirlos para disfrutar del pequeño y sencillo comentario:
Paso. 1:
Visionar la escena:
Paso. 2:
Escuchar la Banda Sonora Original de la película, mientras se procede a leer:
http://www.youtube.com/watch?v=rHTxeyLTsSo&feature=related (BSO)
En esta escena aparece Amélie, la protagonista del film, ayudando a un transeúnte ciego a cruzar la calle y el mercado, describiéndole todo lo que ella veía y provocando en el anciano ciego una sensación inmensurable de alegría y emoción; puesto que a ella le encantaba ayudar a los demás sin ánimo lucrativo, hecho que se ve a lo largo de la película.
Este fragmento de la película está dominado por la velocidad de las imágenes, y de las palabras de la protagonista, hacia el ciego. Indagando más aún, observo un grado de iconicidad bastante alto, en esta escena, ya que en otras escenas, el nivel de abstracción aumenta. Aunque si bien es cierto, la abstracción también se percibe en la escena del ciego; cuando el ciego y Amélie se cruzan con personas, un tanto, extravagantes, algo atípicas a la realidad. Además es, bajo mi punto de vista, una escena con cierto grado de denotación, es decir, lo que percibimos es una joven acompañando a un anciano ciego a cruzar el mercado; pero pienso, que hay un nivel más alto de connotación , puesto que el autor nos quiere hacer ver un mundo de felicidad absoluta (cine/escena champán, “el espectador es introducido en una cierta ebriedad”, según Jean-Pierre Jeunet, el autor), la ingenuidad, unido a los olvidados deseos, resucitados posteriormente, etc.
En cuanto al grado de redundancia es tremendamente bajo, ya que como mencioné antes la originalidad o extravagancia de los personajes es bastante alta. Este film y esta escena no es nada redundante, no se parece a nada, es única, de ahí mi admiración hacia ella. Y vinculado a esta originalidad tengo que decir que se trata de una escena bastante compleja, debido a que el autor nos bombardea a imágenes y voces, muy rápidas, y con abundancia de objetos, personas y acciones.
Para finalizar, este fragmento está envuelto en un montón de significados, como dije antes en la connotación; por tanto, es una escena con un alto grado de polisemia, ya que se muestra el miedo de Amélie por buscar la felicidad y tener un fracaso sentimental, ayudando a otras personas, como en este caso el ciego y olvidándose de su propio bien.
Además del anterior comentario he redactado este, eligiendo el par: iconicidad y abstracción; en honor a mi tierra, Extremadura:
Este spot regional, número 60, del pasado año 2010, para fomentar el turismo en Extremadura, con el eslogan “Somos Extremadura”, tiene un claro grado de iconicidad, puesto que se muestran los paisajes tal y como son, es decir, son imágenes de imágenes reales. No obstante también se percibe un matiz de abstracción, a consecuencia de la rapidez de algunas escenas, observable en el cielo, donde las nubes desfilan a una velocidad claramente irreal, mostrándonos el retoque del cortometraje y llevándonos a pensar en ese atisbo de abstracción o modificación de la realidad.